Hervorgehoben

Rolf Lauter CV 1952-2025

Rolf Lauter CV & Biography 1952-2025

Dr. Rolf Lauter at the Press Opening of the Manet and the Execution Maximilian Exhibition, MoMA New York Photograph: Thomas Henne, Mannheim

INTRODUCTION

Born 3 December 1952 in Mannheim in the year of the Dragon. 1958-1960 Pestalozzi Grundschule, Mannheim. 1960-1962 Pfingstberg Grundschule, Mannheim. 1962-1972 Johann-Sebastian-Bach Gymnasium, Mannheim.

When he was only ten years old, Rolf Lauter accompanied his mother Margarete Lauter to work in her gallery in Mannheim every day after school (1963-1967). From 1967 to 1970 he worked as assistant curator and from 1970 to 1984 as exhibition curator at the Lauter Gallery.

Opening of the „Margarete Lauter Gallery“ in Mannheim, Bismarckstrasse L 15, 7-9 1963 with works by Ger Lataster, Ung-No Lee, Georges Noël, Rudi Baerwind and Zoltan Kemeny, in collaboration with the Paul Facchetti Gallery, Paris and the beginning of the long-term Collaboration with Paul Facchetti. Besides her general advisor and husband Harro Lauter the Mannheim artist Rudi Baerwind has been the gallery’s advisor since this year.

Long-term collaboration with the galleries Paul Facchetti, Iris Clert, Breteau, Alexandre Iolas, Rodolphe Stadler, Daniel Gervis, Denise René and Artcurial, Paris, the Galerie Friedrich and Dahlem, Munich, the Galerie Schmela, Düsseldorf, the artistic advisors Rudi Baerwind and Hans Himmelheber, one of the best-known specialists for cult and art objects from Africa as well as with the authors Claude Rivière, Wolfgang Sauré, Gerald Gassiot-Talabot, Margit Rowell, Germana Ferrari. Since the 1970s long-term cooperation with the galleries Juana Mordo, Madrid, Carl van der Voort, Ibiza, Hans Mayer, Düsseldorf, Hilt, Basel, Bruno Bischofberger, Zurich, Boisserée, Cologne, Galerie Pudelko, Bonn, Galerie Maeght, Paris, Galerie Kaess-Weiss, Stuttgart, Galleria Peccolo, Livorno and Die Galerie, Frankfurt a.M.

First exhibition with works by „Uwe Lausen“ 1964 and one of the first happenings in a gallery in Germany under the title „Raspberry ice cream is the best in the whole country“. Beginning of the long-term collaboration with Galerie Friedrich und Dahlem, Munich. Second comprehensive exhibition in collaboration with Paul Facchetti, Paris: „Montparnasse today / Montparnasse aujourd’hui“, with works by Karel Appel, Sergio Camargo, Agustín Cárdenas, Pierre Clerc, Luis Feito, Sam Francis, Otto Herbert Hajek, Hans Hartung, Georges Mathieu, Mattia Moreni, Lewis Munford, Arnaldo Pomodoro, Jean-Paul Riopelle, K.R.H. Sonderborg, Pierre Soulages.

Extensive cooperation project with several galleries from Paris under the title: Magic in everyday life / Magie du banal 1965 with works by Royston Adzak, François Arnal, Eduardo Arroyo, Victor Brauner, René Bro, Aristide Caillaud, Dado, François Dufrêne, Yolande Fièvre, Peter Foldes, Klaus Geissler, Domenico Gnoli, Habbah, Horst Egon Kalinowski, Peter Klasen, Harry Kramer, Michel Lablais, Maurice Lemaître, Pavlos, Quilici, Bernard Rancillac, Robert Rauschenberg, Martial Raysse, Antonio Recalcati, Niki de Saint-Phalle, Peter Saul, Bernard Schultze, Ursula Schultze-Bluhm, Harold Stevenson, Jacques de la Villeglé. From this year start of a collaboration with Claude Rivière, Wolfgang Sauré, Gerald Gassiot-Talabot and the galleries Alexandre Iolas, Iris Clert, Galerie Breteau, Galerie «J», Claude Levin, André Schoeller and Galerie Stadler, Paris. Beginning of the friendly cooperation with the Galerie Daniel Gervis, Paris and with the artist couple Alexandre Istrati & Natalia Dumitresco, Paris. Numerous exhibition projects followed. Realization of the first of several solo exhibitions with «Georges Noël» and the beginning of a long-term friendly cooperation. Realization of the first of many subsequent exhibition projects with art and cult objects from Africa in collaboration with Hans Himmelheber, Heidelberg.

Start of cooperation with the artists of the «Syn Group: Bernd Berner, R.G. Dienst, Klaus Jürgen-Fischer, Eduard Micus, Marc Vaux» since 1966. Second happening in the Lauter Gallery under the title „Semantics in Mannheim, May 20, 1966 with Lattanzi and Schreib.“ First overview exhibition with works by young artists under the title „Divergences 66: Alt, Cuadrado, Guerin, Krieg, Meyer, Mohr, Montel, Negrelli, Robelin“. Realization of the first of several solo exhibitions with „Karl-Fred Dahmen“ and the beginning of a long-term friendly cooperation.

The „Galerie Margarete Lauter“ moves 1967 to new exhibition spaces at B 4, 10a Mannheim updating the name in „Galerie Lauter“ ever since. From 1967-1970 assistant for the preparation, organization and realization of exhibitions in the Lauter Gallery Mannheim. First overview exhibition with paintings and drawings by „Jaroslav Serpan“, with whom a friendly relationship has existed ever since. Beginning of a long-term collaboration with „Amadeo Gabino“, Madrid and the artist’s first comprehensive sculpture exhibition.

Solo exhibition „Shusaku Arakawa“ 1968 in collaboration with Galerie Schmela, Düsseldorf. Retrospective exhibition with sculptures by Louise Nevelson in collaboration with Galerie Daniel Gervis, Paris. Second overview exhibition with works by young artists under the title „Divergences 68: Hans Baschang, Karl Heinz Dennig, Dieter Glasmacher, Knut Knabe, Jens Lausen, Rolf Laute, Werner Nöfer, Jürgen Reipka, Konrad Schulz“. Realization of the first of several solo exhibitions with «Otto Herbert Hajek» and the beginning of a long-term friendly cooperation. Beginning of a long-term friendly collaboration with „Erwin Bechtold“, Ibiza and the artist’s first comprehensive exhibition.

First overview exhibition with works by „Gianfranco Baruchello“, in collaboration with Galerie Schmela, Düsseldorf 1969. First comprehensive overview exhibition with artists of the gallery under the title: „Accrochage 1969“ with works by Otmar Alt, Shusaku Arakawa, Bernd Berner, Walter Brendel, Peter Brüning, Erwin Bechtold, Eduard Bargheer, Modest Cuixart, Pierre Clerc, Karl Fred Dahmen, Rolf Gunter Dienst, Natalia Dumitresco, Alekios Fassianos, Gaul, Amadeo Gabino, Karl Otto Götz, Walter Heckmann, Wolf Heinecke, Marvin Israel, Alexandre Istrati, Klaus Jürgen- Fischer, Nicolas Krushenik, Ger Lataster, Rolf Laute, Georg Meistermann, Manolo Millares, Hans Nagel, Georges Noël, Konrad Schulz, Jaroslav Serpan, Mario Yrisarry.

From 1970-1984 responsible exhibition curator at Galerie Lauter Mannheim. Start of designing drafts and text contributions for invitation cards, brochures and catalogs for the Lauter Gallery as well as articles for newspapers and art magazines.

Since 1970 long-term cooperation with the artists Royston Adzak, Pierre Alechinsky, Karel Appel, Shusaku Arakawa, Arman, François Arnal, Eduardo Arroyo, Gianfranco Baruchello, Erwin Bechtold, Bernd Berner, Miguel Berrocal, Victor Brauner, Walter Brendel, Alexander Calder, Pierre Clerc, Karl Fred Dahmen, R.G. Dienst, François Dufrêne, Natalia Dumitresco, Alekios Fassianos, Yolande Fièvre, Lothar Fischer, Peter Foldes, Amadeo Gabino, Klaus Geissler, Domenico Gnoli, Hermann Goepfert, Habbah, Robert Häusser, Hans Hartung, Walter Heckmann, Erwin Heerich, Alexandre Istrati, Klaus Jürgen-Fischer, Rolf Kissel, Harry Kramer, Dieter Krieg, Luciano Lattanzi, Ger Lataster, Maurice Lemaître, Wilhelm Loth, Adolf Luther, Heinz Mack, Georges Mathieu, Roberto Matta, Eduard Micus, Manolo Millares, Joan Miró, Manuel Hernández Mompó, Robert Motherwell, Hans Nagel, Georges Noël, Pavlos, Otto Piene, Arnaldo Pomodoro, Robert Rauschenberg, Martial Raysse, Jürgen Reipka, George Rickey, Manuel Rivera, Niki de Saint-Phalle, Michael Sandle, Antonio Saura, Werner Schreib, Bernard Schultze, Gustav Seitz, Jaroslav Serpan, K.R.H. Sonderborg, Antoní Tàpies, Luis Tomasello, Günther Uecker, Victor Vasarely, Jacques de la Villeglé.

First overview exhibition with Op Art object pictures by «Manuel Rivera» in collaboration with the Juana Mordo Gallery, Madrid, with which a friendly relationship has existed ever since.

Retrospective exhibition with paintings, assemblages and drawings by «Manolo Millares» 1971 in collaboration with the Juana Mordo Gallery, Madrid.

From 1972 to 1984 studies in art history, classical archeology, Christian archeology, Romance studies and philosophy at the Ruprecht-Karls-Universität Heidelberg and at the Georg-August-Universität Göttingen (1976/77). First retrospective solo exhibition with works by „K.R.H. Sonderborg“ in collaboration with Daniel Gervis, Paris 1972. First of several presentations of clay sculptures and drawings by Lothar Fischer.

First presentation of „Op Art and Kinetics“ 1973 with works by Narciso Debourg, Heinz Mack, Günther Uecker, Luis Tomasello and Yvaral (Jean-Pierre Vasarely), in cooperation with the galleries Denise René, Paris and Hans Mayer, Düsseldorf. First solo exhibitions with works by „Hermann Goepfert“, Frankfurt, „Erwin Heerich“ in collaboration with Alfred Schmela, Düsseldorf and „Habbah“, Paris 1974. Comprehensive retrospective on the work of Werner Schreib. Comprehensive overview exhibition with an expanded circle of artists from the gallery in „Accrochage 74“ with works by: Horst Antes, Arman, Erwin Bechtold, Miguel Berrocal, Mark Boyle, Walter Brendel, Peter Brüning, Alexander Calder, Christo, Natalia Dumitresco, Yolande Fièvre, Lothar Fischer, Amadeo Gabino, Rupprecht Geiger, Hermann Goepfert, Habbah, Erwin Heerich, Alexandre Istrati, Rolf Kissel, Ger Lataster, Wilhelm Loth, Adolf Luther, Heinz Mack, Jobst Mayer, Georg Karl Pfahler, Otto Piene, Robert Rauschenberg, Manuel Rivera , Niki de Saint-Phalle, Werner Schreib, K.R.H. Sonderborg, Mark Tobey, Günther Uecker, Victor Vasarely.

First comprehensive solo exhibitions with works by „Otto Piene“ and „Adolf Luther“ 1975 and the beginning of a long-term friendly collaboration with the artists. 1975/76 curatorial assistant to Dr. Rainer Budde, director at the Wallraf-Richartz-Museum/Museum Ludwig, Cologne. Comprehensive overview exhibition with an expanded circle of artists from the gallery in „Accrochage 75“ with works by: Horst Antes, Jean Arp, Erwin Bechtold, Andreas Bindl, Walter Brendel, Pierre Clerc, Natalia Dumitresco, Lothar Fischer, Amadeo Gabino, Hermann Goepfert, Habbah , Erwin Heerich, Alexandre Istrati, Klaus Jürgen-Fischer, Rolf Kissel, Ger Lataster, Adolf Luther, Heinz Mack, Jobst Meyer, Manuel Hernández Mompó, Georges Noël, Otto Piene, Arnaldo Pomodoro, Robert Rauschenberg, Manuel Rivera, Michael Sandle, Werner Schreib, Bernard Schultze, Gustav Seitz, Jaroslav Serpan, K.R.H. Sonderborg, Jesús Raphael Soto, Antoní Tàpies, Günther Uecker, Ursula Schultze-Bluhm, Victor Vasarely.

First retrospective solo exhibition with sculptures and multiples by „Miguel Berrocal“ 1976 and the beginning of a long-term friendly collaboration with the artist and his family. First overview exhibition of the sculptures by „Gustav Seitz“ in collaboration with Luise Seitz. „Art from Belgium: Pierre Alechinsky, Etienne Elias, Pierre Lahaut, Marc Mendelson“ cooperation project with the City of Mannheim’s Department of Culture. Curatorial assistant to Dr. Rainer Budde, director at the Wallraf-Richartz-Museum, Cologne. First responsible organization of a larger special exhibition of the „24. Deutscher Künstlerbund“ (German Association of Artists), Multihalle Mannheim.

First comprehensive solo exhibitions with works by «Antoní Tàpies» 1977 in collaboration with the galleries Mordó, Madrid and Boisserée, Cologne. Extensive special exhibition with works by «Robert Motherwell» in collaboration with the Galerie Pudelko, Bonn.

First exhibition with photographs by „Robert Häusser“, a close family friend since the early 1960s in 1978. At the opening meeting with Peter Iden, who this year was appointed founding director of the Museum of Modern Art Frankfurt. Overview exhibition on the work of „Joan Miró“ and the beginning of a long-term collaboration with Galerie Maeght, Paris. Retrospective on the complete works of „Jaroslav Serpan“ in collaboration with Lucienne Sossountzov-Serpan, two years after the artist’s disappearance.

Beginning of the cooperation and friendship with „Antonio Saura“, Paris 1979 and first overview exhibition of the artist’s oeuvre in collaboration with the Rodolphe Stadler Gallery, Paris.

First meeting with „Georges Mathieu“ in Paris 1980 and subsequent extensive retrospective of the artist in Mannheim. Since this year the beginning of a long-term friendly cooperation. Retrospective of the works of „Georges Noël“, Paris. Since then, scientific exchange with the art historian Margit Rowell, Paris. First special exhibition with sculptures by „Erich Hauser“.

First extensive retrospective on the complete oeuvre of „Heinz Mack“ 1981 and the beginning of a long-term collaboration with the artist. Extensive special exhibition on the complete works of „Hans Hartung“, Antibes and the beginning of a long-term, friendly collaboration with the artist. Review of the gallery activity from 1963 to 1981 in connection with a retrospective overview of all artists and a comprehensive catalog.

First articles and exhibition reviews for the magazine «Pantheon» 1982. Curatorial assistant and friendship to Dietrich Mahlow in the context of the exhibition „Spielraum – Raumspiele“, Frankfurter Feste, Alte Oper, Frankfurt am Main 1982. First extensive individual presentation of the works of „Victor Vasarely“. Start of numerous cooperation projects with the Galleria Peccolo, Livorno.

First major special exhibition with works by „Roberto Matta“ in Mannheim 1983 in collaboration with the artist and his partner Germana Ferrari, Paris. Start of a long-term collaboration with „George Rickey“, Berlin / Santa Barbara, California and Interview with the artist in Berlin. Beginning with articles for the daily newspaper „Frankfurter Rundschau“. Invitation by Peter Iden, Director of the Museum für Moderne Kunst Frankfurt and Roland Burgard from the Building Department Frankfurt a.M. to the „Open competition for the new building of the Museum for Modern Art“.

1984 First major special exhibition with works by „Karel Appel“ at Galerie Lauter in collaboration with the artist. In September 1984, completion of studies in art history, classical archeology, Christian archeology, Romance studies and philosophy at the Ruprecht-Karls-Universität Heidelberg with the inaugural dissertation „Variable Sculpture. Studies on the phenomenon of changeability in 20th century three-dimensional composition“ to obtain the PhD from Prof. Dr. Peter Anselm Riedl.

Early 1984 Appointment by Peter Iden, the founding director of the Frankfurt Museum für Moderne Kunst (1978-1988), as the first curator of the Museum. During 1984-1991 responsible coordinator for the architecture of the new building and the museography in cooperation with the Viennese architect Hans Hollein. Lauter has been Chief Curator and Deputy Director from 1991 to 2002. From 1984-2002 he was responsible for the organization, budgeting and administration of the museum as well as curator for the collection and special exhibitions.

Curator of the exhibition „Bilder für Frankfurt“ at the Deutsches Architektur Museum, Frankfurt and editor of the museum’s first inventory catalog for the museum’s collection in 1985. Curator of the exhibition „Dalla pop art americana alla nuova figurazione: Opere del Museo d’arte moderna di Francoforte“ in the Padiglione d’Arte Contemporanea, Milan and editor of the museum’s expanded inventory catalog 1987.

1989-1994 lectures and teaching position on contemporary art at the Philips University, Marburg.

Curator of the exhibition and author of the catalog „Contemporary Art in Urban Space. Exhibition in the City Center Frankfurt» with site-specific installations by the artists Catherine Beaugrand, Richard Deacon, Joseph Kosuth, Sol LeWitt, Christiane Möbus, Bruce Nauman, Fabrizio Plessi, James Reineking, Joel Shapiro and Franz Erhard Walther in cooperation with the Förderverein Schöneres Frankfurt e.V., Frankfurt am Main 1990-1991.

In 1991 Curator of new presentations of groups of works by the artists «Carl Andre», «Thomas Bayrle», «Heiner Blum», «Alighiero Boetti», «Christian Boltanski», «John Chamberlain», «Walter de Maria», «Dan Flavin», «Herbert Hamak», «Jasper Johns», «Donald Judd», «Joseph Kosuth», «On Kawara», «Yves Klein», «Roy Lichtenstein», «Mario Merz», «Robert Morris», «Reinhard Mucha», «Claes Oldenburg», «Charlotte Posenenske», «Robert Rauschenberg», «Gerhard Richter», «Peter Roehr», «James Rosenquist», «George Segal», «Frank Stella», «James Turrell», «Bill Viola», «Robert Watts», «Jeff Wall», «Franz Erhard Walther», «Andy Warhol» und «Tom Wesselmann» from the MMK collection and author of the Museum texts.

Curator of the one man show and editor of the publication „Carl Andre: Extraneous Roots“, special exhibition of the Museum für Moderne Kunst in the Carmelite Monastery, Frankfurt am Main 1991.

In 1992 Curator of the new presentations of groups of works by the artists „Thomas Bayrle“, „Alighiero Boetti“, „Walter de Maria“, „Yves Klein“, „On Kawara“, „Frank Stella“ and „Reinhard Mucha“ from the MMK collection and author of the Collection texts.

In 1993 Curator of the new presentations of groups of works by the artists «Carl Andre», «Alighiero Boetti», «Fischli & Weiss», «Gotthard Graubner», «Herbert Hamak», «Donald Judd», «Robert Morris», «James Turrell» und „Works of the 1960ies: «Jasper Johns», «Roy Lichtenstein», «Robert Rauschenberg», «James Rosenquist», «George Segal», «Andy Warhol», «Tom Wesselmann» und «Gerhard Richter»“ from the MMK collection and author of the Museum texts.

From 1993-1995 initiator and coordinator of the „Netzwerk Kultur“ project group and curator of the extensive anthology project „Art in Frankfurt 1945 to today“ as part of the 1200th anniversary of the city of Frankfurt am Main with 19 special exhibitions at 11 locations in the city of Frankfurt. Editor of a project book entitled „Art in Frankfurt 1945 until today“ and of 4 other publications in 1994/95.

Text contributions on the artists „Peter Fischli & David Weiss“, „Katharina Fritsch“, „Robert Gober“ and „Bill Viola“ in the art magazine „Kunstforum“.

In 1995 Curator of the new presentations of work groups by the artists „Dan Flavin“, „John Chamberlain“, „Donald Judd“, „Michelangelo Pistoletto“, „Arnulf Rainer“ and „Franz Erhard Walther“ from the MMK collection and author of the Museum texts.

Since 1995 „Commissioner for special projects of cultural urban development“ on behalf of Frankfurt Mayor Petra Roth.

Concept and coordinator for the project „Artistic design of the exterior facades of the Museum of Modern Art by Roy Lichtenstein“ in the context of the Goethe year 1999. Meeting with the artist, New York, November/December 1995 & April 1996.

1995-1997 conception, curator and coordinator of the dialogue exhibition „Views from Abroad: European Perspectives on American Art“, a cooperation project between MMK Frankfurt and the Whitney Museum of American Art, New York, to create a temporary imaginary museum of two international collections.

Editor of the autobiography „Alex Katz: Invented Symbols“, in the series „Positions in Contemporary Art 2“, event with the artist at MMK Frankfurt, February 4, 1997 and long-term friendly cooperation with Alex Katz.

Curator of the retrospective exhibition „ALIGHIERO BOETTI (1940-1994): Mettere al Mondo il Mondo / Bringing the World into the World“, MMK – Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, 30.01.-10.05.1998 & Galerie Jahrhunderthalle Hoechst, 01.03.-19.04. 1998.

Film production „ALIGHIERO BOETTI (1940-1994): Mettere al Mondo il Mondo“, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main 1998. Film production: Otto Schweitzer.

Curator of the special exhibition „Alex Katz: Smile“ (1993/94) at the MMK Frankfurt am Main 1998.

Curator of the special exhibition „horizontal – vertical: Carl Andre, Dan Flavin, Caspar David Friedrich, Herbert Hamak, Piet Mondrian, Unknown master of 1500“, Galerie Jahrhunderthalle Hoechst 1998.

Coordinator of the symposium „Essay on Abstraction I“ and lecture on Mark Rothko. Museum für Moderne Kunst in cooperation with Rotraut de Clerc, Frankfurter Psychoanalytisches Institut 1998.

Curator of the exhibition and publisher of the publication „Martha Rosler: In the Place of the Public: Airports of the World“, Airport Gallery Frankfurt Airport, „Positions of Contemporary Art 3“ and longstanding friendly collaboration with the artist 1998.

Curator of the first major retrospective with video installations and video projections of „Bill Viola – A 25 Year Survey Exhibition – Works from 25 Years“, Museum of Modern Art / Schirn Kunsthalle / Heilig-Geist-Kirche in the Dominican monastery / Roman hall in the Römer town hall / Deutsche Börse – IHK, Frankfurt am Main 1999. Editor of the extensive publication „Bill Viola: Europäische Einsichten / European Insights“, the text book for the exhibition with contributions by 40 authors 1999.

Conception and curator of the exhibition series „Images and the Human Image“ with presentations of extensive loans and text brochures on selected contemporary art artists: Introduction, Alex Katz, Eric Fischl 1. The theme-oriented special exhibitions with loans were linked to content dialogues with groups of works from the collection of the Museum für Moderne Kunst and realized as part of the „Change of Scene“ exhibitions XVI-XIX between 1999-2001.

Curator of the first retrospective of the American photographer „Peter Fink“ (1907-1984) in Germany, Amerika Haus Frankfurt and other cultural institutions 1999-2000.

Lecture on the topic „Bill Viola: Inner Worlds – Outer Worlds“, Museum Ludwig Cologne, November 23, 1999.

Extensive article in the magazine „Kunstforum International“ entitled: „Art as collective aesthetics. From the «Aestheticization of Life Practice» to an «Aesthetics of Existence»“.

Curator of the extensive special exhibition and editor of the publication on „Lucian Freud: Naked Portraits. Works from the 1940s to the 1990s“, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main 2000/2001.

Part 2 of the exhibition series „Bild und Menschenbild – Images and the Human Image“ with work presentations and text brochures on selected contemporary art artists: Christian Boltanski, Eric Fischl 2, Peter Fischli & David Weiss, Lucian Freud, Katharina Fritsch, Franz Gertsch, Martin Honert, Neil Jenney, Roy Lichtenstein, Andy Warhol. The theme-oriented special exhibitions with loans were linked to content dialogues with groups of works from the collection of the Museum of Modern Art and realized as part of the scene change XVI-XIX between 1999-2001.

Curator of the work dialogue „Roni Horn: Untitled (glass cubes), 1997 & On Kawara: Date Paintings, 1966-1991“, MMK Frankfurt am Main.

Lecture on „Bill Viola: Inner Worlds – Outer Worlds“, ZKM – Center for Art and Media, Karlsruhe, October 13, 2000.

Curator of the retrospective and editor of the publication „Jeff Wall: Figures and Places. Ausgewählte Werke 1978-2000 / Selected Works 1978-2000 », Museum of Modern Art, Frankfurt 2001.

Curator of the special exhibition „John Baldessari, Tetrad Series, 1998/1999“ at MMK Frankfurt 2001.

Curator of the special exhibition „Franz Erhard Walther: 1. Werksatz 1963-1969 and Wortbilder 1957/58“ at the MMK Frankfurt 2001.

Curator of the work dialogue „Alighiero Boetti – Richard Long – Sol LeWitt: Order and Disorder“, MMK Frankfurt 2001.

Editor of the commemorative publication „For Jean-Christophe Ammann“, Museum of Modern Art, Societäts-Verlag, Frankfurt 2001.

Catalog introduction and expert report on the painting „Lucian Freud: After Cézanne“, National Gallery of Australia, Canberra 2001.

Strategy paper: «Frankfurt 2006. Building blocks for strategic cultural management. Concept paper on the change in aesthetic framework conditions for the city of Frankfurt am Main in the years 2001-2006», concept of the Mayor’s representative for special projects of cultural urban development.

Strategy paper „Aesthetic framework conditions for the cultural development of the city of Frankfurt am Main in the years 2002-2010. A city on the way to becoming an economic and cultural metropolis“. Concept of the Mayor’s representative for special projects of cultural urban development.

Culture mile Braubachstrasse – an urban accent in the center of Frankfurt. Press conference. Concept of the Mayor’s representative for special projects of cultural urban development.

Concept for the new „Museion“ museum in Bolzano / Italy from April 2001.

Lecture on „Bill Viola: The Myth of Existence“, Deutsche Bank & Solomon R. Guggenheim Foundation Berlin, March 13, 2002.

Lecture at the Landau Art Academy entitled „Image and Truth in the «Portraits» and «Naked Portraits» by Lucian Freud“ on May 11, 2002.

Concept and Curator of the special exhibition „Leuchtspur“ (Traces of Light) along the „Kulturmeile Braubachstrasse“, in Off Sites and in the „MMK Project Room Old Customs Office“. A project by the Mayor’s representative and „Commissioner for Special Projects in Urban Cultural Development“ 2002.

In 2002, the Head of the Department of Culture in Mannheim appointed Lauter as Director at the Kunsthalle Mannheim (2002-2007).

Conception and realization of a new museum concept under the title „The New Kunsthalle – A living Museum of Dialogues“. The basic idea behind the concept is the draft of a „Collection model with a structured content“, which dissolves the traditional art-historical chronology of the collection and – based on a „cross-over structure“ – combines works from the collection with international loans to create constellations with corresponding content. In doing so, selected individual artistic positions from the collection are brought together with works from a wide variety of media from different global cultures and different historical times to create congenial, essentially connected room installations. The concept was implemented in several exemplary presentations (The New Kunsthalle I-IV, Direct Painting, Full House: Faces of a Collection), combined with specific architectural changes to the exhibition rooms, in the years 2003-2007 and was concluded on the 100th anniversary of the Kunsthalle in 2007.

In 2003 beginning of the four-part exhibition cycle: „The New Kunsthalle I: Representing the Collection“, Kunsthalle Mannheim.

Beginning of the exhibition series “ Underground Dialogs 1: Landscape Sublime“, selected works from the graphic collection in dialogue with contemporary art, Kunsthalle Mannheim 2003.

Curator of the exhibition and author of the publication „Blickachsen 4: Sculptures in the Kurpark Bad Homburg v. d. Höhe» with site specific sculptures by Carl Andre, Miguel Berrocal, Eric Fischl, Sebastian Fleiter, Antony Gormley, Nigel Hall, Joseph Kosuth, Markus Lüpertz, Nicola Möser, Lawrence Weiner u.a., Galerie Scheffel, Bad Homburg 2003.

Lecture: «The museum of the future. From the „reconstruction of history“ to the permanent updating of the present. The Kunsthalle Mannheim on the way into the future», Kunsthalle Mannheim, November 5, 2003.

„The New Kunsthalle II: natural – physical – sensual“, New presentation of the collection part 2, Kunsthalle Mannheim 2003/2004.

Curator of the special exhibition „Jürgen Teller: Tracht [&] Go sees“, Kunsthalle Mannheim 2004.

«Approaching Contemporary Art». Lectures and guided tours in front of originals in the Kunsthalle Mannheim for audiences and senior citizens at the University of Mannheim 2004-2006.

Curator of the exhibition „The New Kunsthalle III: material – immaterial“ New presentation of the collection, part 3, Kunsthalle Mannheim 2004.

Introduction to the catalog of the special exhibition „Alighiero e Boetti“, Barbara Gladstone Gallery, New York 2004.

Curator of the special exhibition „Arthur Omar: Photo Works and Video Projections“, Kunsthalle Mannheim 2004. Curator of the special exhibition and introduction to the catalog „Nigel Hall: Hidden Valleys“, Kunsthalle Mannheim 2004. Curator of the special exhibition „Focus video: Yang Fudong“, Kunsthalle Mannheim 2004. Curator of the special exhibition „Focus video: Gary Hill“, Kunsthalle Mannheim 2004. Curator of the special exhibition and editor of the publication «H.-W. & J. Hector Art Prize of the Kunsthalle Mannheim 2003: 1st Prize Gunda Förster», Kunsthalle Mannheim 2004.

Beginning of the exhibition cycle „Wunderkammer Private Collection I: Stephan Balkenhol, Candida Höfer, Michel Majerus, Józef Robakowski“ in the „Metzler Kabinett“, Kunsthalle Mannheim 2004.

„At the Studio: Lynette Yiadom-Boakye“, London 2004 and first individual presentation of a group of works by the artist as part of „Die Neue Kunsthalle IV – Direct Painting“, Kunsthalle Mannheim 2004/2005.

Curator of the exhibition and editor of the publication „Die Neue Kunsthalle IV – Direct Painting: 40 Positions of international contemporary painting“, Kunsthalle Mannheim 2004/2005.

Curator of the exhibition and editor of the publication „Yan Pei-Ming: The Way of the Dragon“, the artist’s first retrospective in a German Museum, Kunsthalle Mannheim 2004-2005.

Curator of the special exhibition „Wunderkammer Private Collection II: Mark Fairnington – Fabulous Animals“ in the „Metzler Kabinett“, Kunsthalle Mannheim 2004/2005.

Concept and foundation of the new departments „Hector Science Center“ and „Hector Creativity Center“ in the Kunsthalle Mannheim in 2005/06.

In February 2005 the English architect „David Adjaye / Associates“ was invited and commissioned to draw up a concept and a feasibility study for a possible new architecture in place of the 1983 Kunsthalle Mannheim building.

Curator of the first retrospective with paintings by „Cecily Brown“ in a German Museum in cooperation with Modern Art Oxford, Kunsthalle Mannheim 2005.

Curator of the extensive special exhibition „Jaume Plensa“, in cooperation with the Wilhelm Lehmbruck Museum Duisburg, Kunsthalle Mannheim 2005.

Curator of the exhibition „The American Dream“, in collaboration with DZ Bank Frankfurt, Kunsthalle Mannheim 2005.

Curator of the cooperation project «The New Ten. Contemporary art from the 10 Member states of the EU» in cooperation with the Stiftung für Kunst und Kultur e.V. Bonn and the Museum Küppersmühle Duisburg.

Exhibition cycle „68 degrees: Month of Photography II: Peter Fink, Martin Parr, Alastair Thain“, Kunsthalle Mannheim 2005. „Wunderkammer Private Collection III: Works of German Expressionism“ in the „Metzler Kabinett“ and the adjacent exhibition rooms of the old building, Kunsthalle Mannheim 2005/2006.

2005-2010 Member of the Scientific Advisory Board of the „Museo d’arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto“ (MART) in collaboration with Franco Bernabè (Presidente del Mart), Gabriella Belli (Direttore del Mart), Salvatore Settis, Achille Bonito Oliva, Alanna Heiss, Guy Cogeval and Manuel Borja-Villel.

Talks with Michael Lynch, Chief Executive Royal Festival Hall & South Bank Center, about the repositioning of the Hayward Gallery, London 2005.

Introduction to the catalog of the exhibition „Alighiero Boetti: Un pozzo senza fine – Embroideries“, Ben Brown Fine Arts, London, December 2005/2006.

2006 Opening of the «H. W. & J. Hector Research Center» and the «H. W. & J. Hector Creativity Center» of the Kunsthalle Mannheim. Concept for the special exhibition „Goya – Manet – Picasso: Faces of Fear“. An exhibition project for the 100th anniversary of the Kunsthalle Mannheim in cooperation with the Museo Nacional del Prado / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía and Museum of Modern Art, New York 2006.

Curator of the most comprehensive, museum-wide new presentation of the Mannheim collection including selected loans under the title „Full House: Faces of a Collection“, Kunsthalle Mannheim 2006.

Curator of the special exhibitions „Full House: Special 1-5“ with groups of works by „Hussein Chalayan, Axel Geis, Uwe Kowski, Zbigniew Rogalski, Wawrzyniec Tokarski“, Kunsthalle Mannheim 2006.

Special presentation „Take a walk on the wild side: Lynette Yiadom-Boakye“ as part of the exhibition „Full House“, Kunsthalle Mannheim 2006.

Curator of the exhibitions «68 degrees: Month of Photography III: Peter Loewy, Sigmar Polke, Pat York», Kunsthalle Mannheim 2006.

Cooperation project «Picasso. Tradición y vanguardia“, in close collaboration with Miguel Zugaza, Museo Nacional del Prado & Ana Martínez de Aguilar, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía 2006.

On loan of the picture from Edouard Manet, „The Execution of the Emperor Maximilian of Mexico“, 1868. Speech, press tour & introduction to the painting by Manet for the King and Queen of Spain, Madrid June 2006.

Cooperation with Glenn D. Lowry & John Elderfield, The Museum of Modern Art and loan of the painting by „Edouard Manet, The Execution of Emperor Maximilian of Mexico (1868)“ for the exhibition „Manet & The Execution of Maximilian“, MoMA New York 2006/2007.

Redesign and implementation of the „Kunsthalle Sculpture Park“ with numerous loans and use of a new lighting concept for the nightly presentation of the architecture and sculptures 2006/07.

Curator of the dialogue exhibition „Weischer meets Beckmann“, Kunsthalle Mannheim 2007.

Curator of the special exhibition „SEO: In the end came the day“ and catalog introduction, Kunsthalle Mannheim 2007.

Installation and opening of the globally unique light installation „Four Eyes“ (2007) by the American James Turrell on the two outer facades of the new Kunsthalle building from 1983, a gift from «H.W. & J. Hector Foundation» for the 100th anniversary of the Kunsthalle, March 2007.

Curator of the «H. W. & J. Hector Art Prize of the Kunsthalle Mannheim 2006», Kunsthalle Mannheim 2007 and editor of the catalogs for „Albrecht Schäfer: 1st Prize“, „Sonja Vordermaier: 2nd Prize“ and „Nasan Tur: 2nd Prize“, Kunsthalle Mannheim 2007.

Curator of the second comprehensive new presentation of the museum collection as part of the 100th anniversary of the Kunsthalle Mannheim under the title: „The New Kunsthalle – A Living Museum of Dialogues“, Kunsthalle Mannheim, May 2007.

Studio visit and interview with „Alex Katz“, Maine 2007. Studio visit and interview with „Philip Pearlstein“, New York 2007.

Curator of the special exhibition „Thomas Zipp: Planet Caravan – A Futuristic World Fair“, Kunsthalle Mannheim 2007. Curator of the special exhibition „Tal R: Fruits“, Kunsthalle Mannheim 2007.

Concept by „James Turrell“ for „KHM-Niches“, i. e. for four Light-Installations in four niches of the old building of the Kunsthalle Mannheim 2007.

At the end of 2007 Lauter has been transferred to the position of commissioner for visual arts in the city of Mannheim (2008-2009). During that time concepts for cultural urban development including a „Culture-Topography Mannheim“, a project „Art in the City“, a „Space-pool“ to realize cultural projects, a „Kulturareal Jungbusch“, i.e. a conceptual reorientation of the «Hafenstrasse» with a „Belvedere Jungbusch“, an „Atelierhaus 1“, a „Gallery of Artists“, an „Art Campus“ with a „Temporary Contemporary“ as well as a concept for a «Galerie der Künste Mannheim E 5» an aesthetic and content-related redesign of the Mannheim City Hall, Mannheim 2009.

In summer 2009 conception, organization and implementation of the survey exhibition project „artscoutone – contemporary art in urban space from Industriestraße to the Castle“, a comprehensive overview exhibition on the scale of a documenta with site-specific works by 90 international artists in dialogue with a selection of artists from the Rhine-Neckar metropolitan region at 17 selected locations in the city center of Mannheim. (November 2009-March 2010).

Since 2008 conception and since 2009 implementation of various «Art Labs» – Laboratories for Contemporary Art, i.e. „artlabmannheim“, „artlabberlin“ and „artlabheidelberg“, located in temporary spaces of the Old Tobacco Factory P. J. Landfried in Heidelberg. Since the beginning Curator und Managing Director to promote creativity and emerging artists on new platforms for the arts. „artlabberlin“ opens in September 2013 in cooperation with „art loft berlin“. Premiere exhibition „Inner Worlds – Outer Worlds“ with video projections by Shahab Gabriel Behzumi, Cecily Brown, Valentin Hennig, Bill Viola, Berlin 2013.

In 2009 founding, between 2010-2012 curator and managing director of the Swiss Art Institution in the Forsthaus Villa Karlsruhe. During this time conception and realization of numerous exhibitions and publications: i.e. „Curator’s Choice“ (2009-10), „Artist Duos-Artist Friends“ (2010), „Hans Peter Adamski: Squares of Longing“ (2010), „Iconic Icons: Margret Eicher“ (2011), „Art Ambassadors“ (2012).

2009 Programmatic new concept for the „Temporary Kunsthalle Berlin“, exhibition cycle September 2009 – December 2010 as part of a cooperation with the „Foundation Future Berlin“, Berlin 2009.

In 2010 Concept for a «Mannheim Contemporary», Exhibition Hall for contemporary art and project space for contemporary artists in the Rhine-Neckar metropolitan region and Ideas competition with Peter Behrens School of Architecture Düsseldorf.

In the years 2010/2011 realization of the extensive project „artscoutneo – Junge Kunst @ artlabheidelberg“, Alte Tabakfabrik P. J. Landfried Heidelberg in cooperation with K & K STIFTUNG gGmbH, Heidelberg.

November 2010 Lecture and International Roundtable Talk „Museum in the Contemporary Context“. V International art fair „ART-KYIV contemporary 2010“.

2011 Lecture and participation in the roundtable discussion in connection with „Alighiero e Boetti Day“, Auditorium RAI, a cura di Luca Cerizza, Massimiliano Gioni & Francesco Manacorda in collaboration with ARTISSIMA & Fondazione Nicola Trussardi, Turin 2011.

2012 Curator of the exhibition „artlabmannheim @ East Site 2″ with works by Carolina Brack, Margret Eicher, Björn Knapp, Martin Knauf, Thomas Neger, Marcel Weber & Olga Weimer, Alastair Thain and Franziska Wolff, East Site 2, Mannheim 2012. Beginning of Exhibition cycle «Introspection. The Hidden Reality of the Artist“ with 100 works by 100 contemporary artists, artlabmannheim, Mannheim 2012/13.

May 2012 Concept and feasibility study for a „World Art Museum“ for the Getty Research Center Los Angles, Berlin, May 2012. Concept for the Metropolitan Museum New York on new collection and exhibition structures, Berlin.

2013 Introduction to the exhibition „Alighiero Boetti: Imaginando tutto“, Qatar Museums Authority in collaboration with Ben Brown London, March 2013.

Structure paper for the position of a new museum director, MOCA – Museum of Contemporary Art, Los Angeles, August / September 2013.

2013 „Dear John: John Baldessari in conversation with Rolf Lauter“, Sprüth Magers Berlin, interview in sleek 40, winter 2013/14.

In 2014 Foundation of the culture group „Swiss Art Council“ Zurich for the conceptual and organizational preparation of a museum model for the 21st century. The structure of the content of the „Museum of the Future“ is based on the conditions of growing globalization and overcomes the outdated structure of museums, which see themselves as archives and pursue the „reconstruction of history“ with a chronological order. In the near future we will establish a museum model that combines traditional works of art from different epochs and cultures on the basis of a space and time-spanning „cross-over structure“ with selected works and work groups of the immediate present to form holistic, dialogical constellations in order to experience the essence of the artworks themselves, their aesthetic presence, their ‚aura‘ and their cultural value in a comparison with works of comparable content. Based on this concept, works from many museums and collections around the world are temporarily brought together in a ‚Musée imaginaire‘. The central idea of the „Museum of the Future“ is therefore to address the concept of the present through a permanent updating of aesthetic positions from the past and present in the respective ’now‘.

Interview about art and culture in Mongolia with Jargal de Facto, ntv Mongolia, Ulaanbaatar 23.07.2014.

February 2015 Structure paper for the position of «General Director of the GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino and the Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea», Turin.

2015 Lecture and discussion with the musicologist Anno Mungen to introduce the evening event with the video projection by «Bill Viola» from 1994 to the concert by «Edgard Varèse: Déserts» (1954), Oper Frankfurt, as part of «Happy New Ears», Frankfurt am Main on June 9, 2015.

2016 Curator of the exhibition „Carolina Brack: Nature Transfigured: Cut Outs & Cut Outs Light“ in the vaulted cellars of the Hamilton Kunst Bar, Weinheim 2016. Introduction to the project Otgonbayar Ershuu – Antarctic Panorama Penguins, Zurich 2016.

2019 Catalog launch „Lou Ros – The Renaissance of Abstraction“. «Mutatio», Paris 2019.

2020 Catalog launch „Konrad Ross: Painting at the Origin of Language“, Berlin 2020.

2021 Homage to Christian Boltanski. Contribution to the artist’s death with interpretations of the room installations Les Ombres (1986) and Les Suisses Morts (1990), MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt.

2022 Incontri con Herbert Hamak. Un artista sulla via della pittura scultorea / Encounters with Herbert Hamak. An artist on the way to a sculptural painting, introduction in: HERBERT HAMAK. 30 anni con Studio la Città/30 years with Studio la Città, Verona 2022.

2023-2025 In connection with the concept for a „Museum of the Future“, new concepts, feasibility studies and the first locations for establishing global creativity centers, so-called ArtLabs and FutureLabs in various continents and countries around the world, have also been developed since 2010, organizations to promote creativity, creative thinking and acting as well as establishing strategic planning for the future. The task of the associated cultural scientists is no longer primarily to do retrospective research, but rather to „shape the future“, to plan, prepare, curate and coordinate it in global networks.

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Rolf Lauter Historical Overview 1963-2025

Constantin Brancusi & Yan Pei-Ming at Direct Painting & The Way of the Dragon Exhibitions,
Kunsthalle Mannheim 2004-2005. Photograph: André Morin, Paris

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Galerie Lauter Mannheim 1963-2003

Margarete Lauter at the Hans Hartung Studio, Paris 1967.
Photograph by Hans Hartung, Fondation Hartung Bergmann, Antibes

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Rolf Lauter Deputy Director MMK Frankfurt 1984-2002. Concepts/Exhibitions/Projects/Writings MMK Frankfurt 1984-1991

Dr. Rolf Lauter: Chief Curator & Deputy Director MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt 1984-2002. Museum Architecture by Hans Hollein, Vienna 1983-1991. Photograph: Rolf Lauter

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Rolf Lauter Deputy Director MMK Frankfurt 1984-2002. External Exhibitions & Catalog Contributions Part I: 1984-1994

Dr. Rolf Lauter – Chief Curator & Deputy Director at MMK Frankfurt 1984-2002
Photograph: Mara Eggert / Stadtarchiv Frankfurt

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Rolf Lauter Deputy Director MMK Frankfurt 1984-2002. External Exhibitions & Catalog Contributions Part II: 1994-1998

Rolf Lauter (Editor): Kunst in Frankfurt 1945 bis heute. Publication on the occasion of the 1200 years anniversary of the City of Frankfurt am Main, Societäts-Verlag Frankfurt 1995

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Rolf Lauter Deputy Director MMK Frankfurt 1984-2002. External Exhibitions & Catalog Contributions Part III: 1998-2001

Peter Fink: Golden Gate Bridge – Clouds, San Francisco 1960s
Rolf Lauter (Ed.): Peter Fink – Photographs. A special project of the Commissioner of cultural City Development Frankfurt, Amerika Haus, Frankfurt am Main 1999

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Rolf Lauter Deputy Director MMK Frankfurt 1984-2002. External Exhibitions & Catalog Contributions Part IV: 2001-2002

Eric Fischl & Rolf Lauter at MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt making of the special exhibition
Bild und Menschenbild / Images and the Human Image: Eric Fischl I & II
MMK Frankfurt 1999/2000. Photograph: Axel Schneider

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Rolf Lauter Commissioner Fine Arts Mannheim 2008-2009

Rolf Lauter Curator Swiss Art Institution 2009-2012, artscoutone / artlabmannheim / artlabheidelberg / artlabberlin 2010-2014

Rolf Lauter: artscoutone at artlabmannheim. Photograph: Petra Arnold, Mannheim

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Rolf Lauter Swiss Art Council 2010-2025

Portrait Rolf Lauter. Photograph: Kasia Paruszewska, Mannheim.

© 2025 The Lauter Archive / The Lauter Legacy / Dr. Rolf Lauter
thelauterarchive@gmail.com

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Rolf Lauter – Galerie Margarete Lauter 1963-1967 & Galerie Lauter Mannheim 1967-2003

Margarete Lauter, Galerie Lauter 1967. Photograph: Hans Hartung, Paris 1967 / Fondation Hartung-Bergman, Antibes
Rolf Lauter: Mannheim, Heidelberg, Frankfurt, Berlin, Zürich.
Photographs: The Lauter Archive, Berlin / Zürich / New York

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Rolf Lauter – Interview with John Baldessari @ Sprüth Magers Berlin 09/2013

JOHN BALDESSARI, LAWRENCE WEINER & ROLF LAUTER at the Opening of the „Views from Abroad: European Perspectives on American Art“ Exhibition, Whitney Museum of American Art, New York, November 17, 1996. Photograph: Axel Schneider.

Dear John: John Baldessari in Conversation with Rolf Lauter. Sprüth Magers Berlin, September 2013. Interview in sleek 40, winter 2013/14, 44-49.

I met John for the first time in New York in 1995 while preparing the large dialogue exhibition „Views from abroad: European Perspectives on American Art“ (Whitney Museum of American Art New York / Museum für Moderne Kunst Frankfurt 1996/1997). I still vividly remember his sampling photo work „Ashputtle“ from the collection of the Whitney Museum we discussed a long time. At the end of 1996 we met at the opening of the first part of the project at the Whitney Museum in New York and at the end of January again at the opening of the second part of the exhibition at the Museum für Moderne Kunst in Frankfurt. Since then, we met in Santa Monica, Los Angeles in his studio, several times in New York, and in Berlin. In the Frankfurt Museum, I was able to show groups of works from the Tetrad Series, early image-text works and photo collages in „change of scene“ exhibitions between 1997 and 2002.
In late 2013 I was asked to do an interview with John as part of the exhibition of his work group STORYBOARDS (IN 4 PARTS) in the Berlin gallery SPRÜTH MAGERS, which was published in the issue of the magazine sleek in late 2013 (Vol.40, winter 2013 / 14, 44-49). This interview brought me back to one of the most wonderful, intellectual and energetic people, one of the most authentic contemporary artists, and one of the most influential mentors for younger artists.
I am forever and deeply grateful to John for many insights into art, culture, politics and society.

Rolf Lauter: What was your first consciousness of being an artist?

John Baldessari: I studied art in college and then did art history. I supported myself by teaching art in schools, I painted on weekends and I pretty much thought that would be my life. But I just thought art was masturbation – it didn’t really help anybody. I wanted to be a social worker, do some good in the world. And then I had, well, I call it an epiphany: I taught young kids in the California Youth Authority, who were too young to go to prison but were in a prison-like situation. The public school system provided education, so they hired teachers that were really big in size, like me, for keeping the kids in control. And I saw that these kids, who were future criminals, cared more about art than I did! And that made me think there is a need for art in the world. It was important for these kids, who were going to be criminals as far as I could see. Art did have some use – I didn’t know what kind but I could see it had some – maybe spiritual nourishment or something like that, I have no idea. At that point I decided I was going to be an artist.

What was your motivation for making, in the Sixties, the first pictures you did with a camera – did you want to show your immediate environment?

John Baldessari: It was multidetermined. I was living in a little ghetto community outside of San Diego National City. I thought I would probably live there all my life and teach art in high-school and paint on weekends. I was doing art for myself. And because I thought nobody cared, I could do anything I wanted. The complaint you would hear at the time was, because it was in the midst of Abstract Expressionism, people said “my kid could do that”. So I thought, what if you give people what they want? They probably read newspapers and magazines, they probably have cameras and take pictures, I’ll do art that’s just text or texts and photographs, like in a magazine, and I’ll just put it on canvas – that’ll make it art, because it’s on canvas. It seemed a perfectly logical assumption to make, but I didn’t have any success with those either.

In that time you started to combine photographs with text. Was the text constructing a second part or did it continue in the same direction of meaning?

John Baldessari: Same thing. I consider a text as important as an image; they’re of equal value. So I can do something that is all text, text and photo or just photo, and it didn’t matter. I was just trying to get away from traditional painting.

So you started to create a very specific structure, where you included found imagery. Is this structure of combination, sampling, bringing different elements of content and contexts together a principle of your thinking and your art in general?

John Baldessari: I think so, yes. The way I learned art, it was a single sculpture, a single painting, and I never questioned that. But when I got into photography I realised I could have multiple photographs, multiple imagery, it didn’t have to be this one image, and it made sense for me philosophically because there’s not any one truth. I think, sometimes, you can have contradictory truths together, the world is more about multiplicity than just one thing, being one-dimensional. Very seldom have I used just a single image any more because I think that’s false. Art in one way you could say is a conversation, and I think when I’m talking to people I’d like to ask questions more than give answers. I like to suggest things rather than say “this is the way it is.”

If you create an image with, say, a chair, an apple, and a face from a Goya painting, what makes it different in the painting?

John Baldessari: What makes it different is that you see that the Goya in a different context, and the chair in a different context, and the apple. And you can ignore it, and say, “oh it’s a picture of Goya and all this other stuff”, but it would be like a doctor ignoring different symptoms and only focusing on one. It’s up to you.

Is art a creative act that starts with an image, a situation, a process or is it a direction pointing to a larger structure?

John Baldessari: I don’t have a clear answer for that. [Art is] having some sort of passion for doing what you think art might be. I don’t think I had any passion for it before I had this epiphany, and then, once I decided that I was going to be an artist, I decided that I was going to be the best artist I knew I could possibly be. I don’t know how you go about doing that. You just do what you intuitively think you should be doing.

Is perception a fantasy, completely subjective or is it a dialogue between the artist and the viewer through the painting?

John Baldessari: Ideally I think it’s a dialogue. But you never hear the conversation. I think it sounds very elitist but I also think art is a conversation with other artists, because we all look at each other’s works. I say something and if I think it’s good, I think another artist is going to say something back to me by what he or she does. And I might respond the same way. It’s a conversation with works.

Your works are not systematic; they’re intuitively organised and for me, in some way they mirror the world.

John Baldessari: I’m more a listener than I am a dictator. And based on what I hear, I do my work. I’m making judgements of course. I’m saying my responses to what I’m experiencing. I distrust conventional logic; I have an absurdist view of the world, which might be why I appreciate Dada and Surrealist artists and Duchamp. Bit I also love Matisse, and I love Giotto, and that’s my toolbox. I distrust conventional opinion. I would rather listen to what an artist has to say about the world than a politician.

Does that mean then that artists have a certain responsibility to comment on the world, to give an alternative reading of things?

John Baldessari: No, I think artists have a responsibility to themselves. I don’t think artists should be burdened with responsibility. Shakespeare wrote, “‘be true to yourself and you can’t be false to anybody.”

You once said that whenever you go to a museum, you see an image as a part of a film.

John Baldessari: It goes back to my distrust of a single truth. A single painting seems to be one truth, but if that image was not a painting but a frame in a film instead, you wonder what were the frames that came before and after. Or, if you had a wide angle shot, what would you see that’s not in the painting. Art is about editing, we don’t think it’s about that, but it’s about what you’re leaving out. Also, it’s about the times. de Kooning said that a masterpiece is only a masterpiece if it speaks to the present. If it doesn’t say anything to us than it’s dead. You can say that about any art, I think. Some art is dead, some art is not. But that doesn’t mean that 20 years from now dead art can’t be alive again.

If I understand it well, reality is a very open structure for you.

John Baldessari: I don’t know what reality is! I’m not prepared to speak about reality. I don’t know what reality is. I guess this is real (knocks on table). Does a table have any more reality than a thought? I don’t know.

What is the source of your interest artistically. Is it everything you see?

John Baldessari: Everything I see, everything I hear. And more than that, an old friend of mine was the critic Lucy Lippard, and I remember running her place one summer and she had a great library, and she had a little piece of paper pinned up on the wall, and on it was written “and on the other hand”. She didn’t believe everything; for anything you say you can think of something opposed to that.

You once included the words “Real shadows” in a work from the Tetrad series. There was a scene from a Goya painting, a minimal sculpture with a shadow, a film still in black and white and the text. Is a shadow in some way real? Or do you want to ask us?

John Baldessari: It was from Pessoa’s writing. He said “real shadows”. In one way it’s an obvious contradiction, people are going to say, shadows are not real, and he was saying “real shadows”, and I like contradictory statements… and the idea of a shadow being real, and also Goya who was a master of light and dark… I mean you can begin to make these connections; at least I can, very easily.

Would you say your work is the simplicity of complexity?

John Baldessari: Well hopefully it’s both, simple and complex. That’s why I like Matisse, why I like Goya. And I hope I don’t repeat myself. Then I’m just a hack. I hope I continue to say something new – other people might not read it that way – but otherwise I’d just be making a product.

In the new works you included colour plates. Is this a more abstract thinking in your work?

John Baldessari: It’s an adjunct. I can’t separate it out. You have four things there. The One section with the colour notation is about the way a filmmaker might have notes for how a film is supposed to look. And that’s the way I’m presenting them, these are abstract distillations of the look of these images. I can have a picture of you and it will be what you are wearing, it will be this and that colour, and say these are the colours you felt best about today. It’s an abstraction, a distillation. It says something about you, absolutely, without the interference of the face or the hair. Or anything else. It’s about the way you were thinking about yourself today as you dressed.

Do you have a vision you would like to realise?

John Baldessari: After many decades of doing art and thinking about art most of my waking hours, I hope I’m getting better and better at it. And I’m curious to see what will I come up with next. I’m at a point where I have command, like a composer, a thorough understanding of all the instruments available for me to make a symphony and I’m interested how I’m going to use those. I will keep the best parts of what I did last and get rid of the parts I thought didn’t work so well. It’s always a distillation, to get to a purer and purer statement.

Since that moment of epiphany about art, have you ever had doubts about art again?

John Baldessari: No, I haven’t. I don’t doubt myself, I doubt that area of knowledge we call art that has become contaminated by money. Sometimes I think I’m not making art I’m making trinkets for rich people. Yeah I have my doubts. But I say, I can’t help it, I just have to be true to myself. […] You have to be a master navigator. I’m not starving. I can say no to certain things.

Thank you John!

[to see]

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Rolf Lauter – Galerie Margarete Lauter Mannheim: Opening November 21, 1963

An absolute rarity with which I start my art.blog stories is the short film report I just discovered about Margarete Lauter’s gallery opened in Mannheim on November 22, 1963:

https://www.ardmediathek.de/video/swr-retro-abendschau/neue-kunstgalerie-in-mannheim/swrfernsehen-de/Y3JpZDovL3N3ci5kZS9hZXgvbzExNzI1NjI/

The film report, broadcast by SWR / ARD on November 22, 1963, shows Margarete Lauter with the then Mannheim mayor Hans Reschke, gallery friend Paul Facchetti, who also accompanied the first exhibition as a cooperation partner, Rudi Baerwind, then helpful Mannheim artist and friend of M. Lauter as well as Dietrich Mahlow, then director of the Kunsthalle Baden-Baden. Have fun looking …..

Opening Galerie Margarete Lauter Mannheim, 21.11.1963. Introduction: Dietrich Mahlow

https://rolf-d-lauter.webnode.com/galerie-lauter/

https://galerie-lauter3.webnode.com/

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Rolf Lauter – Swiss Art Council: Concepts, Exhibitions, Projects, Writings 2010-2025

Rolf Lauter at the opening of the exhibition artscoutone including 17 Locations at the City Center Mannheim 11/2009
PHOTOGRAPH: THOMAS HENNE, MANNHEIM

From today on I will write some information, texts, news about art, culture, artists or topics that have been important to me from 2009 until today in a spontaneous and aleatory form. Past, present and future will flow into a current „here and now“. I look forward to reflective, strategic, progressive and enlightening expositions of my perception of the world of art and culture.

Future posts and representations express my respect, joy, admiration, gratitude and friendship with many wonderful artists, well-known people or maybe unknown but extraordinary people. I am connected to everyone in some positive way. May my memories, thoughts, feelings and representations contribute the important mentors, supporters, special people and important aspects of my life being of lasting value in our collective memory.

Rolf Lauter Curator Swiss Art Institution 2009-2012 / Art Lab Mannheim, Art Lab Heidelberg, Art Lab Berlin 2009-2014 / Swiss Art Council 2010-2025

2010

Seit Beendigung des Arbeitsverhältnisses bei der Stadt Mannheim im Jahr 2010 freiberuflicher Kurator und Kulturmanager.

Konzept für ein «Mannheim Contemporary», eine Halle für die zeitgenössische Kunst und ein Projektraum für die Künstler der Gegenwart in der Metropolregion Rhein-Neckar verbunden mit einem Ideenwettbewerb der Peter Behrens School of Architecture, Düsseldorf unter Leitung von Prof. Manfred Morlock.

Herausgeber der Publikationsreihe: «Artist Books: Zhu Hong, Philipp Morlock, Olga Weimer, Marcel Weber & Olga Weimer, Starke Frauen #1», Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe, April/May 2010.

Kurator der Ausstellung und Herausgeber der Publikation «Künstlerpaare Künstlerfreunde – Artist Duos Artist Friends» mit Werken von Peter Fischli & David Weiss, Daniel & Geo Fuchs, Karla Hecker & Levke Leiß, Marcel Weber & Olga Weimer, Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe, 03.07.-04.09.2010.

Kurator der Sonderausstellung und Autor des Katalogs «Hans Peter Adamski: Sehnsuchtsquadrate / Squares of Longing», Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe 2010.

Vortrag und Diskussionsrunde / Lecture and International Roundtable Discussion „Museum in the Contemporary Context“. Vth International art fair „ART-KYIV contemporary 2010“, opening event at the museum complex „Art Arsenal“, Kyiv/Ukraine, November 2010.

Konzept und erstes Projekt der Ausstellungsreihe «artscoutneo – Junge Kunst @ artlabheidelberg», Alte Tabakfabrik P. J. Landfried Heidelberg in Zusammenarbeit mit K & K STIFTUNG gGmbH, Heidelberg 2010/2011.

Since the termination of the employment with the city of Mannheim in 2010 freelance curator and art manager.

2010 Concept for a „Mannheim Contemporary“, a hall for contemporary art and a project space for contemporary artists in the Rhine-Neckar metropolitan region combined with a competition of ideas from the Peter Behrens School of Architecture, Düsseldorf, under the direction of Prof. Manfred Morlock.

Editor of the series of publications: „Artist Books: Zhu Hong, Philipp Morlock, Olga Weimer, Marcel Weber & Olga Weimer, Strong Women # 1“, Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe, April / May 2010.

Curator of the exhibition and editor of the publication „Artist Duos – Artist Friends“ with works by Peter Fischli & David Weiss, Daniel & Geo Fuchs, Karla Hecker & Levke Leiß, Marcel Weber & Olga Weimer, Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe, 03.07. -04.09.2010.

Curator of the special exhibition and author of the catalog „Hans Peter Adamski: Sehnsuchtsquadrate / Squares of Longing“, Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe 2010.

Lecture and International Roundtable Talk „Museum in the Contemporary Context“. V International art fair „ART-KYIV contemporary 2010“, opening event at the museum complex „Art Arsenal“, Kyiv/Ukraine, November 2010.

Concept, first project and editor of the catalog of the exhibition series „artscoutneo – Junge Kunst @ artlabheidelberg“, Alte Tabakfabrik P. J. Landfried Heidelberg in cooperation with K & K STIFTUNG gGmbH, Heidelberg 2010/2011.

Rolf Lauter & David Adjaye / Associates, Kunsthalle Mannheim – Feasibility Study from February 2005, Im Auftrag des Förderkreises für die Kunsthalle Mannheim, Februar 2005.

https://www.morgenweb.de/mannheimer-morgen_artikel,-kultur-utopischer-leuchtwuerfel-_arid,161201.html

Presse 2010: „Die Kunsthalle könnte zum „Leuchtturm“ werden. Aber: Das Geld für einen großen Wurf fehlt – Londoner Architekturbüro schlägt Ummantelung des „Mitzlaff-Baus“ vor.“ Rhein-Neckar-Zeitung Nr. 184, 12. August 2010.

Rolf Lauter: Konzept für ein «Mannheim Contemporary», Halle für die zeitgenössische Kunst und Projektraum für die Künstler der Gegenwart in der Metropolregion Rhein-Neckar, Presse, Texte, Ausstellung, Mannheim, Februar 2010.

Rolf Lauter / Manfred Morlock: Ideenwettbewerb der Peter Behrens School of Architecture Düsseldorf für ein «Mannheim Contemporary», Variohalle m:con – Mannheimer Congress Center, Rosengarten Mannheim, 20.-22.03.2010.

«Lauters Träume», Die Rheinpfalz Nr.65, 18.03.2010.

«Visionen für ein Künstlerhaus», Mannheimer Morgen, 18.03.2010.

«Blühende Bauphantasien im Jungbusch», Mannheimer Morgen, 20.03.2010.

«Eine Heimat für die freien Künstler», Die Rheinpfalz Nr.69, 23.03.2010.

«Lauters laute Töne, Die Rheinpfalz Nr.73, 27.03.2010.

Auf dem Papier gibt es das Künstlerhaus schon, Rhein-Neckar-Zeitung Nr.74, 30.03.2010.

Rolf Lauter (Hrsg.): Artist Books: Zhu Hong, Philipp Morlock, Olga Weimer, Marcel Weber & Olga Weimer, Starke Frauen #1, Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe, April / May 2010.

https://www.academia.edu/102454811/Rolf_Lauter_Starke_Frauen_1_Booklet_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://www.academia.edu/102452609/Rolf_Lauter_Margret_Eicher_Booklet_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://www.academia.edu/102418137/Rolf_Lauter_Zhu_Hong_Booklet_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://www.academia.edu/102417599/Rolf_Lauter_Olga_Weimer_Booklet_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://www.academia.edu/102417454/Rolf_Lauter_Philipp_Morlock_Booklet_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://www.academia.edu/102417224/Rolf_Lauter_Marcel_Weber_and_Olga_Weimer_Booklet_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

Marcel Weber & Olga Weimer: Dialogue on a Birch Tree. Swiss Art Institution @ Maison Victor, Berlin 05.06.-27.06.2010.

https://kunstsalon-villa-artista.de/artist/weimer-weber

https://marcelgunterweber.de/weimerweber2_133.htm

Offizielle Eröffnung von / Official Opening of artlabheidelberg in Zusammenarbeit mit / in collaboration with K & K STIFTUNG gGmbH und Alte Tabakfabrik P. J. Landfried, Heidelberg, 01.07.2010.

Rolf Lauter (Hrsg.): Künstlerpaare Künstlerfreunde – Artist Duos Artist Friends: Peter Fischli & David Weiss, Daniel & Geo Fuchs, Karla Hecker & Levke Leiß, Marcel Weber & Olga Weimer, Katalog, Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe, 03.07.-04.09.2010.

https://www.academia.edu/102363077/Rolf_Lauter_Kuenstlerpaare_Kuenstlerfreunde_Artist_Duos_Artist_Friends_Peter_Fischli_and_David_Weiss_Daniel_and_Geo_Fuchs_Karla_Hecker_and_Levke_Leiss_Marcel_Weber_and_Olga_Weimer_Invitation_Swiss_Art_Institution_Forsthaus_Villa_Karlsruhe_03_07_04_09_2010

https://www.academia.edu/102363677/Rolf_Lauter_Kuenstlerpaare_Kuenstlerfreunde_Artist_Duos_Artist_Friends_Peter_Fischli_and_David_Weiss_Daniel_and_Geo_Fuchs_Karla_Hecker_and_Levke_Leiss_Marcel_Weber_and_Olga_Weimer_Catalog_Swiss_Art_Institution_Forsthaus_Villa_Karlsruhe_03_07_04_09_2010

Wilfried Dickhoff, Rolf Lauter: Hans Peter Adamski: Sehnsuchtsquadrate / Squares of Longing, Swiss Art Institution, Katalog, Forsthaus Villa Karlsruhe 18.09.-21.11.2010. ISBN 978-3-9810613-2-1.

https://www.academia.edu/108551826/Rolf_Lauter_and_W_Dickhoff_Hans_Peter_Adamski_Sehnsuchtsquadrate_Catalog_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://www.academia.edu/107937872/Rolf_Lauter_Hans_Peter_Adamski_Booklet_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://www.academia.edu/108548638/Rolf_Lauter_Hans_Peter_Adamski_Sehnsuchtsquadrate_Squares_of_Longing_Invitation_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://www.academia.edu/108548997/Rolf_Lauter_Hans_Peter_Adamski_Sehnsuchtsquadrate_Press_Release_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://www.academia.edu/108549984/Rolf_Lauter_Hans_Peter_Adamski_Sehnsuchtsquadrate_Presseinfo_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://www.academia.edu/108551770/Rolf_Lauter_Hans_Peter_Adamski_Sehnsuchtsquadrate_Swiss_Art_Institution_Karlsruhe_2010

https://wdpress.de/adamski/adamski.html

https://de.wikipedia.org/wiki/Hans_Peter_Adamski

https://www.inka-magazin.de/kunst-design/sehnsuchtsquadrate.html

Rolf Lauter: Vortrag und Diskussionsrunde / Lecture and International Roundtable Discussion „Museum in the Contemporary Context“. V International art fair „ART-KYIV contemporary 2010“, opening event at the museum complex „Art Arsenal“, Kyiv/Ukraine, 9.-14. November 2010.

https://www.academia.edu/102234689/Rolf_Lauter_ART_KYIV_2010_Roundtable_Discussion_Museum_as_content_provider_Documents_November_9_2010

https://www.academia.edu/102234235/Rolf_Lauter_ART_KYIV_2010_Roundtable_Discussion_Museum_in_the_Contemporary_Context_Invitation_November_9_2010

https://artukraine.com.ua/eng/a/genius-loci–art-kyiv-contemporary-2010-v-mysteckom-arsenale/#.Xe454ZNKhHR

https://en.wikipedia.org/wiki/Mystetskyi_Arsenal_National_Art_and_Culture_Museum_Complex

https://www.ots.at/presseaussendung/OTS_20101116_OTS0107/messe-fuer-zeitgenoessische-kunst-in-kiew-lockt-200000-kunstliebhaber-aus-aller-welt-an

Rolf Lauter (Hrsg.): artscoutneo – Junge Kunst @ artlabheidelberg, Alte Tabakfabrik P. J. Landfried Heidelberg in collaboration with K & K STIFTUNG gGmbH, Katalog, Heidelberg 03.12.2010-01.03.2011.

https://www.yumpu.com/de/artscoutneo

https://www.mannheimer-morgen.de/kultur_artikel,-kultur-im-land-verworfener-ideen-_arid,48470.html

Rolf Lauter: artscoutneo – Junge Kunst @ artlabheidelberg, Alte Tabakfabrik P. J. Landfried Heidelberg in collaboration with K & K STIFTUNG gGmbH, Presse & Ausstellungsrundgang, Heidelberg 03.12.2010-01.03.2011.

https://www.mannheimer-morgen.de/kultur_artikel,-kultur-im-land-verworfener-ideen-_arid,48470.html

https://de.linkedin.com/in/carolina-brack-b3932849

https://www.franziskawolff.com/r%C3%BCckblick/

https://www.franziskawolff.com/archiv/

https://mobile.facebook.com/franziska.wolff87/photos/a.146154345457369/186674361405367/?type=3&source=44&_rdc=1&_rdr&refsrc=https%3A%2F%2Fm.facebook.com%2Ffranziska.wolff87%2Fphotos%2Fa.146154345457369%2F186674361405367%2F

https://www.yerlikaya.de/vita

https://lions-art-mannheim.de/html/2014/hafner.html

https://www.deviantart.com/print/view/194897875

https://trshow.info/on/Esio0yyG3n8UHnvBNsp7CQ.html

https://www.schwetzinger-zeitung.de/orte/schwetzingen_artikel,-schwetzingen-ausdrucksstarker-einsatz-der-farbe-_arid,1117892.html

https://www.kathleen-knauer.de/?page_id=10

2011

Beginn der Ausstellungsreihe «artscoutspecial. Young artists from Germany“, artlabmannheim, Mannheim 2011-2013.

Roundtable talk and lecture: «Alighiero e Boetti Day», Auditorium RAI, a cura di Luca Cerizza, Massimiliano Gioni & Francesco Manacorda in Zusammenarbeit mit ARTISSIMA & Fondazione Nicola Trussardi, Torino 2011.

Kurator der Ausstellung «Petra Arnold & Margret Eicher: ICONIC ICONS» artlabheidelberg, Alte Tabakgesellschaft P. J. Landfried, Heidelberg 2011.

Kurator der Ausstellung «Horst Hamann: MYTHOS», artlabheidelberg in Zusammenarbeit mit Alte Tabakfabrik P. J. Landfried & Qube Hotel Heidelberg 2011.

Kurator der Ausstellung «Margret Eicher – ICONIC ICONS», Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe 2011.

Podiumsgespräch zur Ausstellung Sammlung Haupt: «Dreißig Silberlinge – Geld und Kunst»,Halle am Wasser – Kunst-Campus / Europacity Berlin 2011.

Beginn der Ausstellungsreihe «artscoutspecial. Young artists from Germany“, Swiss Art Institution, Karlsruhe 2011-2013.

First part of the exhibition series «artscoutspecial. Young artists from Germany», artlabmannheim 2011-2013.

Roundtable talk and lecture: „Alighiero e Boetti Day“, Auditorium RAI, a cura di Luca Cerizza, Massimiliano Gioni & Francesco Manacorda in collaboration with ARTISSIMA & Fondazione Nicola Trussardi, Torino 2011.

Curator of the exhibition „Petra Arnold & Margret Eicher: ICONIC ICONS“ artlabheidelberg, Alte Tabakgesellschaft P. J. Landfried, Heidelberg 2011.

Curator of the exhibition „Horst Hamann: MYTHOS“, artlabheidelberg in collaboration with Alte Tabakfabrik P. J. Landfried & Qube Hotel Heidelberg 2011.

Curator of the exhibition „Margret Eicher – ICONIC ICONS“, Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe 2011.

Panel talk on the exhibition of the Haupt Collection: „Thirty Silver Slices – Money and Art“, Halle am Wasser – Art Campus / Europacity Berlin 2011.

Beginning of the exhibition series «artscoutspecial. Young artists from Germany“, Swiss Art Institution, Karlsruhe 2011-2013.

Project Meeting @ Berrocal Foundation with Cristina Sajonia Coburgo de Braganza, Presidente, Villanueva de Algaídas, Málaga / España, January 11, 2011.

https://www.berrocal.net/index_eng.html

Rolf Lauter: artscoutspecial @ SWISS ART INSTITUTION. Young artists from Germany. Mit Werken von Nicolas Bärnreuther, Shahab Gabriel Behzumi, Carolina Brack, Guillaume Bruère, Eno Henze, Martin Knauf, Björn Knapp, Daavid Mörtl, Thomas Neger, Franziska Wolff, Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe in cooperation with K & K STIFTUNG gGmbH 13.03-03.04.2011.

https://lions-art-mannheim.de/html/2016/knapp.html

https://lions-art-mannheim.de/html/2016/wolff.html

https://de.linkedin.com/in/carolina-brack-b3932849

Rolf Lauter: Petra Arnold & Margret Eicher: ICONIC ICONS @ artlabheidelberg, Alte Tabakgesellschaft P. J. Landfried in cooperation with K & K STIFTUNG gGmbH 06.04.-08.05.2011.

https://de.linkedin.com/in/carolina-brack-b3932849

https://de.zxc.wiki/wiki/Liste_der_von_Rolf_Lauter_kuratierten_Ausstellungen

Rolf Lauter: Margret Eicher – ICONIC ICONS @ Swiss Art Institution, Forsthaus Villa Karlsruhe in cooperation with K & K STIFTUNG gGmbH 17.05-30.06.2011.

Rolf Lauter: Alighiero e Boetti Day – Roundtable talk and lecture, Auditorium RAI, a cura di Luca Cerizza, Massimiliano Gioni & Francesco Manacorda in collaboration with ARTISSIMA & Fondazione Nicola Trussardi, Torino 28.05.2011.

https://www.academia.edu/102199693/Rolf_Lauter_Alighiero_Boetti_Mettere_al_Mondo_il_Mondo_Lecture_Alighiero_e_Boetti_Day_Artissima_RAI_Torino_28_5_2011

https://www.academia.edu/102199459/Rolf_Lauter_Alighiero_e_Boetti_Day_Artissima_RAI_Torino_Press_Release_Torino_28_5_2011

https://www.domusweb.it/it/arte/2011/05/31/alighiero–boetti-day.html

https://www.patriziodimassimo.com/selected-exhibitions/2011-2/alighiero-e-boetti-day-teatro-regio-torino/

https://www.e-flux.com/announcements/35541/alighiero-e-boetti-day/

https://www.gladstonegallery.com/artist/alighiero-boetti/biography

Rolf Lauter: artscoutspecial 1 @ artlabmannheim: Young artists from Germany. Mit Werken vonCarolina Brack, Jens Hafner, Björn Knapp, Martin Knauf, Jack Savant, Olga Weimer & Marcel Weber, Franziska Wolff, artlabmannheim, F 2, 4a Mannheim, 06.06. -15.07.2011. Eröffnung 06.06.2011, Künstlerparty 24.06.2011 und Grillparty 01.07.2011.

https://kunstverein-schwetzingen.de/relaunch/wp-content/uploads/2017/09/Katalog-Jens-Hafner-RGB.pdf

https://lions-art-mannheim.de/html/2016/wolff.html

https://kunstverein-schwetzingen.de/relaunch/wp-content/uploads/2017/09/Katalog-Jens-Hafner-RGB.pdf

Rolf Lauter: Horst Hamann: MYTHOS @ artlabheidelberg in cooperation with Alte Tabakfabrik P. J. Landfried, K & K STIFTUNG gGmbH & Qube Hotel Heidelberg. Eröffnung / Opening July 22, 2011. 23.07-25.09.2011.

https://de.wikipedia.org/wiki/Horst_Hamann

https://amp.de.googl-info.com/1112359/1/horst-hamann.html

Rolf Lauter: artscoutspecial 2 @ artlabmannheim & Restaurant „HEXE“: Young artists from Germany. Mit Werken vonNicolas Baernreuther, Carolina Brack, Werner Degreif, Jens Hafner, Björn Knapp, Martin Knauf, Katarzyna Paruszewska, Jack Savant, Olga Weimer & Marcel Weber, Franziska Wolff, artlabmannheim, F 2, 4a Mannheim, 02.08.-31.12.2011. Eröffnung 02.08.2011, „Grenztexte“ 09.09.2011, „Nachtwandel“ 21.10.2011, „Birthday Art Party“ 03. & 14.12.2011.

https://kunstverein-schwetzingen.de/relaunch/wp-content/uploads/2017/09/Katalog-Jens-Hafner-RGB.pdf

https://koelner-malschule.de/blog/news-ausstellung-artscoutspecial-2-hexe-16-07-09-09-11/

https://kunstverein-schwetzingen.de/relaunch/wp-content/uploads/2017/09/Katalog-Jens-Hafner-RGB.pdf

Rolf Lauter: Künstlergespräch zur Ausstellung der Sammlung Dr. Stefan Haupt: «Dreißig Silberlinge – Geld und Kunst» mit Susanne Bosch, Künstlerin, Prof. Dr. Dieter Puchta, Puchta Petersen GmbH, Dr. Rolf Lauter, Managing Director und Kurator Swiss Art Institution Karlsruhe, Gerd Sonntag, Künstler. Moderation: Jan Kage alias Yaneq, Journalist und Buchautor. Donnerstag, 29. September 2011, 18.oo Uhr, Halle am Wasser – Kunst-Campus / Europacity. Invalidenstraße 50/51, 10557 Berlin.

https://www.sammlung-haupt.de/exhibitions/6085/ausstellung-der-sammlung-haupt-in-der-halle-am-wasser-berlin/about/

https://www.sammlung-haupt.de/exhibitions/6085/ausstellung-der-sammlung-haupt-in-der-halle-am-wasser-berlin/installation-views/

https://www.sammlung-haupt.de/exhibitions/6085/sammlung-haupt-in-der-halle-am-wasser-berlin-2011/installation-views/

2012

Kurator der Ausstellung «artlabmannheim @ East Site 2» mit Werken von Carolina Brack, Margret Eicher, Björn Knapp, Martin Knauf, Thomas Neger, Marcel Weber & Olga Weimer, Alastair Thain und Franziska Wolff, East Site 2, Mannheim 2012.

Kurator der Ausstellung «Skulpturenpark Forsthausvilla: Miriam Lenk – Corps sensuels / Stefan Szczesny – Images érotiques», Swiss Art Institution, Forsthausvilla Karlsruhe 2012.

Gründung von «Art Ambassadors», Beirat für Kunstmanagement, Forsthaus Villa Karlsruhe 2012.

Konzept- und Machbarkeitsstudie zu einem „World Art Museum“ für das Getty Research Center Los Angles, Berlin, Mai 2012.

Konzept für das Metropolitan Museum New York über neue Sammlungs- und Ausstellungsstrukturen, Berlin, Mai 2012.

Beginn des Ausstellungszyklus «Introspection. Die verborgene Wirklichkeit des Künstlers» mit 100 Werken von 100 Künstlern der Gegenwartskunst, artlabmannheim, Mannheim 2012/13.

Curator of the exhibition „artlabmannheim @ East Site 2“ with works by Carolina Brack, Margret Eicher, Björn Knapp, Martin Knauf, Thomas Neger, Marcel Weber & Olga Weimer, Alastair Thain and Franziska Wolff, East Site 2, Mannheim 2012.

Curator of the exhibition „Sculpture Park Forsthausvilla: Miriam Lenk – Corps sensuels / Stefan Szczesny – Images érotiques“, Swiss Art Institution, Forsthausvilla Karlsruhe 2012.

Founding of «Art Ambassadors», Advisory Board for Art Management, Forsthaus Villa Karlsruhe 2012.

Concept and feasibility study for a „World Art Museum“ for the Getty Research Center Los Angeles, Berlin, May 2012.

Concept for the Metropolitan Museum New York on „New Collection and Exhibition Structures“, Berlin, May 2012.

Beginning of the exhibition cycle «Introspection. The hidden reality of the artist» with 100 works from 100 contemporary artists, artlabmannheim, Mannheim 2012/13.

Rolf Lauter: artlabmannheim @ East Site 2, Mannheim. Mit Werken von Carolina Brack, Margret Eicher, Björn Knapp, Martin Knauf, Thomas Neger, Marcel Weber & Olga Weimer, Alastair Thain und Franziska Wolff, East Site 2, Mannheim, 04.01.-31.01.2012.

https://www.bau-mannheim.de/

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Rolf Lauter: Fest der Drachen @ artlabmannheim. Mit Werken vonCarolina Brack, Werner Degreif, Margret Eicher, Jens Hafner, Björn Knapp, Martin Knauf, Arnika Müll, Jack Savant, Inock Kim Seifert, Olga Weimer & Marcel Weber, Franziska Wolff, artlabmannheim, F 2, 4a Mannheim, 23.01.-01.04.2012. Eröffnung 23.01.2012.

https://kunstverein-schwetzingen.de/relaunch/wp-content/uploads/2017/09/Katalog-Jens-Hafner-RGB.pdf

Rolf Lauter: Late Night Art Lounge @ artlabmannheim. Mit Werken vonCarolina Brack, Werner Degreif, Margret Eicher, Jens Hafner, Björn Knapp, Martin Knauf, Arnika Müll, Jack Savant, Inock Kim Seifert, Olga Weimer & Marcel Weber, Franziska Wolff, artlabmannheim, F 2, 4a Mannheim, 19.04.-01.04.2012. Eröffnung 23.01.2012.

https://kunstverein-schwetzingen.de/relaunch/wp-content/uploads/2017/09/Katalog-Jens-Hafner-RGB.pdf

Rolf Lauter: World Art Museum – Concept and Feasibility Study for Getty Research Center Los Angles, Berlin, May 2012.

Rolf Lauter: Konzept für das Metropolitan Museum New York über neue Sammlungs- und Ausstellungsstrukturen, Berlin, Mai 2012.

Rolf Lauter: Skulpturenpark Forsthausvilla: Miriam Lenk – Corps sensuels / Stefan Szczesny – Images érotiques, Swiss Art Institution, Forsthausvilla Karlsruhe, 05.08.-13.10.2012.

https://www.artlog.net/de/institution/swiss-art-institution

Rolf Lauter: Introspection. Die verborgenen Wirklichkeiten des Künstlers / Introspection. The hidden realities of the artist, artlabmannheim, F2, 4a, D-68159 Mannheim. 11.11.2012-31.03.2013.

https://de.linkedin.com/in/carolina-brack-b3932849

https://de.slideshare.net/Arnikamu/portfolio-arnika-mll

Rolf Lauter, Künstlerisches Gesamtkonzept für eine Praxis der Inneren Medizin De Rossi mit Werken von Carolina Brack, Horst Hamann, Olga Weimer & Marcel Weber, Franziska Wolff. Karlsruhe, Eröffnung 24.11.2012.

Rolf Lauter: Art Ambassadors, Konzept und Neugründung eines Beirates für Kunstmanagement, Forsthaus Villa Karlsruhe, 01.11.-31.08.2012.

2013

Einführung in die Ausstellung «Alighiero Boetti: Imaginando tutto», Qatar Museums Authority in Zusammenarbeit mit Ben Brown London, März 2013.

Strukturpapier für die Position eines neuen Museums-Direktors, MOCA – Museum of Contemporary Art, Los Angeles, August / September 2013.

Eröffnung des «artlabberlin» im September 2013 in Kooperation mit art loft berlin. Premierenausstellung «Innenwelten – Aussenwelten» mit Video-Projektionen von Shahab Gabriel Behzumi, Cecily Brown, Valentin Hennig, Bill Viola, Berlin 2013.

Einführung in die Ausstellung «Massimo Vitali: Fotografien». artlabberlin @ art loft berlin, Berlin 2013.

Kurator der Sonderausstellung «Otgonbayar Ershuu. Neue Bilder», artlabmannheim, Mannheim 2013/2014.

Einführung in die Ausstellung «London Portraits: Nick Gentry – Andrew Salgado – George Morton-Clark», Galerie Flash, München 2013.

«Dear John: John Baldessari im Gespräch mit Rolf Lauter», Sprüth Magers Berlin, Interview in sleek 40, winter 2013/14.

Introduction to the exhibition „Alighiero Boetti: Imaginando tutto“, Qatar Museums Authority in collaboration with Ben Brown London, March 2013.

Structure paper for the position of a new museum director, MOCA – Museum of Contemporary Art, Los Angeles, August / September 2013.

„artlabberlin“ opens in September 2013 in cooperation with art loft berlin. Premiere exhibition „Inner Worlds – Outer Worlds“ with video projections by Shahab Gabriel Behzumi, Cecily Brown, Valentin Hennig, Bill Viola, Berlin 2013.

Introduction to the exhibition „Massimo Vitali: Photographs“. artlabberlin @ art loft berlin, Berlin 2013.

Curator of the special exhibition «Otgonbayar Ershuu. New paintings», artlabmannheim, Mannheim 2013/2014.

Introduction to the exhibition „London Portraits: Nick Gentry – Andrew Salgado – George Morton-Clark“, Galerie Flash, Munich 2013.

„Dear John: John Baldessari in conversation with Rolf Lauter“, Sprüth Magers Berlin, interview in sleek 40, winter 2013/14.

Rolf Lauter: Grundgedanken zur Förderung der Kultur als Baustein der Corporate Identity einer Stadt, Delhi, Januar 2013. Basic ideas for the promotion of culture as a component of a city’s Corporate Identity, Delhi, January 2013.

Rolf Lauter: Alighiero Boetti: Imaginando tutto, Qatar Museums Authority in Zusammenarbeit mit Ben Brown London, März 2013.

https://shnoufiqatar.com/event/alighiero-boetti-at-katara-cultural-village/

Rolf Lauter: Winfred Gaul, Galleria Peccolo, Livorno 15.5.-13.6.2013.

https://www.ibs.it/winfred-gaul-rolf-lauter-intervista-libri-vintage-vari/e/2560733236179

https://amp.de.google-info.cn/1369076/1/winfred-gaul.html

https://katalog.slub-dresden.de/id/0-170652181/

Rolf Lauter: Künstlerisches Gesamtkonzept für eine Onkologische Praxis im Dreiländerdreieck: Nico Baernreuther, Carolina Brack, Otgonbayar Ershuu, Art Ambassadors Karlsruhe, Juli/August 2013.

Rolf Lauter: Strukturpapier für die Position eines neuen Museums-Direktors, MOCA – Museum of Contemporary Art, Los Angeles, August / September 2013.

Rolf Lauter: Markus Vater im Gespräch mit Rolf Lauter, Studio Markus Vater, London 02.05.2013.

Rolf Lauter: VILLE KYLÄTASKU – „Electronic Renaissance“, Einladungstext, Galerie Flash, München, 15.05–08.06.2013.

https://www.galerieflash.de/2013/05/06/solo-show-ville-kylatasku-electronic-renaissance-vernissage-am-mi-15-5-19-uhr/

Rolf Lauter: Saskia Porkay – Evolution, Einladungstext, Galerie Flash, München, 13.06–13.07.2013.

https://www.galerieflash.de/2013/06/06/solo-show-saskia-porkay-evolution-vernissage-13-6-19-uhr/

Rolf Lauter: Massimo Vitali: Fotografien. artlabberlin @ art loft berlin, 04.-18.10.2013.

Rolf Lauter: Otgonbayar Ershuu. Neue Bilder / New Paintings, Sonderausstellung mit neuen Bildern. artlabmannheim, Mannheim, 07.09.2013-31.01.2014.

https://www.mongolian-art.de/Otgonbayar-Ershuu_ArtLabMannheim.htm

https://www.mongolian-art.de/Otgonbayar-Ershuu_ArtLabMannheim.htm

https://www.mongolian-art.de/Otgonbayar-Ershuu_Mannheim.htm

Rolf Lauter: Innenwelten – Aussenwelten / Inner Worlds – Outer Worlds. Video Projektionen von Shahab Gabriel Behzumi, Cecily Brown, Valentin Hennig, Bill Viola. Eröffnungsausstellung @ art loft berlin, 13.-15. September 2013.

https://www.artlyst.com/whats-on-archive/inner-worldsouter-worlds-art-loft-berlin/

https://loudwigvanludens.weebly.com/art-loft-berlin.html

Rolf Lauter: Rolf Lauter im Gespräch mit dem Künstler Otgonbayar Ershuu artlabmannheim, November 2013.

Rolf Lauter: London Portraits: Nick Gentry – Andrew Salgado – George Morton-Clark, Galerie Flash, München 19.10.2013.

https://www.academia.edu/102048418/Rolf_Lauter_London_Portraits_Introduction_Flash_Galerie_Muenchen_2013

https://www.galerieflash.de/2013/08/22/impressionen-der-vernissage-london-portraits-nick-gentry-andrew-salgado-george-morton-clark-19-09-2013/

https://www.galerieflash.de/2013/08/21/group-show-nick-gentry-andrew-salgado-george-morton-clark-london-portraits-vernissage-19-9-19-uhr/

https://www.galerieflash.de/2013/08/24/video-von-der-vernissage-london-portraits-vortrag-und-interview-dr-rolf-lauter-nick-gentry/

https://www.nickgentry.com/exhibitions/london-portraits

https://www.galerieflash.de/2013/08/24/video-von-der-vernissage-london-portraits-vortrag-und-interview-dr-rolf-lauter-nick-gentry/

Rolf Lauter: Apruva Desai – Von der traurigen Schönheit der menschlichen Existenz / The sad beauty of human existence, Delhi 19.11.2013.

Rolf Lauter: Dear John: John Baldessari im Gespräch mit Rolf Lauter, Sprüth Magers Berlin, September 2013, Interview in sleek 40, winter 2013/14, 44-49.

https://www.academia.edu/102124653/Rolf_Lauter_Dear_John_John_Baldessari_in_Conversation_with_Rolf_Lauter_at_Sprueth_Magers_Gallery_Berlin_in_Sleek_40_Winter_2013

https://spruethmagers.com/exhibitions/john-baldessari-storyboard-in-4-parts-berlin/

https://www.sleek-mag.com/

2014

Gründung der Culture Group „Swiss Art Council“ Zürich zur konzeptionellen und organisatorischen Vorbereitung eines Museumsmodells des 21. Jahrhunderts. Die inhaltliche Struktur des „Museums der Zukunft“ orientiert sich an den Gegebenheiten einer wachsenden Globalisierung und überwindet die veraltete Struktur von Museen, die sich als Archive verstehen und die „Rekonstruktion von Geschichte“ mit einer chronologischen Ordnung verfolgen. In der nahen Zukunft werden wir ein Museumsmodell etablieren, das traditionelle Kunstwerke aus verschiedenen Epochen und Kulturen auf der Basis einer raum- und zeitübergreifenden „Cross-Over-Struktur“ mit ausgewählten Werken und Werkgruppen der unmittelbaren Gegenwart zu ganzheitlichen, dialogischen Konstellationen verbindet, um das Wesen der Kunstwerke an sich, ihre ästhetische Präsenz, ihre ‚Aura‘ und ihren kulturellen Wert bei einer Gegenüberstellung mit inhaltlich vergleichbaren Werken erfahrbar werden zu lassen. Aufgrund dieses Konzeptes werden Werke aus vielen Museen und Sammlungen der Welt jeweils temporär zu einem ‚Musée imaginaire‘ versammelt. Der zentrale Gedanke des „Museums der Zukunft“ besteht somit darin, den Begriff der Gegenwart durch eine permanente Aktualisierung von ästhetischen Positionen aus Vergangenheit und Gegenwart im jeweiligen ‚Jetzt‘ zu thematisieren.

Aufbau von Organisationen zur Entwicklung humanitärer Projekte mit dem Ziel der Förderung von existentiell, pädagogisch und kulturell benachteiligten Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen aus aller Welt.

Erarbeitung von zukunftsorientierten Konzepten und Projekten zur Erhaltung der Natur sowie für die Bereiche Kreativität, Bildung, Forschung, Ernährung, Agrarwirtschaft, Energie, Medizin, Technologie, Verkehr, Stadt der Zukunft und Demokratie.

Interview über Kunst und Kultur in der Mongolei mit Jargal de Facto, ntv Mongolia, Ulaanbaatar 23.07.2014.

Einführung in den Katalog Alighiero Boetti – Immaginando tutto, Ben Brown Fine Arts at Frieze Masters, London 2014.

«Brooks Jackson im Gespräch mit Rolf Lauter». Interview über Alexander Iolas und sein Leben, Miami, Dezember 2014. «Evgeny Svyatsky im Gespräch mit Rolf Lauter», Miami, Dezember 2014. «Interview mit der Direktorin Helen Harrison im Jackson Pollock House & Studio», Springs / New York, Dezember 2014.

Foundation of the culture group „Swiss Art Council“ Zurich for the conceptual and organizational preparation of a museum model for the 21st century. The structure of the content of the „Museum of the Future“ is based on the conditions of growing globalization and overcomes the outdated structure of museums, which see themselves as archives and pursue the „reconstruction of history“ with a chronological order. In the near future we will establish a museum model that combines traditional works of art from different epochs and cultures on the basis of a space and time-spanning „cross-over structure“ with selected works and work groups of the immediate present to form holistic, dialogical constellations in order to experience the essence of the artworks themselves, their aesthetic presence, their ‚aura‘ and their cultural value in a comparison with works of comparable content. Based on this concept, works from many museums and collections around the world are temporarily brought together in a ‚Musée imaginaire‘. The central idea of the „Museum of the Future“ is therefore to address the concept of the present through a permanent updating of aesthetic positions from the past and present in the respective ’now‘.

Establishment of organizations for the development of humanitarian projects with the aim of promoting existentially, pedagogically and culturally disadvantaged children, young people and adults from all over the world.

Development of future-oriented concepts and projects for the preservation of nature as well as for the areas of creativity, education, research, nutrition, agriculture, energy, medicine, technology, transport, the city of the future and democracy.

Interview about art and culture in Mongolia with Jargal de Facto, ntv Mongolia, Ulaanbaatar 23.07.2014.

Introduction to the catalog Alighiero Boetti – Immaginando tutto, Ben Brown Fine Arts at Frieze Masters, London 2014.

„Brooks Jackson in conversation with Rolf Lauter“. Interview about Alexander Iolas and his life, Miami, December 2014. „Evgeny Svyatsky in conversation with Rolf Lauter“, Miami, December 2014. «Interview with the director Helen Harrison at Jackson Pollock House & Studio», Springs / New York, December 2014.

Rolf Lauter: Ville Kylätasku: Algorithm of Love, Galerie Flash, München, 15.05-07.06.2014.

https://www.galerieflash.de/2012/10/01/ville-kylatasku/

https://www.galerieflash.de/2014/04/30/solo-show-ville-kylatasku-algorithm-of-love-vernissage-do-15-5-19-uhr/

Jargal de Facto & Rolf Lauter @ ntv Mongolia 23.07.2014. Ein Gespräch über Kultur und Kunst in der Mongolei / Jargal de Facto & Rolf Lauter @ ntv Mongolia 23.07.2014. A Dialog on Art and Culture in Mongolia. (Interview).

https://www.academia.edu/102131630/Rolf_Lauter_in_Conversation_with_Jargal_de_Facto_ntv_Mongolia_Ulaanbaatar_July_7_2014

https://jargaldefacto.com/article/dr-rolf-lauter-ceo-and-director-exhibitions-k-k-stiftung

https://twitter.com/jargal_defacto/status/484339767165739008

https://jargaldefacto.com/article/dr-rolf-lauter-ceo-and-director-exhibitions-k-k-stiftung

Rolf Lauter: Alighiero Boetti – Immaginando tutto, Catalog, Ben Brown Fine Arts at Frieze Masters, London 2014.

https://www.academia.edu/102038708/Rolf_Lauter_Alighiero_Boetti_Immaginando_tutto_Catalog_Ben_Brown_London_2014

Rolf Lauter: Brooks Jackson im Gespräch mit Rolf Lauter. Interview über Alexander Iolas und sein Leben. Miami, Dezember 2014 / Brooks Jackson in conversation with Rolf Lauter. Interview about Alexander Iolas and his life. Miami, December 2014.

https://www.aaa.si.edu/collections/interviews/oral-history-interview-brooks-jackson-12916

https://www.frieze.com/article/man-who-discovered-warhol

https://legacy.lib.utexas.edu/taro/mcarch/00004/00004-P.html

https://pc.guildhall.org/artpress_artwork/alexander-iolas-brooks-jackson-gallery-poster

Rolf Lauter: Evgeny Svyatsky im Gespräch mit Rolf Lauter. Miami, Dezember 2014 / Evgeny Svyatsky in Conversation with Rolf Lauter. Miami, December 2014.

https://aesf.art/page/short_biography/

https://www.kunstforum.de/person/svyatsky-evgeny/

Rolf Lauter, Jackson Pollock House & Studio, Springs / New York. Ein Interview mit der Direktorin Helen Harrison, Dezember 2014.

https://en.wikipedia.org/wiki/Pollock-Krasner_House_and_Study_Center

2015

Strukturpapier für die Position eines Generaldirektors der GAM- Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino und des Castello di RivoliMuseo d’Arte Contemporanea, Turin, Februar 2015.

Vortrag und Diskussion mit dem Musikwissenschaftler Anno Mungen zur Einführung der Abendveranstaltung mit der Videoprojektion von «Bill Viola» von 1994 zum Konzert von «Edgard Varèse: Déserts» (1954), Oper Frankfurt, im Rahmen von «Happy New Ears», Frankfurt am Main am 9. Juni. 2015.

Structure paper for the position of «General Director of the GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino and the Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea», Turin, February 2015.

Lecture and discussion with the musicologist Anno Mungen to introduce the evening event with the video projection by «Bill Viola» from 1994 to the concert by «Edgard Varèse: Déserts» (1954), Oper Frankfurt, as part of «Happy New Ears», Frankfurt am Main on June 9th. 2015.

Rolf Lauter, Strukturpapier für die Position eines Generaldirektors des GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino und des Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Turin, Februar 2015.

Project Work for the position of the Director of GAM and Museo di Rivoli, Torino, February 2015.

https://www.gamtorino.it/it

Musik und Film I – Frankfurter Ereignisse Teil I – Edgard Varèse: Déserts (1954) mit dem Film von Bill Viola von 1994 mit einem Gespräch im Dialog zwischen Dr. Rolf Lauter, Kunsthistoriker (zu Bill Viola) und Prof. Dr. Anno Mungen, Musikwissenschaftler (zu Edgard Varèse), 09.06.2015, 20:00 Uhr, Oper Frankfurt, Frankfurt am Main, im Rahmen von »Happy New Ears«.

https://www.frankfurt-live.com/happy-new-ears-80411.html

https://eref.uni-bayreuth.de/55414/

2016

Kurator der Ausstellung «Carolina Brack: Nature Transfigured: Cut Outs & Cut Outs Light» in den Gewölbe Kellern der Hamilton Kunst Bar, Weinheim 2016. Einführung in das Projekt Otgonbayar Ershuu – Antarctic Panorama Penguins, Zurich 2016.

Curator of the exhibition „Carolina Brack: Nature Transfigured: Cut Outs & Cut Outs Light“ in the vaulted cellars of the Hamilton Kunst Bar, Weinheim 2016. Introduction to the project Otgonbayar Ershuu – Antarctic Panorama Penguins, Zurich 2016.

Rolf Lauter: Carolina Brack, Nature Transfigured: Cut Outs & Cut Outs with Light, Arbeiten der Jahre 2015-2016. Ein Ausstellungsprojekt in Kooperation mit Ars Mondial Mannheim und Hamilton Kunst Bar. Eröffnung 15. Juli 2016 in den Gewölbe Kellern der Hamilton Kunst Bar, Weinheim. Dauer: 17.07.-21.08.2016.

https://www.rnz.de/nachrichten/bergstrasse_artikel,-Bergstrasse-Weinheim-Kuenstlerin-Carolina-Brack-verabschiedet-sich-_arid,206448.html

https://www.mongolian-art.de/nature_transfigured.htm

Rolf Lauter: Otgonbayar Ershuu – Antarctic Panorama Penguins, Zurich 2016.

https://www.academia.edu/102044205/Rolf_Lauter_Otgonbayar_Ershuu_Antarctic_Panorama_Penguins_Zuerich_2016

https://www.mongolian-art.de/art/National-Art-Museum_Moldova.htm

2019

Katalogeinführung «Lou Ros – Die Renaissance der Abstraktion». « Mutatio », Paris 2019.

Catalog launch „Lou Ros – The Renaissance of Abstraction“. «Mutatio», Paris 2019.

Rolf Lauter: Lou Ros – Die Renaissance der Abstraktion. « Mutatio », Einführung Deutsch, Englisch, Französisch, Paris 2019.

https://www.academia.edu/102046674/Rolf_Lauter_Lou_Ros_Renaissance_of_Abstraction_Catalog_Paris_2019

https://www.academia.edu/102046025/Rolf_Lauter_Lou_Ros_Renaissance_der_Abstraktion_Katalog_Paris_2019

https://www.academia.edu/102046787/Rolf_Lauter_Lou_Ross_La_Renaissance_de_labstraction_Catalogue_Paris_2019

https://www.louros.fr/expositions/

2020

Katalogeinführung «Konrad Ross: Malerei am Ursprung der Sprache», Berlin 2020.

Catalog launch „Konrad Ross: Painting at the Origin of Language“, Berlin 2020.

Rolf Lauter: Konrad Ross: Malerei am Ursprung der Sprache, Berlin 2020.

https://www.academia.edu/102044994/Rolf_Lauter_Konrad_Ross_Malerei_am_Ursprung_der_Sprache_Katalog_Hamburg_2020

2021

Hommage an Christian Boltanski. Beitrag zum Tod des Künstlers mit Interpretationen zu den Rauminstallationen Les Ombres (1986) und Les Suisses Morts (1990), MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt.

Homage to Christian Boltanski. Contribution to the artist’s death with interpretations of the room installations Les Ombres (1986) and Les Suisses Morts (1990), MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt.

Rolf Lauter: Hommage an Christian Boltanski. Les Ombres (1986) und Les Suisses Morts (1990), MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt.

https://www.academia.edu/102123113/Rolf_Lauter_Hommage_to_Christian_Boltanski_Les_Ombres_1986_and_Les_Suisses_Morts_1990_Zurich_2021

2022

Portfolio über Carolina Brack, Malereien und Cut Outs 2012-2022.

Auf Einladung des Studio la Cittá, Verona, verfasste er die Einleitung zum Katalog Herbert Hamak: 30 Anni con Studio La Cittá. Mit dieser Hommage würdigt der Autor das umfassende, einzigartige Werk eines Künstlers, den er seit mehr als 30 Jahren begleitet. Rolf Lauter: Incontri con Herbert Hamak. Un artista sulla via della pittura scultorea / Encounters with Herbert Hamak. An artist on the way to a sculptural painting, introduction in: HERBERT HAMAK. 30 anni con Studio la Città/30 years with Studio la Città, Verona 2022.

Portfolio about Carolina Brack, Paintings and Cut Outs 2012-2022.

At the invitation of Studio la Cittá, Verona, he wrote the introduction to the catalogue Herbert Hamak: 30 Anni con Studio La Cittá. With this homage, the author honors the comprehensive, unique work of an artist whom he has accompanied for more than 30 years. Rolf Lauter: Incontri con Herbert Hamak. Un artista sulla via della pittura scultorea / Encounters with Herbert Hamak. An artist on the way to a sculptural painting, introduction in: HERBERT HAMAK. 30 anni con Studio la Città/30 years with Studio la Città, Verona 2022.

Rolf Lauter: Carolina Brack – Paintings & Cut Outs, Portfolio, Berlin 2022.

https://www.academia.edu/102048088/Rolf_Lauter_Carolina_Brack_Paintings_and_Cut_Outs_Portfolio_Berlin_2022

Rolf Lauter: Incontri con Herbert Hamak. Un artista sulla via della pittura scultorea / Encounters with Herbert Hamak. An artist on the way to a sculptural painting, introduction in: HERBERT HAMAK. 30 anni con Studio la Città/30 years with Studio la Città, Verona 2022.

https://www.academia.edu/102131429/Rolf_Lauter_Begegnungen_mit_Herbert_Hamak_Ein_Kuenstler_auf_dem_Weg_zu_einer_plastischen_Malerei_Introduction_Catalog_Studio_La_Citta_Verona_2022

https://www.academia.edu/102120414/Rolf_Lauter_Herbert_Hamak_30_anni_con_Studio_La_Citta_Invitation_Verona_2022

https://www.academia.edu/102092096/Rolf_Lauter_Herbert_Hamak_30_anni_con_Studio_la_Citta_Introduction_Catalog_Verona_2022

2023-2025

Im Zusammenhang mit dem Konzept für ein „Museum der Zukunft“ entstehen seit 2010 ebenfalls neue Konzepte, Machbarkeitsstudien und erste Standorte zur Etablierung von globalen Kreativitätszentren, sogenannten ArtLabs und FutureLabs in verschiedenen Kontinenten und Ländern der Welt, mit denen Organisationen zur Förderung der Kreativität, des schöpferischen Denkens und Handelns sowie der strategischen Zukunftsplanung etabliert werden sollen. Die Aufgabe der damit verbundenen Kulturwissenschaftlern besteht heute nicht mehr primär darin, retrospektiv zu forschen, sondern vielmehr darin, „Zukunft zu gestalten“, sie zu planen, vorzubereiten, zu kuratieren und in globalen Netzwerken zu koordinieren.

In connection with the concept for a „Museum of the Future“, new concepts, feasibility studies and the first locations for establishing global creativity centers, so-called ArtLabs and FutureLabs in various continents and countries around the world, have also been developed since 2010, organizations to promote creativity, creative thinking and acting as well as establishing strategic planning for the future. The task of the associated cultural scientists is no longer primarily to do retrospective research, but rather to „shape the future“, to plan, prepare, curate and coordinate it in global networks.

Rolf Lauter: Portrait by Kasia Paruszewska, Mannheim.

Rolf Lauter – Hommage an Roger Fritz III @ artscoutone.

artscoutone – Zeitgenössische Kunst aus Mannheim

Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss

14. November bis 31. Dezember 2009

Verlängert bis 31. März 2010

artscoutone Einladung / Invitation

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Einladung / Invitation. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Einladung / Invitation. Photograph: Thomas Henne, Mannheim

artscoutone Flyer

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Flyer.
Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Flyer.
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Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Flyer.
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artscoutone Dank / Thanks

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Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Banner for Sponsors

artscoutone Presse Notiz / Press Notice

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Presseinformation

artscoutone Presse Info / Press Info

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Press Release November 8, 2009
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Press Release November 8, 2009

artscoutone Presse Folder / Press Folder

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Press Folder November 14, 2009
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artscoutone Pressekonferenz / Press Meeting November 14, 2009

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Press meeting November 14, 2009. Photograph: Thomas Henne,
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Press meeting November 14, 2009. Photograph: Thomas Henne,
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Press meeting November 14, 2009. Photograph: Thomas Henne,
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Press meeting November 14, 2009. Photograph: Thomas Henne,

artscoutone Presserundgang / Press Tour

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Press Tour November 14, 2009. Photograph: Thomas Henne,
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Press Tour November 14, 2009. Photograph: Thomas Henne,

artscoutone Katalog / Booklet

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Booklet
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artscoutone Industriehalle

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Booklet Standort Industriehalle
Philipp Morlock, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Industriehalle
Philipp Morlock, Skafte Kuhn, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Industriehalle
Skafte Kuhn, Philipp Morlock, Petra Arnold, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Industriehalle
David Maras, Philipp Morlock, Sophie Sanitvongs, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Industriehalle
Petra Arnold, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Industriehalle
Marcel Weber / Olga Weimer, Petra Arnold, Andreas Zidek, Philipp Morlock, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Industriehalle

artscoutone Alte Tabakgesellschaft

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Booklet Standort Alte Tabakgesellschaft
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Booklet Standort Alte Tabakgesellschaft
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft
Myriam Holme, Jan Ahrens, Julian Fickler, Alexander Heikel, Rolf Schneider, Werner Seibert, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft
Myriam Holme, Jan Ahrens, Julian Fickler, Alexander Heikel, Rolf Schneider, Werner Seibert, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft
Myriam Holme, Jan Ahrens, Julian Fickler, Alexander Heikel, Rolf Schneider, Werner Seibert, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft
Myriam Holme, Jan Ahrens, Julian Fickler, Alexander Heikel, Rolf Schneider, Werner Seibert, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft
Myriam Holme, Jan Ahrens, Julian Fickler, Alexander Heikel, Rolf Schneider, Werner Seibert, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft
Myriam Holme, Jan Ahrens, Julian Fickler, Alexander Heikel, Rolf Schneider, Werner Seibert, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft
Myriam Holme, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft
Myriam Holme, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft
Myriam Holme, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Alte Tabakgesellschaft. Video Myriam Holme

artscoutone Stadtgalerie E 5

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Booklet Standort Stadtgalerie Rathaus E 5
Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Booklet Standort Stadtgalerie Rathaus E 5
Roger Fritz: Portraits, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Presserundgang. Standort Stadtgalerie Rathaus E 5. Photograph: Thomas Henne, Mannheim

Roger Fritz: Porträts / Portraits

Roger Fritz: Rainer Werner Fassbinder, 1982, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Stadtgalerie Rathaus E 5
Roger Fritz: Rainer Werner Fassbinder bei der Arbeit mit Rosl Zech, 1982, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Stadtgalerie Rathaus E 5.

Roger Fritz wurde am 22.09.1936 in Mannheim geboren. Er arbeitete als Regisseur, Autor, Produzent, Schauspieler und Fotograf. Zunächst versuchte er sich zunächst als Bäcker und Kellner, begann dann eine Ausbildung zum Großhandelskaufmann. 1955 lernte er den Fotografen Herbert List in München kennen und assistierte ihm gelegentlich. Fritz begann zuvor selbst zu fotografieren und nach ersten Veröffentlichungen in der amerikanischen Zeitschrift Life erhielt er zweimal den begehrten Photokina-Preis (1954, 1956). Es folgten umfangreiche Reportagen für Holiday, Quick, Bunte, Stern, Geo, Merian, Kölner Stadtanzeiger, Magnum, Vagabund und die französische Vogue. 1959 war Roger Fritz Mitbegründer der Zeitschrift twen. 1961 studierte er an der UFA-Nachwuchsschule für Schauspiel und Regie in Berlin.

Bei Luchino Visconti, der einen ständigen Stab von acht Assistenten unterhielt, studierte er Film. Bei dessen Operninszenierungen in Spoleto fungierte Fritz als „1. Regieassistent“. Für kurze Zeit assistierte er bei Pasolini und Bertolucci und in Amerika, wo er für zwei Jahre lebte, war er Giancarlo Menottis Regie-Assistent. Anfang der 1960er Jahre spielte er in Luchino Viscontis Filmen „Boccaccio 70“ (I/F 1961 mit Romy Schneider) und „Il Gattopardo“ (I/F 1962). Daneben entstehen außergewöhnliche Fotografien beim Filmset.

In Deutschland dreht Roger Fritz als Regisseur Filme wie „Mädchen, Mädchen“ (1966) – (seine erste Frau, die Schauspielerin Helga Anders, erhielt für die Hauptrolle den Bundesfilmpreis), „Häschen in der Grube“ (1968), „Mädchen mit Gewalt“ (1969) und „Zwischen uns beiden“ (1971). 1963 drehte Fritz seinen ersten Kurzfilm „Verstummte Stimmen“, ausgezeichnet mit dem Bundesfilmpreis. Sein zweiter Kurzfilm „Zimmer im Grünen“ erhielt das Prädikat „Besonders wertvoll“. In mehreren Filmen, unter anderem von Rudolf Thome (Fremde Stadt, 1972), Sam Peckinpah (Steiner – Das Eiserne Kreuz, 1976) und Rainer Werner Fassbinder (Berlin Alexanderplatz, 1980, Lili Marleen, 1981, Querelle, 1982) war Fritz auch Darsteller. Als Setfotograf schuf er zudem ikonische Bilder unter anderem von Udo Jürgens in der Badewanne oder von den Beatles beim Schlittenfahren. Zudem entstanden zahlreiche Porträtfotos bekannter Schauspieler, Regisseure, Politiker und Menschen von der Straße oder Frauen von der Reeperbahn. So entstanden berühmte Porträts von Romy Schneider, Uschi Obermaier, Anthony Quinn, Franz Josef Strauß, Freddy Mercury, Rainer Werner Fassbinder u.a. 1982 werden die Szenenfotografien von Roger Fritz im Filmbuch zu „Querelle“ von Rainer Werner Fassbinder veröffentlicht. (https://www.artforum.com/print/reviews/201206/querelle-photographed-by-roger-fritz-31256)

Gemeinsam mit anderen Münchener Jungfilmern hatte sich Roger Fritz inzwischen in der Stadt seiner Wahl niedergelassen. „Wir wohnen fast alle im gleichen Schwabinger Viertel, zwischen zwei Häuserblocks. Harro Senft, Alexander Kluge, Peter Schamoni, Vlado Kristl und die ganze Bande derer, die schreiben, drehen, kurzfilmen und fotografieren. Wir essen im gleichen Restaurant, trinken Kaffee im selben Café, tanzen im gleichen Beat-Schuppen.“

2002 entsteht das Fotobuch „MUC People„, in dem er das Flair und die Menschen Münchens festhielt. Für seine Reportage über St. Pauli für das Magazin Quest wurde der Fotograf 2007 mit dem Lead-Award ausgezeichnet. Zusammen mit Ottfried Fischer entstand 2010 die Hommage an die Süddeutschen „Extrem Bayrisch„. 2011 gewann er in Oldenburg den „German Independence Honorary Award“ Filmpreis. In den Achtziger und Neunziger Jahren führte Roger Fritz als Gastronom in München mehrere Lokale: „Pappasito“, „Mamasita“ und „Visconti“.

Noch am 9. November eröffnete er seine neueste Vernissage in München. Nur 20 Tage später ist klar: Roger Fritz ist verstorben. Er wurde 85 Jahre alt. Seine bisher einzige Museumsausstellung fand 2005 in der Kunsthalle Mannheim statt. Weitere umfangreiche Präsentationen wurden 2006 im Deutschen Filmmuseum in Frankfurt, 2009 in der Noah Galerie Augsburg und in der Terminus Galerie München, 2012 in der White Columns Galerie New York, in der Veneklasen Werner Galerie Berlin, sowie im Horst Jansen Museum in Oldenburg realisiert.

Rolf Lauter

Roger Fritz: Porträts / Portraits

Roger Fritz: Szenenfoto aus Luchino Visconti: Il lavoro / Bocaccio 70, 1962, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Stadtgalerie Rathaus E 5
Roger Fritz: Szenenfoto aus Luchino Visconti: Il lavoro / Bocaccio 70, 1962, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Rathaus E 5
Roger Fritz: Luchino Visconti, Romy Schneider, Alain Delon, Paris 1961, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Stadtgalerie Rathaus E 5

Odeon, Mannheim G 7, 8

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Booklet Standort Odeon G 7, 8.

Rainer Werner Fassbinder: Querelle, 1982

Roger Fritz: Szenenfoto aus Rainer Werner Fassbinder „Querelle“, 1982, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Odeon, G 7, 8
Roger Fritz: Szenenfoto aus Rainer Werner Fassbinder „Querelle“, 1982, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Odeon, G 7, 8
Roger Fritz: Abendveranstaltung München, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Odeon, G 7, 8

Schloss Ostflügel, Mannheim

Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Booklet Standort Schloss Ostflügel.
Roger Fritz: Standort der Serie „Abstract“ Schloss Ostflügel, Mannheim

Roger Fritz: Abstract

Roger Fritz: „Abstract“, in: Rolf Lauter: artscoutone – Zeitgenössische Kunst in Mannheim. Ein Ausstellungsparcours von der Industriestrasse bis zum Schloss. 14. November bis 31. Dezember 2009. Standort Schloss Ostflügel

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Rolf Lauter – Hommage an Roger Fritz II @ Full House: Faces of a Collection, Kunsthalle Mannheim 2006

Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Eröffnung Kunsthalle Mannheim 17. September 2005. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Eröffnung Kunsthalle Mannheim 17. September 2005. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Eröffnung Kunsthalle Mannheim 17. September 2005. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Eröffnung Kunsthalle Mannheim 17. September 2005. Photograph: Thomas Henne, Mannheim

Full House: Gesichter einer Sammlung

Full House: Faces of a Collection

Kunsthalle Mannheim, 2. April bis 4. September 2006

Eröffnungsrede am 1. April 2006

Sehr geehrter Herr Dr. Kurz, sehr geehrte Damen und Herren vom Gemeinderat, liebe Künstler/ dear artists, liebe Freunde der Kunsthalle, meine sehr verehrten Damen und Herren,

nach insgesamt 3 Jahren, in denen ich Direktor der Kunsthalle bin, wollen wir Ihnen heute unter dem Titel „Full House: Gesichter einer Sammlung“ die kompletten Sammlungsbestände unter neuen inhaltlichen Leitlinien präsentieren. Ich freue mich, dass wir mit einem hochkarätigen Team von Mitarbeitern und externen Helfern etwas Wunderbares geschafft haben. Deshalb geht mein Dank zunächst an die Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter der Kunsthalle und hier zuallererst an meine Assistentinnen Melanie Tomahogh und Stefanie Müller, an Inge Herold, Katrin Rademacher, Sascha Welchering mit Antje Weisser, Werner Marx mit Petra Lang und Christine Perreng. Inge Kumlehn hat mit einem professionellen Hängeteam für unglaublich kompetente und qualitätsvolle Betreuung und Umsetzung der gesamten Leihgaben gesorgt.

Den Künstlern und Leihgebern, die uns eine Vielzahl von hervorragenden Werken auf Zeit oder als Dauerleihgabe überlassen haben möchte ich meinen tiefen Dank aussprechen. Viele von Ihnen sind heute Abend in der Kunsthalle. Ich möchte hier ganz herzlich begrüßen: Bryan Crockett, Nina Hoffmann, Douglas Kolk, Ruprecht von Kaufmann, Stefanie Bühler, Jens Lehmann, Giuseppe Gallo, Laura Lorenzoni, Eamonn McLoughlin, Piero Steinle sowie Medea Moons, Birgit Ostermeier sowie Ralph Niebuhr und sein Team.

Eine Gruppe von besonderen Paten sind zurzeit dabei, die wunderbare Landschaft von Yan Pei-Ming zu erwerben. Der Förderkreis hat zudem die Wandplastik „Hidden Valleys“ von Nigel Hall angekauft. Besonders erwähnen möchte ich in diesem Zusammenhang eine neue, außergewöhnliche Dauerleihgabe, “Die Welle“ von Anselm Kiefer, die wir aus der Sammlung Sylvia und Ulrich Ströher durch Vermittlung meines Freundes Walter Smerling aus dem Museum Küppersmühle für Moderne Kunst, Duisburg erhalten haben. Für weitere Geschenke und Leihgaben danken wir Max Hetzler, Ursula Reinhard, Fritz Meyer, Sammlung Rysopp, einer Privatsammlerin aus Antigua, der sowie allen privaten Leihgebern, die nicht genannt werden möchten.

Dass diese umfassende Neupräsentation in der Kunsthalle Mannheim möglich war, verdanken wir zahlreichen Förderern und Unterstützern. Mein ganz besonderer und tief empfundener Dank gilt in diesem Zusammenhang zuallererst dem „Förderkreis für die Kunsthalle Mannheim e.V.“, seinem Vorstand und vor allem dessen Vorsitzenden, Herrn Dr. Dieter Hasselbach, der die Entwicklung dieses Hauses mit strategischem Geschick, großem persönlichen Engagement und freundschaftlicher Verbundenheit wesentlich mit geprägt hat.

Der „H.W. & J. Hector Stiftung“ möchten wir für die großzügige, kontinuierliche und weitreichende Förderung der Kunsthalle aufrichtig danken. Frau Josephine Hector und Herrn Dr. h.c. Hans-Werner Hector gilt dabei unser sehr herzlicher Dank. Darüber hinaus sind wir Herrn Dr. Ernstlothar Keiper für die kompetente Begleitung aller Projekte äußerst verbunden. Mithilfe der Stiftung war es uns möglich, das „Hector Kreativitätszentrum“ sowie eine Lounge für den Förderkreis einzurichten.

Der „Heinrich-Vetter-Stiftung“ und ihrem Vorstand, Herrn Prof. Dr. Carl-Heinrich Esser, sind wir für die langjährige, unschätzbare Unterstützung bei zahlreichen Projekten überaus dankbar. Ebenfalls namentlich gedankt sei dem Geschäftsführer der Stiftung, Herrn Dieter Kolb. Gleiches gilt für die „Wilhelm-Müller-Stiftung“ und ihren Vorstand. Unser herzlicher Dank gilt dabei Herrn Dipl. Kfm. Helmut Schmitt, der sich für die Ziele dieses Hauses immer persönlich eingesetzt und diese wohlwollend begleitet hat, sowie seinen Kollegen Herrn Franz Schmieder und Herrn Stefan Karcher. Dem Bankhaus B. Metzler (seel. Sohn & Co. KgaA, Frankfurt a.M.) danken wir für die wiederholte, wertvolle Hilfe bei der Renovierung der „Alten Bibliothek“ und der Einführung des „Metzler´schen Salons“. Unser ausdrücklicher Dank geht hier an Sylvia und Friedrich von Metzler, Renate von Metzler, Emmerich Müller, Edmund Konrad und Stephan Heger. Der „Mannheimer Ausstellungsgesellschaft mbH“, ihrem ersten Geschäftsführer, Herrn Roland Hartung, sowie Herrn Volker Glätzer sind wir für die großzügige Unterstützung und die kompetente Hilfe bei der Umsetzung zahlreicher Projekte sehr dankbar. Der Deutschen Bank möchte ich für Ihre freundliche Hilfe bei der Durchführung der Eröffnungsfeierlichkeiten sehr herzlich danken. Von tragender Bedeutung für die Realisierung des Projekts „Full House: Gesichter einer Sammlung“ war die Hilfe und Unterstützung zahlreicher Firmen und Privatpersonen. Hier sind besonders zu erwähnen: Schmucker & Partner, Diringer & Scheidel sowie Sax & Klee in Mannheim.

Mit „Full House: Gesichter einer Sammlung“ möchten wir die Bürger in eine neue Kunsthalle einladen, die den Besuchern die eigentlichen wahrnehmungsästhetischen Werte der Kunst sichtbar macht sowie sie dazu herausfordert, ihr individuelles schöpferisches Denken zu schärfen. Mit einem in dieser Form bisher in keinem mir bekannten Museum realisierten neuen Konzept und einer neuen Anordnung der Werke nach inhaltlichen und nicht mehr chronologischen Aspekten wollen wir die Rezipienten nicht provozieren, sondern einladen, das „Wesen der Kunst“ zu erleben. Ähnliches hat Fritz Wichert vor annähernd 100 Jahren getan, so dass wir uns hier bewusst in diese einhundertjährige Tradition von Innovation und Positionierung im Denken von Gegenwart stellen. Vorrangiges Ziel bei dieser Neupräsentation der gesamten Sammlungsbestände in Verbindung mit einer Vielzahl hochkarätiger Leihgaben, ist es, den Betrachter auf eine Reise durch verschiedene Kapitel künstlerischer Vorstellungswelten mitzunehmen und ihm dabei seine eigene ästhetische Wahrnehmung wieder verstärkt bewusst zu machen. Während fast alle Museen der Welt ihre wichtigste Aufgabe darin sehen, vor allem einem Bildungsauftrag nachzukommen, bei dem die Kunstwerke im Wesentlichen auf zeitgeschichtliche Dokumente reduziert werden, wird dieser Aspekt in unserem Sammlungs- und Vermittlungskonzept dagegen erst in einem zweiten Schritt miteinbezogen. Damit wendet sich das Mannheimer Museum nach seiner beinahe 100-jährigen Geschichte erstmals von den traditionellen Regeln einer rein auf kunsthistorischen Kriterien aufbauenden Sammlung ab und einem Museumsmodell zu, das die Aura des individuellen Kunstwerks sowie die dialogische Vernetzung mit anderen im Wesen vergleichbaren Werken hervorzuheben sucht, um dem Betrachter primär das bildnerische Denken der Künstler und erst danach die historischen Zusammenhänge zu vermitteln.

Wenn wir heute, also genau drei Jahre nach Eröffnung der „Neuen Kunsthalle I“, eine umfassende Neupräsentation der fast kompletten Sammlungsbestände unter dem Titel „Full House: Gesichter einer Sammlung“ realisieren, dann ist mit diesem Projekt die konzeptionelle Phase beendet. Ab September 2006 werden wir dann auf der Basis eines wesentlich komplexeren Raum- und Funktionsprogramms, eines nach wahrnehmungsästhetischen Gesichtspunkten strukturierten Informations- und Leitsystems sowie des neu formulierten dialogischen Konzepts zahlreiche monographische und thematische Ausstellungen durchführen, die uns dem langfristig angestrebten Ziel näherbringen, ein ‚Musée imaginaire’, ein ‘imaginäres Museum auf Zeit‘ zu entwickeln. Darin öffnen sich dem Publikum über die ungewohnte Wahrnehmung von Beziehungen zwischen den verschiedenartigsten Werken und Werkgruppen neue gedankliche Freiräume, die in einem traditionellen Museum so nicht erlebbar und erfahrbar sind.

In die Neupräsentation eingeschlossen sind fünf wichtige Positionen der zeitgenössischen Kunst, die wir durch eine spezielle Einladung kenntlich gemacht haben. Auch diese gerade begonnene Tradition wird ab September mit neuen jungen Positionen fortgesetzt. Wenn Sie die Kunsthalle von nun an von außen betrachten, so hat sich ihr Gesicht am Eingang verändert. Wir wollen der sehr schönen und sehr schweren Eisenplastik von Alf Lechner in Kürze einen neuen Standort im Umfeld der Kunsthalle geben, der uns von der künstlerischen Aussage gesehen noch mehr überzeugt.

„Full House: Gesichter einer Sammlung“ ist der Versuch, den Mannheimer Museumsbeständen ein neues Gesicht zu geben. Dieses ‚Gesicht’ orientiert sich weniger an kunsthistorisch objektivierbaren Kriterien von Aufbau und Präsentation der Sammlung, als vielmehr an der Übertragung einer gegenwartsbezogenen Wirklichkeitswahrnehmung und einem subjektiven Einfühlungsvermögen. Damit wollen wir die in der folgenden Einführung verdeutlichten Defizite des gängigen, die Geschichte rekonstruierenden Museumsmodells hinterfragen und einen neuen Museumstyp zur Diskussion stellen.

Das Präsentationskonzept der „Neuen Kunsthalle“

„Die Museen sind die Universitäten von Morgen“           Peter Sloterdijk

Um die Kunsthalle zu einem ‚Museum der Gegenwart’ zu machen, haben wir in einer ersten Phase vor allem die drei Gebäudeteile Altbau, Neubau und Bunker zu einer komplexen aber in sich schlüssig gegliederten Einheit verschmolzen. Der Altbau wird – seiner ursprünglichen Bestimmung entsprechend – in beiden Geschossen wieder mit Sammlungsräumen versehen, um der in einer langjährigen Entwicklung veränderten Rolle eines ’stillen Anhängsels’ entgegenzuwirken. Ähnliches haben wir durch behutsam vorgenommene architektonische Einbauten im Neubau sowie durch die in vielen Räumen aller Gebäude vorgenommene veränderte Lichtführung zu erreichen versucht.

In fast allen Räumen des Altbaus, des Neubaus und des Bunkers sind ab heute Werke der Gegenwart mit Werken der Sammlung zu behutsam inszenierten inhaltlichen Werkgruppen verbunden. So wird der Altbau zum einen in seiner ästhetischen Wirkung wieder attraktiver, zum anderen wirkt sich der Gewinn an Räumen für die Sammlung positiv auf die Präsentationsform der Werke aus.

In der Kunsthalle Mannheim wurde ein Präsentationskonzept entwickelt, das zum einen den historischen Schwerpunkten der Sammlungsbestände gerecht wird, zum anderen mit großer Intensität neue Werke und Werkgruppen der Gegenwartskunst so integriert, dass beide Elemente genügend Raum zur Entfaltung haben. In der „Neuen Kunsthalle“ werden in den nächsten Jahren in rhythmischen Wechseln Werke der unmittelbaren Gegenwart mit historischen Kunstwerken zu dialogartigen Konstellationen zusammengestellt werden, damit sich ihre inhaltlichen und ästhetischen Besonderheiten wechselseitig beleuchten und beim Wahrnehmungsprozess in verdichteter Weise zum Ausdruck kommen können. Wir werden zunehmend Kunstformen verschiedener Zeiten, Kulturen und Entstehungsorte in der Weise kombinieren, dass sie sich aufgrund von Gemeinsamkeiten im Inhaltlichen oder strukturell Wesenhaften zu komplexen dialogischen Partnerschaften ergänzen. Darüber hinaus wird die strenge Trennung zwischen den Kategorien Malerei, Plastik, Grafik, Kunsthandwerk, Fotografie, Video und Rauminstallation aufgelöst. Unsere Wahrnehmung erfährt somit insgesamt durch die produktiven Korrespondenzen von Werken unterschiedlicher Gattungen, Medien, Zeiten und Kulturen neue Impulse.

Aufgrund dieser Öffnung des Museumskonzeptes in Richtung auf eine ganzheitliche Museumsstruktur war und ist es notwendig, geeignete ‚Partnerwerke’ für die bereits in der Sammlung vorhandenen Arbeiten zu finden, um komplexe Dialoggruppen herzustellen. Ergänzt wurde die „Neue Sammlung“ in dieser umfassenden Neupräsentation durch Schenkungen, Dauerleihgaben und Leihgaben von Künstlern, Sammlern, Stiftern, Förderern, Museen oder vereinzelt auch durch Neuerwerbungen. Kein Museum der Welt kann auf einen ‚Besitz’ zurückgreifen, der allen zuvor angedeuteten Aspekten und Anforderungen gerecht werden könnte. Das Museum der Gegenwart und Zukunft muss sich deshalb immer mehr Partner suchen, die Schenkungen tätigen sowie Dauerleihgaben oder Leihgaben zur Verfügung stellen. Dies können andere Museen sein, Privatsammler, Künstler oder Galerien. Wir plädieren wohlgemerkt nicht für ein ‚Sammlermuseum’, das von einem oder wenigen Sammlern bespielt wird und deshalb von diesen abhängig ist. Vielmehr sprechen wir uns für ein System des komplexen Netzwerks der Unterstützung durch viele Partner und Paten aus, die der Institution temporär oder langfristig helfen, die aber auch immer wieder wechseln können. Dadurch wäre zum einen gewährleistet, dass die jeweilige Kunst der Gegenwart auch zeitgenössisch vertreten ist und nicht erst im Nachhinein, zum anderen könnten nach Weggang einzelner Werke oder Partner andere die gleiche oder eine ähnliche Aufgabe übernehmen.

Die „Neue Sammlung“ der Kunsthalle verteilt sich panoramaartig und wie eine Erzählung nach Kapiteln gegliedert über die Ausstellungsräume. Diese ‚Sammlung auf Zeit’ wird nach fünf Monaten teilweise wieder verändert und durch andere Inhalte und Themen ergänzt. Einige der präsentierten Werke, die als langfristige Leihgaben zur Verfügung stehen oder die wir ankaufen möchten, werden kontinuierlich und behutsam in die historischen Sammlungsbestände integriert.

Als einen neuen Akzent innerhalb des Präsentationskonzepts und einen von vielen Bausteinen des soeben eröffneten Hector Forschungszentrums haben wir die so genannten Projekträume entwickelt, die der Präsentation, Förderung und Vermittlung der jüngsten Gegenwartskunst dienen sollen. Wir möchten junge Künstler aus der ganzen Welt jeweils für einen bestimmten Zeitraum in die Kunsthalle einladen, damit sie – auf der Basis kleinerer Stipendien oder Fördermodelle – vor Ort Ideen entwickeln oder neue Werke realisieren können, die dann vor einem interessierten Publikum präsentiert und zur Diskussion gestellt werden. Im Zusammenhang damit werden wir großen Wert auf den Dialog sowohl zwischen Künstler und Mitarbeitern wie auch zwischen Künstler und Publikum legen. Weiterhin haben wir es uns zum Ziel gesetzt, ausgewählte junge Kunsthistoriker und Kuratoren dafür zu gewinnen, ihre Ideen und Vorstellungen für Ausstellungen, Workshops und interdisziplinäre Projekte bei uns zu realisieren und damit entweder ‚Berufserfahrung’ zu sammeln oder auch einen Dialog unter Kuratoren unterschiedlichster inhaltlicher Ausrichtung zu eröffnen. Die Kunsthalle wird hierdurch ein zusätzliches Potenzial an kreativen Energien gewinnen und öffnet neue Türen für jüngere Generationen.

Rolf Lauter

ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW – MAIN ENTRANCE, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW – MAIN ENTRANCE, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW – MAIN ENTRANCE, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, Part 2 – MAIN ENTRANCE, KUNSTHALLE MANNHEIM SEPTEMBER 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, MAIN ENTRANCE, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW, KUNSTHALLE MANNHEIM 31-3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, PREVIEW, KUNSTHALLE MANNHEIM 31.3.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 1.4.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 1.4.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 1.4.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 1.4.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 1.4.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 1.4.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, ARTIST TALKS, KUNSTHALLE MANNHEIM 6.8.2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim

Participating Artists

  1. Mawuli Afatsiawo 1974 (Ghana)
  2. Karl Albiker 1878 (Germany)
  3. Darren Almond 1971 (United Kingdom)
  4. Francis Alys 1959 (Belgium)
  5. Carl Andre 1935 (United States)
  6. Nobuyoshi Araki 1940 (Japan)
  7. Alexander Archipenko 1887 (United States, Ukraine)
  8. Arman 1928 (France, United States)
  9. Jean Arp 1886 (France)
  10. Kutlug Ataman 1961 (Turkey)
  11. Iwan Babij
  12. Francis Bacon 1909 (Ireland (Republic))
  13. Clive Barker 1940 (United Kingdom)
  14. Ernst Barlach 1870 (Germany)
  15. Willi Baumeister 1889 (Germany)
  16. Max Beckmann 1884 (Germany)
  17. Rudolf Belling 1886 (Germany)
  18. Miguel Ortiz Berrocal 1933 (Spain)
  19. Joseph Beuys 1921 (Germany)
  20. Norbert Bisky 1970 (Germany)
  21. Carl Blechen 1798 (Germany)
  22. Heiner Blum 1959 (Germany)
  23. Oliver Boberg 1965 (Germany)
  24. Umberto Boccioni 1882 (Italy)
  25. Alighiero Boëtti 1940 (Italy)
  26. Slater Bradley 1975 (United States)
  27. Constantin Brancusi 1876 (Romania)
  28. Sergey Bratkov 1960 (Ukraine)
  29. Nathalie Braun Barends (Germany)
  30. Candice Breitz 1972 (South Africa)
  31. Cecily Brown 1969 (United Kingdom)
  32. Glenn Brown 1966 (United Kingdom)
  33. Peter Brüning 1929 (Germany)
  34. Reg Butler 1913 (United Kingdom)
  35. Luis Buñuel 1900 (Spain)
  36. Arnold Böcklin 1827 (Switzerland)
  37. Stefanie Bühler 1976 (Germany)
  38. Heinrich Bürkel 1802 (Germany)
  39. Alexander Calder 1898 (United States)
  40. Rolf Cavael 1898 (Germany)
  41. Hussein Chalayan 1970 (Cyprus)
  42. Eduardo Chillida 1924 (Spain)
  43. Giorgio de Chirico 1888 (Italy)
  44. Lovis Corinth 1858 (Germany)
  45. Corneille 1922 (Netherlands)
  46. Tony Cragg 1949 (United Kingdom)
  47. Fritz Cremer 1906 (Germany)
  48. Bryan Crockett 1970 (United States)
  49. Chris Cunningham 1970 (United Kingdom)
  50. César 1921 (France)
  51. Paul Cézanne 1839 (France)
  52. Flavia Da Rin 1978 (Argentina)
  53. Johan Christian Dahl 1788 (Norway)
  54. Karl Fred Dahmen 1917 (Germany)
  55. Honoré Daumier 1808 (France)
  56. Edgar Degas 1834 (France)
  57. Gerd Dehof 1924 (Germany)
  58. Robert Delaunay 1885 (France)
  59. Gérard Deschamps 1937 (France)
  60. Charles Despiau 1874 (France)
  61. Otto Dix 1891 (Germany)
  62. Willie Doherty 1959 (United Kingdom)
  63. François Dufrêne 1930 (France)
  64. Marlene Dumas 1953 (Netherlands, South Africa)
  65. Marcel Dzama 1974 (Canada)
  66. Martin Eder 1968 (Germany)
  67. Benno Elkan 1877 (United Kingdom)
  68. James Ensor 1860 (Belgium)
  69. Max Ernst 1891 (Germany)
  70. Jean Fautrier 1898 (France)
  71. Lyonel Feininger 1871 (Germany, United States)
  72. Anselm Feuerbach 1829 (Germany)
  73. Peter Fink 1907 (United States)
  74. Ernesto de Fiori 1884 (Italy)
  75. Fischli & Weiss 1979 (Switzerland)
  76. Barry Flanagan 1941 (United Kingdom)
  77. Jana Franke
  78. Otto Freundlich 1878 (Germany)
  79. Caspar David Friedrich 1774 (Germany)
  80. Roger Fritz 1936 (Germany)
  81. Franz Xaver Fuhr 1898 (Germany)
  82. Günther Förg 1952 (Germany)
  83. Naum Gabo 1890 (Russia)
  84. Giuseppe Gallo 1954 (Italy)
  85. Hermann Geibel 1889 (Germany)
  86. Axel Geis 1970 (Germany)
  87. Wilhelm Gerstel 1879 (Germany)
  88. Alberto Giacometti 1901 (Switzerland)
  89. Ralph Gibson 1939 (United States)
  90. Gilbert & George (United Kingdom)
  91. Domenico Gnoli 1934 (Italy)
  92. Vincent van Gogh 1853 (Netherlands)
  93. Julio González 1876 (Spain)
  94. Antony Gormley 1950 (United Kingdom)
  95. Francisco de Goya 1746 (Spain)
  96. Otto Greis 1913 (Germany)
  97. Juan Gris 1887 (Spain)
  98. George Grosz 1893 (Germany, United States)
  99. Waldemar Grzimek 1918 (Germany)
  100. K.O. Götz 1914 (Germany)
  101. Raymond Hains 1926 (France)
  102. Nigel Hall 1943 (United Kingdom)
  103. Herbert Hamak 1952 (Germany)
  104. Horst Hamann 1958 (Germany)
  105. Stella Hamberg 1975 (Germany)
  106. Gabi Hamm 1956 (Germany)
  107. Erich Heckel 1883 (Germany)
  108. Bernhard Heiliger 1915 (Germany)
  109. Barbara Hepworth 1903 (United Kingdom)
  110. Georg Herold 1947 (Germany)
  111. Ferdinand Hodler 1853 (Switzerland)
  112. Gerhard Hoehme 1920 (Germany)
  113. Karl Hofer 1878 (Germany)
  114. Nina Hoffmann 1948 (Germany)
  115. Andy Hope 1930 1963 (Germany)
  116. Chunqing Huang 1974 (Germany)
  117. Manolo Hugué 1872 (Spain)
  118. Jörg Immendorff 1945 (Germany)
  119. Merlin James 1960 (United Kingdom)
  120. Alexej Jawlensky 1864 (Russia)
  121. Max Kaminski 1938 (Germany)
  122. Wassily Kandinsky 1866 (Russia)
  123. Alexander Kanoldt 1881 (Germany)
  124. Edmund Kanoldt 1845 (Germany)
  125. Ruprecht von Kaufmann 1974 (Germany)
  126. On Kawara 1933 (Japan)
  127. Georg Friedrich Kersting 1785 (Germany)
  128. Jon Kessler 1957 (United States)
  129. Anselm Kiefer 1945 (Germany)
  130. Ernst Ludwig Kirchner 1880 (Germany)
  131. Paul Klee 1879 (Germany, Switzerland)
  132. Yves Klein 1928 (France)
  133. Henning Kles 1970 (Germany)
  134. Max Klinger 1857 (Germany)
  135. Oskar Kokoschka 1886 (Austria)
  136. Georg Kolbe 1877 (Germany)
  137. Douglas Kolk 1963 (United States)
  138. Jannis Kounellis 1936 (Italy, Greece)
  139. Uwe Kowski 1963 (Germany)
  140. Norbert Kricke 1922 (Germany)
  141. Sven Kroner 1973 (Germany)
  142. Carl Kuntz 1770 (Germany)
  143. Albert Lang 1847 (Germany)
  144. Clare Langan 1967 (Ireland (Republic))
  145. Henri Laurens 1885 (France)
  146. Uwe Lausen 1941 (Germany)
  147. Marko Lehanka 1961 (Germany)
  148. Jens Lehmann 1968 (Germany)
  149. Wilhelm Lehmbruck 1881 (Germany)
  150. Franz Lenk 1898 (Germany)
  151. Max Liebermann 1847 (Germany)
  152. Jacques Lipchitz 1891 (France, Lithuania)
  153. James Lloyd 1906 (United Kingdom)
  154. Richard Long 1945 (United Kingdom)
  155. Fernand Léger 1881 (France)
  156. Thomas Lüer 1971 (Germany)
  157. Aristide Maillol 1861 (France)
  158. Michel Majerus 1967 (Luxembourg)
  159. Kazimir Malevich 1878 (Russia)
  160. Édouard Manet 1832 (France)
  161. Sandra Mann 1970 (Germany)
  162. Giacomo Manzù 1908 (Italy)
  163. Franz Marc 1880 (Germany)
  164. Marino Marini 1901 (Italy)
  165. Kris Martin 1972 (Belgium)
  166. Bernhard Martin 1966 (Germany)
  167. Georges Mathieu 1921 (France)
  168. Henri Matisse 1869 (France)
  169. Wolfgang Mattheuer 1927 (Germany)
  170. Paul McCarthy 1945 (United States)
  171. Jonathan Meese 1970 (Germany)
  172. Georg Meistermann 1911 (Germany)
  173. Mario Merz 1925 (Italy)
  174. George Minne 1866 (Belgium)
  175. Joan Miró 1893 (Spain)
  176. Ryuji Miyamoto 1947 (Japan)
  177. Laszlo Moholy-Nagy 1895 (Hungary)
  178. Piet Mondrian 1872 (Netherlands)
  179. Claude Monet 1840 (France)
  180. Henry Moore 1898 (United Kingdom)
  181. Sarah Morris 1967 (United Kingdom)
  182. Otto Mueller 1874 (Germany)
  183. Edvard Munch 1863 (Norway)
  184. Bruce Nauman 1941 (United States)
  185. Ernst Wilhelm Nay 1902 (Germany)
  186. Shirin Neshat 1957 (Iran)
  187. Louise Nevelson 1899 (United States)
  188. Emil Nolde 1867 (Germany)
  189. Michael van Ofen 1956 (Germany)
  190. Nam June Paik 1932 (United States, South Korea)
  191. Max Pechstein 1881 (Germany)
  192. Manfred Pernice 1963 (Germany)
  193. Antoine Pevsner 1886 (Russia)
  194. Paul Pfeiffer 1966 (United States)
  195. Camille Pissarro 1830 (France)
  196. Jaume Plensa 1955 (Spain)
  197. Magnus Plessen 1967 (Germany)
  198. Sigmar Polke 1941 (Germany)
  199. Franz Radziwill 1895 (Germany)
  200. Fiona Rae 1963 (China)
  201. Neo Rauch 1960 (Germany)
  202. Jen Ray 1970 (United States)
  203. Pierre-Auguste Renoir 1841 (France)
  204. Germaine Richier 1902 (France)
  205. Gerhard Richter 1932 (Germany)
  206. Daniel Richter 1962 (Germany)
  207. George Rickey 1907 (United States)
  208. Pipilotti Rist 1962 (Switzerland)
  209. Auguste Rodin 1840 (France)
  210. Emy Roeder 1890 (Germany)
  211. Zbigniew Rogalski 1974 (Poland)
  212. Medardo Rosso 1858 (Italy)
  213. Mimmo Rotella 1918 (Italy)
  214. Carl Rottmann 1797 (Germany)
  215. Ulrich Rückriem 1938 (Germany)
  216. SEO 1977 (South Korea)
  217. Niki de Saint Phalle 1930 (France)
  218. David Salle 1952 (United States)
  219. Antonio Saura 1930 (Spain)
  220. Edwin Scharff 1887 (Germany)
  221. Richard Scheibe 1879 (Germany)
  222. Hermann Scherer 1893 (Germany)
  223. Johann Wilhelm Schirmer 1807 (Germany)
  224. Oskar Schlemmer 1888 (Germany)
  225. Otto Schließler 1886 (Germany)
  226. Karl Schmidt-Rottluff 1884 (Germany)
  227. David Schnell 1971 (Germany)
  228. Dennis Scholl 1980
  229. Georg Scholz 1890 (Germany)
  230. Bernard Schultze 1915 (Germany)
  231. Emil Schumacher 1912 (Germany)
  232. Dana Schutz 1976 (United States)
  233. Kurt Schwitters 1887 (Germany)
  234. Gustav Schönleber 1851 (Germany)
  235. Christian Georg Schüz I 1718 (Germany)
  236. Gustav Seitz 1906 (Germany)
  237. Joseph Anton Settegast 1813 (Germany)
  238. Theo Siegle 1902 (Germany)
  239. Alfred Sisley 1839 (France)
  240. Max Slevogt 1868 (Germany)
  241. Nedko Solakov 1957 (Bulgaria)
  242. K. R. H. Sonderborg 1923 (Denmark)
  243. Keith Sonnier 1941 (United States)
  244. Pierre Soulages 1919 (France)
  245. Daniel Spoerri 1930 (Switzerland)
  246. Susanne Starke 1973 (Germany)
  247. Piero Steinle 1959 (Germany)
  248. Jessica Stockholder 1959 (United States)
  249. Franz von Stuck 1863 (Germany)
  250. Stefan Szczesny 1951 (Germany)
  251. Neal Tait 1965 (United Kingdom)
  252. Sam Taylor-Wood 1967 (United Kingdom)
  253. Susa Templin 1965 (Germany)
  254. Alastair Thain 1961 (Germany)
  255. Fred Thieler 1916 (Germany)
  256. Hans Thoma 1839 (Germany)
  257. Jean Tinguely 1925 (Switzerland)
  258. Wawrzyniec Tokarski 1968 (Poland)
  259. Wilhelm Trübner 1851 (Germany)
  260. Nasan Tur 1974 (Germany, Turkey)
  261. William Turnbull 1922 (United Kingdom)
  262. Cy Twombly 1928 (United States)
  263. Antoni Tàpies 1923 (Spain)
  264. Werner Tübke 1929 (Germany)
  265. Fritz von Uhde 1848 (Germany)
  266. Hans Uhlmann 1900 (Germany)
  267. Félix Vallotton 1865 (Switzerland)
  268. Emilio Vedova 1919 (Italy)
  269. Jacques Villeglé 1926 (France)
  270. Bill Viola 1951 (United States)
  271. Jeff Wall 1946 (Canada)
  272. Matthias Weischer 1973 (Germany)
  273. Theodor Werner 1886 (Germany)
  274. Hans Wimmer 1907 (Germany)
  275. Fritz Winter 1905 (Germany)
  276. Wols 1913 (Germany)
  277. Fritz Wotruba 1907 (Austria)
  278. Yan Pei-Ming 1960 (China)
  279. Lynette Yiadom-Boakye 1977 (United Kingdom)
  280. Ossip Zadkine 1890 (France, Belarus)
  281. Thomas Zipp 1966 (Germany)
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N19: Gilbert & George, Gustav Seitz, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N19: Heiner Blum, Gilbert & George, Reginald Butler, Werner Tübke, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Jean Arp, Roger Fritz, Hermann Geibel, Ralph Gibson, Yan Pei-Ming, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Jean Arp, Roger Fritz, Hermann Geibel, Ralph Gibson, Yan Pei-Ming, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Nobuyoshi Araki, Pipilotti Rist, Jean Arp, Roger Fritz, Hermann Geibel, Ralph Gibson, Yan Pei-Ming, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Nobuyoshi Araki, Pipilotti Rist, Jean Arp, Roger Fritz, Hermann Geibel, Ralph Gibson, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Jean Arp, Roger Fritz, Hermann Geibel, Ralph Gibson, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Auguste Rodin, Martin Eder, Ralph Gibson, Ralph Gibson, Nobuyoshi Araki, Pipilotti Rist, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Ralph Gibson, Nobuyoshi Araki, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Peter Fink, Martin Eder, Ralph Gibson, Nobuyoshi Araki, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Peter Fink, Martin Eder, Ralph Gibson, Ralph Gibson, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Peter Fink, Martin Eder, Ralph Gibson, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Roger Fritz, Pipilotti Rist, Jean Arp, Sandra Mann, Hermann Geibel, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM September 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Ralph Gibson, Roger Fritz, Pipilotti Rist, Jean Arp, Sandra Mann, Hermann Geibel, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM September 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, N20: Ralph Gibson, Roger Fritz, Pipilotti Rist, Figurative Plastik, KUNSTHALLE MANNHEIM September 2006. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Roger Fritz: Szenenfoto aus Rainer Werner Fassbinder „Querelle“, 1982 in: ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006
Roger Fritz: Szenenfoto aus Rainer Werner Fassbinder „Querelle“, 1982 in: ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006
Roger Fritz: Abendveranstaltung, in: ROLF LAUTER, FULL HOUSE – FACES OF A COLLECTION, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

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Rolf Lauter – Hommage an Roger Fritz I @ Naturwelten – Kunstwelten, Kunsthalle Mannheim 2005

Roger Fritz in seinem Münchener Studio mit Fotografien von Romy Schneider. Foto: imago stock&people

Gerne erinnere ich mich an die vielen Treffen, Gespräche, Begegnungen mit Roger Fritz mit Beginn meiner Zeit als Direktor der Kunsthalle Mannheim, in der ich von Anfang an die Öffnung der Sammlung in die „reale Gegenwart“ begonnen hatte. Neben der Einbeziehung einer Reihe internationaler künstlerischer Positionen, war es auch ein besonderes Anliegen, die kulturelle Biografie der Stadt Mannheim aufzuarbeiten und einige der wichtigen künstlerischen Positionen ihrer Geschichte und Gegenwart in das Ausstellungsprogramm und in die Sammlung zu integrieren. Zu den ausgewählten Positionen gehörte neben Robert Häusser und Horst Hammann vor allem auch der seit den 70er Jahren in München lebende Roger Fritz, mit dem mich seit unserer ersten Begegnung eine freundschaftliche Beziehung verband.

Seit Beginn der 2000er Jahre besuchte ich Roger mehrfach in München und wir durchstöberten sein Fotoarchiv anhand von Fotos, Kontaktbögen und Negativen nach den Werkgruppen und Aufnahmen, die für einen ersten repräsentativen Überblick in der Kunsthalle geeignet wären. Besonders interessiert war ich von Anfang an an den magischen Schwarz-Weiß-Porträts von Romy Schneider aus den 60er Jahren, an der Werkgruppe der farbigen Setfotos zu Fassbinders „Querelle“ aus dem Jahr 1982 sowie an einer Reihe seiner motivisch herausragenden Schwarz-Weiß Aufnahmen von Natur und Gesellschaft oder auch an Porträts berühmter Persönlichkeiten. Schließlich fand ich mit den koloristischen Abstraktionen mit dem Motiv des Wassers eine weitere sehr eigene Werkreihe, die ich neben der Einzelpräsentation in der Kunsthalle im Jahr 2005 in größerem Umfang ebenfalls in der Ausstellung „artscoutone: Zeitgenössische Kunst aus Mannheim“ im Jahr 2009/2010 in den Gängen der Universität Mannheim im Schloss zeigen konnte.

Schließlich war es mir möglich, als Kurator und Management Director der Swiss Art Institution in Karlsruhe im Jahr 2012 eine Werkgruppe mit Fotografien von Romy Schneider und eine zweite mit Beispielen aus der Serie „Querelle“ zu zeigen. In den letzten Jahren traf ich Roger mehrmals in der Galerie Flash in München und wir wollten in den nächsten Jahren noch mehrere thematische Projekte realisieren. Es war eine fruchtbare, diskursive und erkenntnisreiche Freundschaft, die mich mit Roger verband und ich bin ihm für so viele gute Gespräche, Gedanken und Erfahrungen sehr dankbar.

Roger Fritz mit seiner Lebensgefährtin Margit Friedrich. Foto: Agency People Image

Biografie

Roger Fritz wurde am 22.09.1936 in Mannheim geboren. Er arbeitete als Regisseur, Autor, Produzent, Schauspieler und Fotograf. Zunächst versuchte er sich zunächst als Bäcker und Kellner, begann dann eine Ausbildung zum Großhandelskaufmann. 1955 lernte er den Fotografen Herbert List in München kennen und assistierte ihm gelegentlich. Fritz begann zuvor selbst zu fotografieren und nach ersten Veröffentlichungen in der amerikanischen Zeitschrift Life erhielt er zweimal den begehrten Photokina-Preis (1954, 1956). Es folgten umfangreiche Reportagen für Holiday, Quick, Bunte, Stern, Geo, Merian, Kölner Stadtanzeiger, Magnum, Vagabund und die französische Vogue. 1959 war Roger Fritz Mitbegründer der Zeitschrift twen. 1961 studierte er an der UFA-Nachwuchsschule für Schauspiel und Regie in Berlin.

Bei Luchino Visconti, der einen ständigen Stab von acht Assistenten unterhielt, studierte er Film. Bei dessen Operninszenierungen in Spoleto fungierte Fritz als „1. Regieassistent“. Für kurze Zeit assistierte er bei Pasolini und Bertolucci und in Amerika, wo er für zwei Jahre lebte, war er Giancarlo Menottis Regie-Assistent. Anfang der 1960er Jahre spielte er in Luchino Viscontis Filmen „Boccaccio 70“ (I/F 1961 mit Romy Schneider) und „Il Gattopardo“ (I/F 1962). Daneben entstehen außergewöhnliche Fotografien beim Filmset.

In Deutschland dreht Roger Fritz als Regisseur Filme wie „Mädchen, Mädchen“ (1966) – (seine erste Frau, die Schauspielerin Helga Anders, erhielt für die Hauptrolle den Bundesfilmpreis), „Häschen in der Grube“ (1968), „Mädchen mit Gewalt“ (1969) und „Zwischen uns beiden“ (1971). 1963 drehte Fritz seinen ersten Kurzfilm „Verstummte Stimmen“, ausgezeichnet mit dem Bundesfilmpreis. Sein zweiter Kurzfilm „Zimmer im Grünen“ erhielt das Prädikat „Besonders wertvoll“. In mehreren Filmen, unter anderem von Rudolf Thome (Fremde Stadt, 1972), Sam Peckinpah (Steiner – Das Eiserne Kreuz, 1976) und Rainer Werner Fassbinder (Berlin Alexanderplatz, 1980, Lili Marleen, 1981, Querelle, 1982) war Fritz auch Darsteller. Als Setfotograf schuf er zudem ikonische Bilder unter anderem von Udo Jürgens in der Badewanne oder von den Beatles beim Schlittenfahren. Zudem entstanden zahlreiche Porträtfotos bekannter Schauspieler, Regisseure, Politiker und Menschen von der Straße oder Frauen von der Reeperbahn. So entstanden berühmte Porträts von Romy Schneider, Uschi Obermaier, Anthony Quinn, Franz Josef Strauß, Freddy Mercury, Rainer Werner Fassbinder u.a. 1982 werden die Szenenfotografien von Roger Fritz im Filmbuch zu „Querelle“ von Rainer Werner Fassbinder veröffentlicht. (https://www.artforum.com/print/reviews/201206/querelle-photographed-by-roger-fritz-31256)

Gemeinsam mit anderen Münchener Jungfilmern hatte sich Roger Fritz inzwischen in der Stadt seiner Wahl niedergelassen. „Wir wohnen fast alle im gleichen Schwabinger Viertel, zwischen zwei Häuserblocks. Harro Senft, Alexander Kluge, Peter Schamoni, Vlado Kristl und die ganze Bande derer, die schreiben, drehen, kurzfilmen und fotografieren. Wir essen im gleichen Restaurant, trinken Kaffee im selben Café, tanzen im gleichen Beat-Schuppen.“

2002 entsteht das Fotobuch „MUC People„, in dem er das Flair und die Menschen Münchens festhielt. Für seine Reportage über St. Pauli für das Magazin Quest wurde der Fotograf 2007 mit dem Lead-Award ausgezeichnet. Zusammen mit Ottfried Fischer entstand 2010 die Hommage an die Süddeutschen „Extrem Bayrisch„. 2011 gewann er in Oldenburg den „German Independence Honorary Award“ Filmpreis. In den Achtziger und Neunziger Jahren führte Roger Fritz als Gastronom in München mehrere Lokale: „Pappasito“, „Mamasita“ und „Visconti“.

Noch am 9. November eröffnete er seine neueste Vernissage in München. Nur 20 Tage später ist klar: Roger Fritz ist verstorben. Er wurde 85 Jahre alt. Seine bisher einzige Museumsausstellung fand 2005 in der Kunsthalle Mannheim statt. Weitere umfangreiche Präsentationen wurden 2006 im Deutschen Filmmuseum in Frankfurt, 2009 in der Noah Galerie Augsburg und in der Terminus Galerie München, 2012 in der White Columns Galerie New York, in der Veneklasen Werner Galerie Berlin, sowie im Horst Jansen Museum in Oldenburg realisiert.

„Ich hatte immer eine gewisse Respektlosigkeit, aber fabelhafte Manieren“, sagte Roger Fritz, der herrlich unbescheiden sein konnte, ohne überheblich zu klingen. (https://www.sueddeutsche.de/leben/roger-fritz-fotograf-prominente-film-1.5160551?reduced=true). Mitte Januar 2022 wird im Schirmer Verlag sein Buch „Boulevard der Eitelkeiten“ erscheinen.

Webpage von Roger Fritz 2009/2022: http://www.roger-fritz.com/

Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten

Kunsthalle Mannheim

18. September – 30. Dezember 2005

Einführung

Der in Mannheim geborene Fotograf, Filmproduzent, Regisseur und Schauspieler Roger Fritz wurde bereits in den 50er Jahren für seine ersten Fotoarbeiten mit Auszeichnungen und Preisen bedacht.

In einer für den Bildjournalismus der 50er Jahre ungewöhnlichen Art, fand Fritz seine Motive nicht in entlegenen Ländern, vielmehr suchte er vor der Haustüre nach den kleinen Gesten und Zeichen, die seine Bilder zu einzigartigen Dokumenten ihrer Zeit werden lassen. Die Tatsache, dass sich Fritz dem zu fotografierenden Milieu anpasst und dort von den Akteuren kaum wahrgenommen wird, ermöglicht es dem Fotografen frei zu agieren und so authentisch wirkende Bilder zu schaffen. Bis heute sind seine Fotos bei vielen Zeitungen und Zeitschriften gefragt. Eine Vielzahl fotografischer Beiträge finden sich in Stern, Bunte, Geo, Merian.

Es ist die Lust am Sehen und das Ziel atmosphärische Bilder zu schaffen die Roger Fritz antreibt. Von 1961 bis 1963 besuchte Fritz die UFA-Nachwuchsschule für Dramaturgie in Berlin und leitete somit einen neuen Abschnitt in seinem künstlerischen Schaffen ein. Als Regieassistent arbeitete Roger Fritz bei Luchino Visconti in Italien sowie bei Gian Carlo Menotti in New York. In den 60er und 70er Jahren schrieb er für zahlreiche Filme Drehbücher und führte selber Regie. Darunter der Film „Mädchen, Mädchen“ wofür die Hauptdarstellerin Helga Anders den Bundesfilmpreis erhielt. Als Produzent von Spielfilmen machte er sich darüber hinaus einen Namen. Schließlich stand er in über 80 Spielfilmen als Darsteller vor der Kamera.

In der Mannheimer Ausstellung sind drei Werkgruppen an Fotografien zu sehen, die zwischen den Welten der Natur und der Kunst hin- und her pendeln. Spiegelungen auf der Wasseroberfläche, die sich in einer der jüngeren Werkgruppen manifestieren, intensive Naturbilder in Schwarz-Weiß von Wäldern im Schnee, Waldszenerien mit den Lido Girls aus Paris oder dem Porträt des jungen „Andreas“ im stillen Wasser, enthüllende, treffende, ausdrucksstarke oder auch verletzlich realistische Porträts bekannter oder unbekannter Menschen, wie etwa den berühmten Setfotos von Romy Schneider, den von den Spuren des Lebens gezeichneten Bildnissen von Anthony Quinn, den fröhlich im Winterurlaub auf Schlitten fahrenden Beatles, den exzentrisch selbstdarstellerischen Regisseuren Luchino Visconti und Rainer Werner Fassbinder, einem Liebespaar in einem Kölner Park und schließlich die Werkgruppe der artifiziellen und grellfarbigen Szenenfotos aus Rainer Werner Fassbinders letztem Film “Querelle” offenbaren einen spannungsvollen Bogen an bildnerischen Positionen, bei denen die Wahrnehmung des Fotografen stets über die Grenzen des “nur Sichtbaren” hinausgeht. In den Fotografien von Roger Fritz verdichten sich Augenblicke von Weltwahrnehmung und schöpferischem Sehen zu magischen Bildern, die inzwischen zu ikonischen Bildwelten unseres kulturellen Gedächtnisses geworden sind.

Rolf Lauter

Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Einladung Kunsthalle Mannheim 18. September – 30. Dezember 2005
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Einladung Kunsthalle Mannheim 18. September – 30. Dezember 2005
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Einladung Kunsthalle Mannheim 18. September – 30. Dezember 2005
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Einladung Kunsthalle Mannheim 18. September – 30. Dezember 2005
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Presseinfo Kunsthalle Mannheim 18. September – 30. Dezember 2005
Roger Fritz: Rainer Werner Fassbinder – Querelle, Setfoto 1982. Postkarte CityCards 09/2005
Roger Fritz: Rainer Werner Fassbinder – Querelle, Setfoto 1982. Postkarte CityCards 09/2005
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Spannbanner Kunsthalle Mannheim 18. September – 30. Dezember 2005
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Eröffnung Kunsthalle Mannheim 17. September 2005.
Photograph: Thomas Henne, Mannheim.
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Eröffnung Kunsthalle Mannheim 17. September 2005.
Photograph: Thomas Henne, Mannheim.
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Eröffnung Kunsthalle Mannheim 17. September 2005.
Photograph: Thomas Henne, Mannheim.
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Eröffnung Kunsthalle Mannheim 17. September 2005.
Photograph: Thomas Henne, Mannheim.
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Eröffnung Kunsthalle Mannheim 17. September 2005.
Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Dr. Rolf Lauter: Eröffnung Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Cecily Brown, Jaume Plensa und DZ Bank Collection (Luminita Sabau), Kunsthalle Mannheim 17. September 2005. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Dr. Rolf Lauter: Eröffnung Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Cecily Brown, Jaume Plensa und DZ Bank Collection (Luminita Sabau), Kunsthalle Mannheim 17. September 2005. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Dr. Rolf Lauter: Eröffnung Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Cecily Brown, Jaume Plensa und DZ Bank Collection (Luminita Sabau), Kunsthalle Mannheim 17. September 2005. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Dr. Rolf Lauter: Eröffnung Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Cecily Brown, Jaume Plensa und DZ Bank Collection (Luminita Sabau), Kunsthalle Mannheim 17. September 2005. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Dr. Rolf Lauter: Eröffnung Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Cecily Brown, Jaume Plensa und DZ Bank Collection (Luminita Sabau), Kunsthalle Mannheim 17. September 2005. Photograph: Thomas Henne, Mannheim
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Ausstellung Kunsthalle Mannheim 18. September – 30. Dezember 2005
Roger Fritz: Naturwelten – Kunstwelten, Ausstellung Kunsthalle Mannheim 18. September – 30. Dezember 2005

Roger Fritz – Schwarz-Weiß-Fotos der 1950er bis 1970er Jahre

Roger Fritz: Romy Schneider, Paris 1961 & als „Pupé“ in Luchino Viscontis „Bocaccio 70“, 1962

Roger Fritz: Rainer Werner Fassbinder – Querelle, Setfotos 1982

Roger Fritz: Rainer Werner Fassbinder – Querelle, Plakat 1982.
Roger Fritz: Rainer Werner Fassbinder – Querelle, Setfoto 1982
Roger Fritz: Rainer Werner Fassbinder – Querelle, Setfoto 1982

Roger Fritz: Abstract, 2000-2005

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Rolf Lauter – Homage to Lawrence Weiner II – 12/2021

John Baldessari, Lawrence Weiner und Rolf Lauter @ Views from Abroad: European Perspectives on American Art, MMK Frankfurt at the Whitney Museum of American Art, New York 17.10.1996. Photograph: Axel Schneider, Frankfurt
Ausstellungskatalog BLICKACHSEN 4 – Skulpturen im Kurpark Bad Homburg v. d. Höhe
   18.05. – 05.10.2003

Auf Einladung von Christian Scheffel konnte ich als Direktor der Kunsthalle Mannheim im Jahr 2003 die inzwischen weltweit bekannte Skulpturenausstellung „Blickachsen 4“ im Kurpark und in der Stadt von Bad Homburg kuratieren. Damals wurden im Park und im öffentlichen Raum über einen längeren Zeitraum künstlerische Gestaltungen gezeigt, die sich im weitesten Sinn mit den Kategorien ‚Raum’ und ‚Zeit’ auseinandersetzten.

Das Ausstellungsareal von „Blickachsen 4“ konzentrierte sich innerhalb des Kurparks vor allem auf die Gartenlandschaft, die um zwei Sichtachsen angelegt ist, erstreckte sich sodann auf einen zweiten Standort um das Rathaus und die Ecke Ferdinandstraße / Kaiser-Friedrich-Promenade, und endete schließlich bei einem dritten Standort im Schlossgarten. In diesen drei topographischen Bereichen wurden insgesamt 30 Werke von 20 internationalen Künstlern sehr behutsam in den landschaftlichen oder architektonischen Kontext eingebunden.

Die Werke von Lawrence Weiner, dem zweiten der in der Ausstellung vertretenen konzeptuellen Künstler, bestehen meist aus Texten, die Inhalte in sprachlicher Form thematisieren, ohne dass dabei auf die Ausdrucksqualitäten von Materialien, Gestaltungen oder Gegenständen zurückgegriffen wird. Sie können auf eine Wand gemalt werden, in Form eines Zertifikats auf Papier geschrieben oder in einem Katalog gedruckt sein. Immer verwendet Weiner Schrift in Druckbuchstaben, um jede Individualität des Ausdrucks zu vermeiden. Seine Arbeiten bewegen sich auf einem klar umrissenen Grat zwischen der Wirklichkeit der Sprache und der Wirklichkeit des Inhaltes. Beide Bereiche treffen sich auf verschiedenen Ebenen und eröffnen dem Betrachter zahlreiche Interpretationsansätze. Weiner macht uns die Bedeutung der Sprache bewusst,  indem er Texte formuliert, die teils allein aus sich selbst heraus einen spezifischen, metaphorischen oder abstrakten Sinn ergeben, teils aber auch gedankliche Konkretionen spezifischer bildlicher Vorstellungen sind. Das Lesen ist gleichzeitig der Betrachtungsprozess und dieser wird als das Lesen selbst interpretiert.

Weiner hatte an den beiden Eingangsfassaden des Rathauses in Bad Homburg mit Klebebuchstaben eine Textarbeit aus parallelen Teilen in deutscher und englischer Sprache angebracht, die aber weniger die Inhalte der Kunst als vielmehr ihre Wahrnehmung thematisierte. Der deutschsprachige Text lautete:

GRÜNES GLAS                                

GEBROCHEN

IM TAGESLICHT

[WEISS]

MILCHGLAS                                    

GEBROCHEN

IM LICHT DES SONNENUNTERGANGS

[ROT]

BRAUNES GLAS                               

GEBROCHEN

IM MORGENLICHT

[BLAU]

Der englischsprachige Text lautete:

GREEN GLAS                                           

BROKEN

IN THE LIGHT OF DAY

[WHITE]

MILK GLAS                                     

BROKEN

IN THE LIGHT OF SUNSET

[RED]

BRAUNES GLAS                               

BROKEN

IN THE MORNING LIGHT

[BLUE]

Mit seiner Textarbeit bezog sich Weiner auf Wahrnehmungssituationen, die sich bei der Betrachtung der genannten Glasarten – sichtbar am Rathaus oder anderen beliebigen Gebäuden der Umgebung – zu einer bestimmten Tageszeit ergeben. Auch wenn die Information, die der Künstler uns gibt, scheinbar banal und für jeden verständlich ist, haben wir es in der heutigen Zeit doch fast vollständig verlernt, diesen Licht- und Wahrnehmungsphänomenen nachzuspüren, sie als romantischen Bestandteil unseres Alltags zuzulassen. Gehen wir etwa am Morgen in aller Frühe in die Stadt, erfahren wir das frische, kalte, blaue Morgenlicht in komplexer Brechung,  an zahlreichen Glasfassaden, die unsere tägliche Weltwahrnehmung prägen. Gehen wir im Mittagslicht durch eine Stadt, steht die Sonne am höchsten und alles erstrahlt in hellem, weißen Licht, wirken Hausfassaden besonders plastisch und einprägsam durch die präzisen und scharfen Licht-Schatten-Kontraste. Am Abend hingegen wird ein Spaziergang durch die Stadt zu einer Erfahrung der besonderen Art, weil alle Häuser, Strassen, Gehwege in ein weiches rötliches Licht getaucht sind und man in eine eigentümlich reflexive Stimmung versetzt wird.

In den Glasflächen von Hochhäusern oder einfachen Geschäftshäusern spiegeln sich täglich immer wieder ähnliche und doch auch wieder andere vielfältige Ereignisse des Alltags: Häuser, Autos, Fußgänger, Vögel, Himmel oder Wolken. Weiner möchte uns mit seinen ‚schriftlichen Verweisen’ die Realität und das, was sich in ihr ereignet, ins  Bewusstsein bringen, möchte unsere Gedanken auf die Bedeutung der subjektiven Wirklichkeits- und Welterfahrung lenken, die unsere Existenz und insgesamt unser Leben begleitet. Und gerade die Wahrnehmung des Lebendigen, des sich Verändernden und insgesamt die Erkenntnis der unsere Existenz bedingenden Kategorien Raum und Zeit werden für uns mit der lesbaren Kunst von Lawrence Weiner zu einem gedächtnis- und identitätsstiftenden Element unseres Daseins.

Rolf Lauter

Rolf Lauter – Homage to Lawrence Weiner I – 12/2021

The first time when it began to be a question was 1960 when I did the «Explosions» in California, and the reason that it is a constant conversation was that I was even mistaken about what I was doing. I thought I was doing something about specific holes made by the explosions and in fact it was a general idea of the explosion. That was what was interesting far more than each individual hole.

So it took all those years putting it together and doing other things to bring it to another point. And I had to decide that I could no longer use a medium that I happened to like a lot which is painting and sculpture because it was not fulfilling my needs so I had to develop a way to present the work I was doing. That was it! It‘s not very radical. …

Museums are not really public space, galleries are public space. You don‘t have to pay to go in, nobody looks in your bag, you go in, you look at the work and you use it or you don‘t. So that‘s public, all the street is public but don‘t forget, and this is very important, artists are part of the public. Artists take their kids to the dentist they pay their taxes, it is public art for them as well. They are part of the society. It‘s not the public and art. All art is essentially public. So if it‘s on a wall and it‘s been invited on a wall that‘s the end of the conversation. People are convinced that there is something there. No, I make art and I am not convinced that it is something there until I present it and until people see if they can use what I have to present to understand their lives better. So that‘s what art is about”. (1)

(1) Zitat entnommen aus Lawrence Weiner: WHEREWITHAL I WAS ES BRAUCHT, Kunsthaus Bregenz 2016/17, Vermittlungsfilm KUB 2016.04, https://youtu.be/AOETgUKK7wE

Lawrence Weiners Leben und Werkbegriff

Lawrence Weiner, 1942 in New York geboren, gehört heute zu den bekanntesten und einflussreichsten Künstlern der Welt. Geboren im New Yorker Stadtteil Bronx, wo sein Vater ein kleines Süßwarengeschäft hatte, arbeitete schon als 12-Jähriger nach der Schule, um die Familie mit zu ernähren. Nach einem kurzen Studium am Hunter College entschied er sich, Künstler zu werden, weil ihm der damit verbundene Lebensstil besser gefiel. Sein erstes Werk von 1960, die «Cratering Pieces» oder «Explosions», entstand durch Sprengungen im Nationalpark des kalifornischen Mill Valley.

Als Begründer der in den 1960er Jahren entstandenen amerikanischen Concept Art interessierte er sich für die Idee als Kunstwerk und für die grundlegenden Voraussetzungen von Kunst und Museum. Besonders seine Statements zur «Sprache als Kunst» fanden eine weite Verbreitung. Für ihn hatte die Sprache und der geschriebene Text im Zusammenhang mit der Kunst die gleiche Bedeutung, wie alle anderen Materialien, Techniken oder Ausdrucksformen, die Künstler verwenden. Wird Sprache zu einem Werk an einer Wand, entfaltet dieses seine Wirkung im musealen Kontext ebenso, wie im öffentlichen oder privaten Raum. Weiner benutzt für seine Werke konsequent Großbuchstaben in Verbindung mit den Primärfarben Rot, Gelb, Blau, um sie als Mitteilungszeichen bewusst werden zu lassen. Hinzu kommt die jeweilige Gegenwart der Architektur und des Raumes, in dem sich sein Werk manifestiert. Weiners Texte an den Wänden eines Museums werden zu Kommentaren über die Architektur, den inhaltlichen Kontext, die Geschichte eines Raums oder des Museums und über die gesellschaftlichen und politischen Zusammenhänge allgemein.

Weiner schrieb nicht nur selbst gewählte Texte oder symbolhafte Sprüche an Wände, sondern produzierte auch diverse Künstlerbücher. In seinem ersten berühmten Buch aus dem Jahr 1968 über die Konzeptkunst beschrieb er in „Statements“ auf 68 Seiten mehrere Projekte. Im gleichen Jahr veröffentlichte er seine sogenannte „Absichtserklärung“, die drei Punkte umfasst: „1. Der Künstler kann das Werk herstellen. 2. Das Werk kann angefertigt werden. 3. Das Werk braucht nicht ausgeführt zu werden.“ Und als weitere Erklärung: „Jede Möglichkeit ist gleichwertig und entspricht der Absicht des Künstlers. Die Entscheidung über die Ausführung liegt beim Empfänger zum Zeitpunkt des Empfangs.“ Mit diesem Statement erklärte Weiner einerseits die «Idee» zum Kunstwerk, brachte andererseits den Rezipienten eines Werks, also das Museum, den Kurator oder einen Privatsammler als Werkrealisator ins Spiel.

Während Lawrence Weiner in Europa und vielen Ländern der Welt seit den 1960er Jahren als herausragender Concept-Künstler gefeiert wurde, fand in seiner Heimat erst im Jahr 2008 eine Retrospektive im Whitney Museum New York statt. Seine letzte Arbeit in Europa realisierte er im unterirdischen Durchgang zwischen dem Hauptgebäude des «Kunsthaus Zürich» und des im Oktober 2021 eröffneten Erweiterungsbau. Der Titel „Over & Above“ zeigt, dass Weiner sich seiner gesundheitlichen Situation sehr wohl bewusst war und den Weg seiner Existenz metaphorisch umschrieb. Noch im Sommer diesen Jahres formulierte er folgende Zeilen im imposanten gläsernen Eckraum seiner Berliner Galerie Thomas Schulte an der Charlotten-/Leipziger Straße auf rotem und blauem Grund «Vertrocknete Erde & Gestreute Asche Oder Vertrocknete Erde & Vergrabenes Gold Oder». Auch in diesem Text erkennen wir seine Voraussicht und seinen Umgang mit dem bevorstehenden Tod. Nach langer Krankheit starb Weiner am 2. Dezember mit 79 Jahren.

«View from Abroad: European Perspectives on American Art», Whitney Museum of American Art New York & MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt 1996/1997

Im Jahr 1995 hatte ich die große Freude, Lawrence Weiner zum ersten Mal in New York zu treffen und über seine Kunst zu diskutieren. Als Deputy Director des MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt und Kurator der Ausstellung «Views from Abroad: European Perspectives on American Art», einem Kooperationsprojekt zwischen dem Whitney Museum of American Art New York und dem Museum für Moderne Kunst Frankfurt, war es für mich neben den Recherchen in den Depots und den Archiven des Whitney Museums eine wesentliche Aufgabe, mit den an der Dialogausstellung beteiligten Künstlern über ihre Beiträge und Werkideen zu sprechen. In diesem Zusammenhang fanden 1995/96 u.a. Ateliergespräche mit Alex Katz, Carl Andre, John Baldessari, Eric Fischl, Jenny Holzer, Joseph Kosuth, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Martha Rosler, Ed Ruscha, Bill Viola und Lawrence Weiner statt.

Aufgrund seiner spezifischen Werkkonzepte und seines intensiven Umgangs mit Sprache wollte ich Lawrence dafür gewinnen, nicht nur die Leihgabe des Whitney Museums im MMK Frankfurt zu platzieren, sondern für uns auch eine neue Werk-Idee zu entwickeln und den Entwurf für die Einladung der im Jahr 1997 geplanten zweiten Ausstellung im MMK Frankfurt zu gestalten. Auf der Basis dieser ersten wunderbaren Zusammenarbeit entstand dann eine besondere langjährige respektvolle und freundschaftliche Kooperation. Zudem konnte ich in einigen intensiven Gesprächen mit Lawrence eine tiefere Einsicht in sein bildnerisches Denken und Handeln gewinnen.

John Baldessari, Lawrence Weiner und Rolf Lauter @ Views from Abroad: European Perspectives on American Art, MMK Frankfurt at the Whitney Museum of American Art, New York 17.10.1996. Photograph: Axel Schneider, Frankfurt

Entwurf für die Einladung zur Ausstellung «Views from Abroad: Ein Europäischer Blick auf die Amerikanische Kunst» MMK Frankfurt 1997 von Lawrence Weiner


Einladung zur Ausstellung «Views from Abroad: Ein Europäischer Blick auf die Amerikanische Kunst» MMK Frankfurt 1997 von Lawrence Weiner

Einladung zur Ausstellung «Views from Abroad: European Perspectives on American Art» im Whitney Museum of American Art New York 1996

Einladung zur Ausstellung «Views from Abroad: European Perspectives on American Art» im Whitney Museum of American Art New York 1996
Einladung zur Ausstellung «Views from Abroad: European Perspectives on American Art» im Whitney Museum of American Art New York 1996

Katalog zur Ausstellung «View from Abroad: European Perspectives on American Art», Whitney Museum of American Art New York & MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt 1996/1997

Here, There & Everywhere (1989), Collection Whitney Museum New York

Lawrence Weiners im Besitz des Whitney Museums befindliche Installation bildete eine Brücke zwischen beiden Ausstellungsteilen des Projektes. Here, There, & Everywhere (1989) wurde sowohl in New York, als auch in Frankfurt gezeigt, jedes Mal in einem anderen Kontext und in einer anderen gestalterischen Lösung. Der Text der Arbeit lautet:

AWAY FROM IT ALL

HERE THERE & EVERYWHERE

BENEATH IT ALL

HERE THERE & EVERYWHERE

ABOVE IT ALL

HERE THERE & EVERYWHERE

Während in New York eine Positionierung an einer Fensterfassade des Eingangs vorgenommen und im Dialog mit Werken von Rémy Zaugg gezeigt wurde, entschied sich Weiner, diese Text-Arbeit in Frankfurt ebenfalls an einer Glasfläche neben dem Eingang des MMK zu platzieren.

Aus dieser doppelten Dialogsituation wird deutlich, dass Weiners Werke einer spezifischen Wirklichkeit bedürfen, um zu existieren. Diese Wirklichkeit muss nicht faktisch räumlich, sondern kann auch geistiger Natur sein. Sobald ein Werk im Kopf, in den Gedanken eines Menschen fixiert ist, ist es existent. Um aber eine Arbeit einer größeren Gruppe von Menschen nahezubringen, ist ein räumlicher Kontext notwendig.

Der Werktext verweist auf einen ganzheitlichen philosophischen Grundgedanken, auf unsere Vorstellung von Raum und Zeit, die sich als ein Gleichzeitiges und ein überall existierendes Sein manifestieren kann, ohne Grenzen und Einschränkungen. Erst die Versinnbildlichung des Geistigen in Form von materialisierten Entsprechungen der Vorstellungen führt zu Grenzsituationen der Wahrnehmung und der Imagination. Mit der Erschaffung des Bildes hat sich der Mensch auch Grenzen der Vorstellung aufgebaut, wie sie die Mathematik oder die Sprache nicht kennen. Weiner hinterfragt das Prinzip Sprache, indem er Sprache und Texte formuliert, die allein aus sich selbst heraus einen Sinn ergeben und die gedankliche Konkretionen sind. Er macht auf zweierlei Arten etwas sichtbar: Er schreibt einen konkreten Sachverhalt mit einem Text auf und lässt dadurch formulierte Gedanken in die Welt treten. Aber er macht auch die im Text verborgenen Sachverhalte deutlich, die der Betrachter beim Lesen und anschließenden Reflektieren nachvollziehen kann. Kunst wird hier zum selbstbezüglichen, erklärenden System. Das Lesen ist gleichzeitig der Betrachtungsprozess und dieser wird als das Lesen interpretiert.[1]

Material und Sprache – Metaphorik und Konkretion: Joseph Beuys und Lawrence Weiner

Eine besondere Position nimmt im Museum und in der Ausstellung das kulturanthropologische Konzept von Joseph Beuys ein, der mit seiner Idee einer sozialen Plastik[2] einen gesellschaftsübergreifenden Werk- und Kunstbegriff formulierte. Zentraler Gedanke dieses Konzeptes, das Beuys verstärkt seit den sechziger Jahren entwickelte, ist es, die Gesellschaft zu einem ‚Gesamtkunstwerk‘ zu machen, in dem das Individuum als Teil des gesamten ’sozialen Organismus‘ das eigentlich aktive, künstlerische Element an sich wird. Ist erst einmal „jeder Mensch ein Künstler“[3] und handelt er je nach seinen schöpferischen Fähigkeiten in seinen Arbeits- und Wirkungsbereichen, so kann die positive Kraft des Einzelnen das Kollektiv zu einer menschlicheren Gesellschaft führen. „Eine Gesellschaftsordnung wie eine Plastik zu formen, das ist meine und die Aufgabe der Kunst. Sofern sich der Mensch als Wesen der Selbstbestimmung erkennt, ist er auch in der Lage, den Weltinhalt zu formen.“[4]

In einem von dem Architekten Hans Hollein im MMK Frankfurt speziell für die Arbeit Blitzschlag mit Lichtschein auf Hirsch (1958-1985) entwickelten Raum, der sich über zwei Etagen erstreckt, sind 39 Werkelemente zu einer eindringlichen Rauminstallation verbunden. Ausgangspunkt des Werkes war das mit Hirschdenkmäler betitelte Werkensemble, das 1982 in der Berliner Ausstellung Zeitgeist gezeigt wurde und das zum einen eine Bildhauerwerkstatt verkörperte, zum anderen den Arbeitsplatz einer Baustelle. Einige der Elemente dieses Ensembles wurden in Bronze gegossen, eines in Aluminium.

Vor einem mit Blitzschlag bezeichneten großen, folienhaft gegossenen Bronzekeil, der als Abguss eines Lehmberges entstand und an einem Doppel-T-Träger aufgehängt ist, liegen in aleatorischer Unordnung zahlreiche, auch als ‚Lehmlinge‘ bezeichnete Urtiere, um einen mit Hirsch betitelten Aluminiumguss. Der Blitzschlag, Bronzeguss nach einem Gipsabguss des in Berlin vorhandenen Lehmbergs, verkörpert einerseits eine materialisierte Form von Energie – Grundlage jeglichen Lebens auf der Erde –, andererseits das zu erkalteter, toter Erde erloschene Feuer.

Die aus Lehm geformten Urtiere sind primitive Wesen, Lebenskeime der Erde, gerade aus dem Urschlamm entwachsen. Sie tragen in sich verschiedenste Werkzeuge als Zeichen frühester Zivilisation.

Im Hintergrund ist eine kleine Eisenlore mit einer darauf befestigten Spitzhacke zu erkennen, von Beuys als Ziege benannt. Die Bezeichnung Ziege verweist auf Bedeutungen des Haustieres im Zusammenhang mit der für die Entwicklung der menschlichen Gesellschaft grundlegenden Landwirtschaft. Der kleine Wagen fand einst beim Abbau von Bodenschätzen Verwendung und deutet auf die wichtige Rolle der Metalle für den Aufbau unserer heutigen Zivilisation hin. Natürliches und Technisches wurden von Beuys als grundlegende polare Komponenten der kulturellen und zivilisatorischen Evolution verstanden.

Im Vordergrund des Raumes steht ein Bildhauer-Modellierfuß, auf dem die Erde eines Pflanzenkastens aus Beuys‘ Atelier zu einem kubischen Block gegossen aufliegt. Darauf – kaum sichtbar – ein kleiner Kompass. Die Pflanzenerde steht für Materie, die den Pflanzen Leben spendet und den Menschen über die Pflanzen Nahrung. Der Dreifuß ist Sinnbild für den schöpferisch-kreativen Prozess des Künstlers und den Prozess der Formung von Werken nach der Natur, so wie die Natur nach bestimmten Gesetzen geformt wurde. Der kleine Kompass verweist in Verbindung mit dem Titel Boothia Felix auf den nördlichsten Ort Kanadas, wo der magnetische Nordpol seine Kraft entfaltet und der Kältepol liegt. Auch der Magnetismus wurde von Beuys als eine Kraft mit einbezogen, die sowohl die irdische Natur, als auch den Kosmos beeinflusst.

Der Hirsch, vom imaginären Lichtschein des Blitzschlages zum Leuchten gebracht, wird zur Symbolfigur für höchste Lebensenergie und Lebenserneuerung, ein Eindruck, der durch den matt glänzenden Aluminiumguss unterstrichen wird. Seine Bedeutung als Akkumulator weist ihn als zentrales Moment des im Gesamtwerk des Künstlers immer wieder auftauchenden Wärmebegriffes aus, der dem Kältebegriff – symbolisiert durch Boothia Felix – polar gegenübersteht. Beide Kräfte sind als Basismomente der strukturalen Gesetzmäßigkeiten des Weltgefüges zu deuten.

In seinem Raum Blitzschlag mit Lichtschein auf Hirsch formulierte Beuys ein erzählerisches Ensemble, das in sich Momente der Entstehung und der Zerstörung von Welt vereint. Die in den vertikalen Elementen des Raumes – Blitzschlag und Boothia Felix – versinnbildlichten elementaren Naturgewalten, die sich als Energien zwischen Himmel und Erde manifestieren, sind Hinweise auf die Entstehung der Naturwissenschaften und der Erforschung der Gesetzmäßigkeiten der Welt. In den waagerechten Werkelementen – Hirsch, Ziege, Urtiere – sind Sinnbilder der Schöpfungs- und Evolutionsgeschichte enthalten, die auf die Entwicklung der Zivilisation und der Kultur des Menschen in Verbindung mit der Natur verweisen. Beuys thematisierte in seiner Arbeit Grundprinzipien des Lebens, die es zu bewahren gilt. Seine bildnerische Sprache basiert auf einer Materialästhetik, die vom Betrachter eine direkte Wahrnehmung und ein hohes Maß an kreativer Phantasie und Reflexion verlangt. Die zu Sinnbildern verdichteten Materialien und Gegenstandsrelikte entwickeln unter der Regie des Künstlers eine tiefgehende Metaphorik, die mit keiner anderen künstlerischen Position vergleichbar ist. Insofern konnte in Bezug auf diese Arbeit nur an einen Dialog gedacht werden, der im Kontrapunktischen liegt und durch eine Gegenposition das Wesentliche und die Besonderheit der Beuys’schen Sprache charakterisiert.

Lawrence Weiners Werke bestehen meistens aus Texten, das heißt er konzipiert seine Werke stets in sprachlicher Form. Ihre Ausführung kann in Form eines Zertifikates auf Papier geschrieben sein, auf eine Wand gemalt werden oder in einem Katalog gedruckt sein.[5] Manche Werke müssen auch nicht ausgeführt werden. Immer verwendet er Schrift in Druckbuchstaben, um keine Individualität aufkommen zu lassen. Seine Arbeiten bewegen sich auf einem klar umrissenen Grat zwischen der Wirklichkeit der Sprache und der Wirklichkeit der Materie. Beide Bereiche treffen sich auf verschiedenen Ebenen und eröffnen dem Betrachter in der Reflexion zahlreiche Interpretationsansätze.

Weiner konzipierte für die Ausstellung «Views from Abroad» im Museum für Moderne Kunst eine neue Wandarbeit, die einen speziellen Dialog mit dem Beuys-Ensemble thematisiert und die den folgenden Text enthält:

STONES FOUND AND BROKEN

SOMETIME IN THE FUTURE /

STEINE IRGENDWANN IN DER ZUKUNFT

GEFUNDEN UND GEBROCHEN

Während der deutsche Textteil oberhalb des englischen Textes in glänzend silbern gefärbten und schwarz umrandeten Buchstaben auf die Wand links neben den Blitzschlag gemalt wurde, ließ Weiner den englischen Textteil in einem erdverbundenen Braun und ebenfalls in schwarz umrandeten Buchstaben unterhalb des deutschen Textes in der Nähe des Bodens aufmalen. Die für Weiners Werk außergewöhnliche Farbwahl zeigt bereits hier eine enge inhaltliche Verbindung zum Raum von Joseph Beuys. Der Hirsch, mit Aluminiumfarbe silbern eingefärbt, hebt sich gegenüber den übrigen Werkelementen, die alle in bräunlicher Bronze gegossen wurden, hervor.

Umspannt Beuys mit seinem Raum die kaum fassbare Zeitspanne von der Entstehung des Lebens in der Vergangenheit der Erde bis zur selbstbezüglichen Gegenwart am Ende unseres Jahrhunderts, so wagt Weiner einen imaginär-retrospektiven Blick in die Zukunft und aus der Zukunft in die Geschichte der Vergangenheit, die gleichzeitig unsere Gegenwart ist. Weiner konkretisiert dort, wo Beuys naturphilosophische und sozialpolitische Inhalte versinnbildlicht, die Relativität der Zeit und verdeutlicht damit die Vergänglichkeit der Gegenwart und die Notwendigkeit eines zukunfts-gerichteten Denkens. Der Werktext verweist auf unsere Vorstellung von Raum und Zeit, die sich als ein Gleichzeitiges und überall existierendes Sein manifestiert, die aber auch, auf das Individuum bezogen, zu einer konkreten Erfahrung von ‚Geschichte‘ werden kann. Die silbern schimmernde Farbe stiftet in Verbindung mit dem aus Aluminium gegossenen Hirsch eine Kommunikationsebene der Überzeitlichkeit, die Gedanken über die Vergänglichkeit der Materie und Unvergänglichkeit des Geistes hervorruft. Die braune Farbe verbindet sich dagegen mit allen anderen – der Erde verbundenen – Werkelementen der Installation zu einem Dialogfeld, in dem die urzeitlichen Lehmlinge der Vergangenheit zu den gefundenen Steinen der Zukunft werden.

Mit der Erschaffung des Bildes hat der Mensch gleichzeitig auch Grenzen der Vorstellung entstehen lassen, wie sie die Mathematik oder die Sprache nicht kennen. Während Beuys vor allem mit Materialien und ihren metaphorisch-ästhetischen Qualitäten gestaltete, arbeitet Weiner konzeptuell, mit allgemeinverbindlichen, ‚objektiven‘ Zeichen, die sich durch eine präzise Wahrnehmung und methodisch-analytisches Denken erschließen lassen. Weiner trifft sich gleichwohl mit Beuys in der Verdeutlichung der Notwendigkeit, dass der Mensch seinen Intellekt und seine Kreativität stärken und bewusster einsetzen muss. Beide Werke verbinden sich in der Manifestation der geistigen und kreativen Kraft der Kunst, die von unterschiedlichen Positionen aus auf strukturale Fragen der Welt, der Natur und der Gesellschaft hinweisen sowie sie formulieren und erklären kann.

Rolf Lauter

Joseph Beuys: Blitzschlag mit Lichtschein auf Hirsch (1958/1985) & Lawrence Weiner: STONES FOUND AND BROKEN (1996), «Views from Abroad: Ein Europäischer Blick auf die Amerikanische Kunst» MMK Frankfurt 1997

[1]     Joseph Kosuth hat mit seinen auf sich selbst verweisenden und mit sich selbst identischen Werken in Neonschrift, von denen ein Beispiel in der Frankfurter Ausstellung gezeigt wird, vergleichbare kunstimmanente Fragen formuliert.

[2]    Vgl. Katalog Zeitgeist, Martin-Gropius-Bau, Berlin 1982, S.82; Wil­helm Bojescul, Zum Kunstbegriff des Joseph Beuys, Essen 1985; Volker Har­lan/Rainer Rappmann/ Peter Schata, Soziale Plastik. Materialien zu Joseph Beuys, Achberg 1984. 

[3]    Zitiert nach Katalog Zeitgeist, a.a.O. (Anm.51), S.82. An einer anderen Stelle führt Beuys weiter aus: „JEDER MENSCH IST EIN KÜNSTLER, der aus seiner Freiheit, denn das ist die Position der Freiheit, die er unmittelbar er­lebt, die andere Position im GESAMTKUNSTWERK ZUKÜNFTIGE GESELLSCHAFTSORD­NUNG bestimmen lernt. Selbstbestimmung und Mitbestimmung im kulturellen Be­reich (Freiheit), in der Rechtsstruktur (Demokratie) und im Wirtschaftsbe­reich (Sozialismus), Selbstverwaltung und Entflechtung (Dreigliederung) findet statt: Der FREIE DEMOKRATISCHE SOZIALISMUS“. (Entnommen aus Katalog Der Hang zum Gesamtkunstwerk, (Harald Szeemann, Hrsg.), Kunsthaus Zürich 1983, S.424).

[4]    Zitat ebd., S.107.

[5]    So entstand etwa die Einladungskarte zu der Ausstellung „Views from Abroad“ im Frankfurter Museum für Moderne Kunst auf Wunsch des Autors und Kurators in Form einer Gestaltung von Lawrence Weiner, der diesem Wunsch in freundschaftlicher Weise nachgekommen ist.

Homage to Lawrence Weiner I

Rolf Lauter – Lou Ros – The Renaissance of Abstraction 10/2019

The true artist helps the world by revealing mystic truths Bruce Nauman

Since the origins of mankind, painting and its expressiveness determined by subjective identity has been its true and most honest companion of ritual, religious, magical, mystical, spiritual, emotional, reality-based or imaginative and creative processes of imagination. Painting is thus a pictorial expression of the visible external or imaginative inner reality of a human being. With it, the artist penetrates into the deepest areas of consciousness and unconsciousness, creativity, the consideration of reality, the visionary, the thinkable or the unutterable. And although the end of painting has often been postulated, artists are constantly reinventing new paths, creative processes and expressive possibilities in order to visually show people their individual truth, longing, passion, critical conception or worldview.

Even though photography, video, animation or new media in general advance to the deepest depths of microcosms, macrocosms, real and virtual worlds with the help of the latest techniques, sculpture continues to expand through the enrichment of the object or the space-installation intervenes in or metaphorically simulates the areas of factual reality and architecture has made groundbreaking border widening due to elaborate technological developments, nothing comes close to the meaning of the picture in its function as a unique, authentic, man-made work. Hans Georg Gadamer has impressively described this uniqueness and truthfulness of the picture in his famous text „Truth and Method“ by using hermeneutics. Through the mutual dialogue between painting and viewer, he has thematised and gradually worked out the concepts of truth, meaning, knowledge and understanding.

How is the artistic picture different from all other pictorial worlds?

Every day we are exposed to a flood of real or virtual images, events, processes, information that our consciousness and subconscious mind can hardly handle. The speed of computer-generated information and image worlds are structuring and determining today more than ever our lives, our civilizing everyday life. Paul Virilio has in his book „Racing standstill“ (original title: L’Inertie polaire, Essai. Bourgois, Paris 1990) described in an urgent way, how a human being in an ever-increasing flood of audio-visual images and information passes in the digital workplace and private world gradually into a state of stagnation, immobility. The screen becomes a substitute for reality and evokes a permanent omnipresence of universal presence in the immediate vicinity. The „order of succession“ is increasingly replaced by the „disorder of simultaneity“. The physiologically tangible three-dimensional space and with it spatial-temporal distances on the one hand and the successive real events on the other hand are filtered out of the tangible reality and condensed in a virtual two-dimensional simultaneity on our small or large screens. The laws of space and time are in some way abolished and the human being loses more and more the relation to the sensible reality. He moves away at a tremendous pace from his naturalness and thus from his sensual, aesthetic, authentic perception.

And this is where painting and the picture created by an artist play an essential role in our understanding of the world. Initially, a picture is a medium in its function and gives something back which it itself is not. By its nature, a picture is nothing more than canvas, stretcher and paint. In terms of its content, every painted picture is unique, something unique created by an artist. The medium picture is, so to speak, the mediator between the artist and the viewer, i.e. the dialogue platform between them. And just because of its uniqueness, authenticity, individuality, the painted picture differs from any other reproduced image in photography, video or digital media. In his brilliant essay “ The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction“ (1936), Walter Benjamin worked out this special significance of the work of art in high linguistic eloquence. According to Walter Benjamin, the work of art unfolds its own special aura, which is created on the basis of the spatial and temporal experiences stored in it as a visual expression. The significance of the uniqueness of the picture, originating from the „here and now“ of the creative process, thus develops a specifically magical and auratic effect that no other medium can unfold.

Lou Ros uses this „auratic“ moment of painting in an impressive way in order to convey to the viewer of his pictures specific messages in a subtle and painterly highly sensitive way. First and foremost, the artist is concerned with painting, a painting that nobilitates the applied colors on canvas in a mostly large-scale, flowing and sometimes with delicate contours accentuated brushstroke to „icons“ of natural being, becoming and passing. This is especially true of his new group of «Landscapes». Color is fed with the power of symbolism, becomes the very source of energy and mirror image of vast processes of a creeping and perhaps unstoppable change of nature from organic beauty to haggard, morbid, dead matter. At first glance, we see soft horizons, beige mountains, sandy beaches or blue sea in the sunset and it seems as if there is even a touch of romance over the landscape images … Lou Ros uses the principle of indistinctness in these landscape paintings, the softness in the painterly expression, in order to direct the viewer’s consciousness more to the subject he desires. Gerhard Richter masterfully developed this technique in many works, most recently in his series of pictures on the events in Stammheim on the “October 18th, 1977” https://de.wikipedia.org/wiki/18._October_1977

Lou Ros’s paintings are virtuoso and worked out in the highest form of abstraction: the subject „nature“ is reduced by the artist to the essential, i.e. to image-filling, extremely simplified, softly painted areas of color, which in very mixed shades develop a very “natural” expression. Thus, the artist does not so much indicate a specific place or object in the picture, but rather tries to sense a state in nature and to express it with emotional sensuality. Nature develops in the painting of Lou Ros like metaphorically condensed moods, which on the one hand evoke memories with positive experiences of nature, on the other hand, on closer inspection, a creeping, unpleasant feeling of vulnerability arises in our world and we seem to be dealing with seemingly incompatible forces of nature.

In one work we see eerily beautiful in beige hues a crater landscape in front of the panorama of a stony desert. In another, against the backdrop of a romantic seascape, we see a beach dotted with black sand. In another work, a dark, powerful, destructive cyclone builds up like an atomic bomb. Nature shows in his paintings with irrepressible force and urges us to preserve the vital ecological balance for humans, plants and animals. The beauty of nature staged by Lou Ros is a degree migration of painting between admiration and warning. One can speak of a scary-beautiful painting that leaves our consciousness deeply insecure.

In his latest large-format work, entitled „Littoral“, which will be exhibited in Paris and has dimensions of 3 x 10 meters, Lou Ros celebrates the special aura and beauty of the Îles de Frioul (Frioul Islands) near Marseille in France South France. The sparse plant world reflects the special natural situation of the dry rocky landscape by the sea in the south of France, but appears in the panels rather as a souvenir of a disappearing, almost deserted, intact nature. In painting, however, we no longer see nature with her blooming, colorful face, but the colors are dull and the mountains show a lifeless gray-in-gray. Joseph Beuys spoke very impressively of a „room that tends to cold“ in his installation „Lightning struck with light on deer“ from 1985 (Museum für Moderne Kunst Frankfurt). This description also fits in with some of Lou Ros’s landscapes, which provide us with a mirror of reality that we do not yet really want to admit, even though it is already deeply rooted in our collective memory.

Where did the sensitively painted landscapes of the artist come from, which proclaim a kind of „renaissance of abstraction“?

For many years, Lou Ros has successfully developed portrait paintings that take the human face or the figure as a starting point for painterly expression. His portraits are not comparable to such as Alex Katz’s flattened „Billboard Paintings“, which depict the general and brushwork of advertisers typing a face on large-format screens, but his painted faces reveal mood portraits of people of various backgrounds. Some of the works are refined to character studies, some are reduced to a few incisive features, others are bathed in a monochrome color mood and make a face shimmer like visionary portraits behind a curtain. Some pictures are constructed using the technique of sampling, others show blurred faces, anonymous persons. The motives come partly from well-known, partly from private persons. Lou Ros tries to approach the character of a person or the appearance he feels. And so the artist decides with each portrait for a certain expression, which can be formal or coloristic, as required by the respective mood or the specific expression.

And here, portrait and landscape meet in terms of painting and content. In a portrait, a person’s face becomes an expression, a character study, a mood image, just as a landscape through a certain colourfulness, an open brushwork and a well-dosed abstraction becomes a mood of nature today.

Perhaps that is what Lou Ros wants to tell us in a forceful way that man and nature interact and influence each other, that when we destroy nature, we destroy ourselves, and with certain choices we can influence our lives, the survival of nature and the future of the earth. Painting has an unbelievable power to make people aware of something profound, unlike reports and film reports. The medium of painting shows more than any other media the truth of existence and can sometimes be very subtle, but sometimes also vehemently thought-provoking about what was what is and what might be. The messages of painting are just more sustainable, deeper, sensitive, auratic, and thus different, as it can be medial images. Andy Warhol has shown this with his magnificent pictures of serial motifs and a painter like Lou Ros brings us back to ourselves and to our origin in nature.

Rolf Lauter, Zürich, October 2019

Rolf Lauter – Lou Ros – La Renaissance de l’abstraction 10/2019

Le véritable artiste aide le monde en révélant des vérités mystiques Bruce Nauman

Depuis les origines de l’humanité, la peinture et son expressivité, déterminées par l’identité subjective, sont nos véritables et les plus honnêtes compagnons dans le contexte des processus d’imagination rituels, religieux, magiques, mystiques, spirituels, émotionnels, imaginaires et créatifs. La peinture est donc une expression picturale de la réalité intérieure extérieure visible ou imaginative d’un être humain. Avec elle, l’artiste pénètre dans les zones les plus profondes de la conscience et de l’inconscient, de la créativité, de la considération de la réalité, du visionnaire, du pensable ou de l’indiciable. Et bien que la fin de la peinture ait souvent été postulée, les artistes réinventent constamment de nouveaux chemins, processus de création et possibilités d’expression afin de montrer visuellement aux gens leur vérité, leur désir, leur passion, leur conception critique ou leur vision du monde.

Même si la photographie, la vidéo, l’animation ou les nouveaux médias progressent en général jusqu’au plus profond des microcosmes, des macrocosmes, des mondes réels et virtuels à l’aide des techniques les plus récentes, même si la sculpture continue à se développer par l’enrichissement de l’objet ou l’installation de l’espace pour intervenir dans les domaines de la réalité factuelle ou pour la simuler métaphoriquement et même si l’architecture a élargi la frontière de manière révolutionnaire en raison de développements technologiques complexes, rien ne s’approche de la signification de la peinture dans sa fonction unique, authentique, créée par l’homme. Hans Georg Gadamer a décrit de manière impressionnante cette unicité et la véracité de l’image dans son célèbre texte „Vérité et méthode“ en utilisant l’herméneutique. Grâce au dialogue mutuel entre l’image et le spectateur, il a thématisé et progressivement élaboré les concepts de vérité, de signification, de connaissance et de compréhension.

Comment l’image artistique est-elle différente de tous les autres mondes picturaux?

Chaque jour, nous sommes exposés à un flot d’images, d’événements, de processus, d’informations, réels ou virtuels, que notre conscience et notre subconscient peuvent difficilement manipuler. La vitesse des mondes d’images et d’images générés par ordinateur est en train de structurer et de déterminer aujourd’hui plus que jamais notre vie, notre vie civilisatrice. Dans son livre « L’Inertie polaire, Essai. » Bourgois, Paris 1990), Paul Virilio a décrit de manière urgente la manière dont un être humain se trouve confronté à un flot croissant d’images et d’informations audiovisuelles dans l’environnement de travail et le monde privé et alors s‘établie progressivement dans un état de stagnation, l’immobilité. L’écran devient un substitut de la réalité et évoque une omniprésence permanente de la présence universelle dans le voisinage immédiat. „L’ordre de succession“ est de plus en plus remplacé par le „désordre de la simultanéité“. L’espace tridimensionnel physiologiquement tangible et ses distances spatio-temporelles, d’une part, et les événements réels successifs, d’autre part, sont filtrés de la réalité tangible et condensés dans une simultanéité virtuelle bidimensionnelle sur nos grands ou petits écrans. Les lois de l’espace et du temps sont en quelque sorte abolies et l’être humain perd de plus en plus le rapport à la réalité sensible. Il s’éloigne à un rythme effréné de son naturel et donc de sa perception sensuelle, esthétique et authentique.

Et c’est là que la peinture et l’image créée par un artiste jouent un rôle essentiel dans notre compréhension du monde. Initialement, une image est un support dans sa fonction et rend quelque chose en retour, ce qu’elle n’est pas elle-même. Par sa nature, une peinture est tout d‘abord une toile, une civière et de la couleur, rien de plus. En termes de contenu, chaque image peinte est unique, créée par un artiste. La peinture médiatique est, pour ainsi dire, le médiateur entre l’artiste et le spectateur, c’est-à-dire la plate-forme de dialogue entre eux. Et juste en raison de son unicité, de son authenticité, de son individualité, l’image peinte se distingue de toute autre image reproduite en photographie, en vidéo ou en support numérique. Dans son brillant essai intitulé „L’œuvre d’art à l’ère de la productibilité technique“ (1936), Walter Benjamin a expliqué cette signification particulière de l’œuvre d’art dans la haute éloquence linguistique. Selon Walter Benjamin, l’œuvre d’art déploie sa propre aura particulière, créée à partir des expériences spatiales et temporelles stockées dans celle-ci en tant qu’expression visuelle. La signification de l’unicité de l’image, issue de „l’ici et maintenant“ du processus de création, développe donc un effet spécifiquement magique et auratique qu’aucun autre moyen ne peut déployer.

Lou Ros utilise ce moment „auratic“ de la peinture de manière impressionnante afin de transmettre au spectateur de ses images des messages spécifiques de manière subtile et picturale. En premier lieu, l’artiste s’intéresse à la peinture, une peinture qui mobilise les couleurs appliquées sur la toile de manière essentiellement à grande échelle, coulante et parfois avec des contours délicats accentués par des „icônes“ de la nature, du devenir et du passage. Cela est particulièrement vrai pour son nouveau groupe de «Paysages». La couleur, nourrie par le pouvoir du symbole, devient la source d’énergie et l’image miroir des vastes processus d’un changement insidieux et peut-être imparable de la nature, qui passe de la beauté organique à la matière hagard, morbide et morte. Au premier coup d’œil, nous voyons des couchers de soleil sur des horizons doux, des montagnes beiges, des plages de sable ou une mer bleue. Il semble même qu’il y ait une touche de romance au-dessus des images de paysages. Lou Ros utilise le principe de l’imprécision dans ces paysages , la douceur dans l’expression picturale, afin de diriger davantage la conscience du spectateur sur le sujet qu’il désire. Gerhard Richter a développé cette technique de manière magistrale dans de nombreux travaux, notamment dans sa série d’images sur les événements de Stammheim le « 18. Octobre 1977» https://de.wikipedia.org/wiki/18._Octobre_1977

Les peintures de Lou Ros sont virtuoses et élaborées dans une forme d’abstraction suprême: l’artiste réduit le sujet „nature“ à l’essentiel, c’est-à-dire à des images superflues, extrêmement simplifiées, des zones de couleur peintes doucement qui, dans des tons très mélangés, développent une expression très naturelle. Ainsi, l’artiste n’indique pas tant un endroit ou un objet spécifique dans l’image, mais cherche plutôt à ressentir un état dans la nature et à l’exprimer avec une sensualité émotionnelle. La nature se développe dans la peinture de Lou Ros comme des ambiances métaphoriquement condensées, qui évoquent des souvenirs d’expériences positives de la nature, tandis que, de plus près, un sentiment de vulnérabilité rampant et désagréable surgit dans notre monde et nous semblons faire face à des forces apparemment incompatibles.

Dans une œuvre, on voit étrangement belle dans les teintes beiges un paysage de cratère devant le panorama d’un désert caillouteux. Dans un autre, sur fond de paysage marin romantique, nous voyons une plage parsemée de sable noir. Dans un autre travail, un cyclone sombre, puissant et destructeur se construit comme une bombe atomique. La nature apparaît dans ses peintures avec une force irrépressible et nous invite à préserver l’équilibre écologique vital pour les humains, les plantes et les animaux. La beauté de la nature mise en scène par Lou Ros est un degré de migration de la peinture entre admiration et avertissement. On peut parler d’un tableau effrayant-magnifique qui laisse notre conscience profondément insécurisée.

Dans sa dernière œuvre grand format, intitulée „Littoral“, qui sera exposée à Paris et mesurera 3 x 10 mètres, Lou Ros célèbre l’aura et la beauté des îles de Frioul près de Marseille dans le sud de la France. Le monde végétal clairsemé reflète la situation naturelle particulière du paysage rocheux sec au bord de la mer dans le sud de la France, mais apparaît dans les panneaux plutôt comme un souvenir d’une nature intacte en voie de disparition, presque déserte. En peinture, cependant, nous ne voyons plus la nature avec son visage épanoui et coloré, mais les couleurs sont ternes et les montagnes présentent un gris sans vie. Joseph Beuys a parlé de manière impressionnante d’une „pièce qui a tendance à froid“ dans son installation „Lightning frappée de lumière sur un cerf“ de 1985 (Museum für Moderne Kunst Frankfurt). Cette description s’inscrit également dans certains paysages de Lou Ros, qui nous offrent un miroir de réalité que nous ne voulons pas encore admettre, même s’il est déjà profondément enraciné dans notre mémoire collective.

D’où viennent les paysages peints avec sensibilité de l’artiste, qui proclament une sorte de „renaissance de l’abstraction“?

Depuis de nombreuses années, Lou Ros a développé avec succès une peinture de portrait qui prend le visage humain ou la figure comme point de départ pour une expression picturale. Ses portraits ne sont pas apparus tels que les „Billboard Paintings“ aplatis d’Alex Katz, qui représentent le portrait général et le travail au pinceau d’annonceurs tapant un visage sur des écrans grand format, mais ses visages peints révèlent des portraits d’humeur de personnes de divers horizons. Certaines des œuvres sont raffinées pour étudier le caractère, certaines sont réduites à quelques traits incisifs, d’autres sont baignées dans une couleur monochrome et font miroiter un visage comme derrière un rideau. Certaines images sont construites à l’aide de la technique d’échantillonnage, d’autres montrent des visages flous, des personnes anonymes. Les motifs viennent en partie de personnes connues, en partie d’inconnus. Lou Ros essaie d’approcher le caractère d’une personne ou l’apparence qu’il ressent. C’est ainsi que l’artiste décide avec chaque portrait d’une expression particulière, qui peut être formelle ou coloristique, en fonction des ambiances respectives ou de l’expression spécifique.

Et ici, portrait et paysage se rencontrent en termes de peinture et de contenu. Dans un portrait, le visage d’une personne devient une expression, une étude du personnage, une image de l’humeur, tout comme un paysage à travers une certaine couleur, un pinceau ouvert et une abstraction bien dosée devient aujourd’hui une humeur de la nature.

C’est peut-être ce que Lou Ros veut nous dire avec force que l’homme et la nature interagissent et s’influencent mutuellement, que lorsque nous détruisons la nature, nous nous détruisons nous-mêmes et, avec certains choix, nous pouvons influencer nos vies, la survie de la nature, l’avenir de la terre. La peinture a un pouvoir incroyable pour sensibiliser les gens à quelque chose de profond, contrairement aux documentations et aux reportages de film. Le médium de la peinture montre plus que tout autre médium la vérité de l’existence et peut parfois être très subtil, mais aussi parfois susciter avec véhémence une réflexion sur ce qui était et peut être. Les messages de la peinture sont simplement plus durables, plus profonds, sensibles, auratiques, et donc différents d’images médiales. Andy Warhol l’a montré avec ses magnifiques images de motifs en série et un peintre comme Lou Ros nous ramène à nous-mêmes et à notre origine dans la nature.

Rolf Lauter

Zurich, Octobre 2019

Rolf Lauter – Lou Ros – Die Renaissance der Abstraktion 10/2019

The true artist helps the world by revealing mystic truths Bruce Nauman

Die Malerei und ihre von subjektiver Identität bestimmte Ausdruckskraft ist seit den Ursprüngen der Menschheit ihr wahrhaftigster und ehrlichster Begleiter ritueller, religiöser, magischer, mystischer, geistiger, emotionaler, realitätsbezogener oder aus der Phantasie stammender Vorstellungs- und Gestaltungsprozesse. Malerei ist somit bildnerischer Ausdruck der sichtbaren äusseren oder der imaginativen inneren Wirklichkeit eines Menschen. Mit ihr dringt der Künstler in die tiefsten Bereiche des Bewusstseins und Unbewusstseins, der Kreativität, der Realitätsbetrachtung, des Visionären, des Denkbaren oder des Unaussprechbaren vor. Und obwohl schon oft das Ende der Malerei postuliert wurde, erfinden Künstler immer wieder neue Wege, gestalterische Prozesse und Ausdrucksmöglichkeiten, um den Menschen ihre jeweils individuelle Wahrheit, Sehnsucht, Leidenschaft, kritische Vorstellung oder Weltsicht bildnerisch vor Augen zu führen.

Auch wenn sich die Fotografie, der Videofilm, die Animation oder neue Medien generell mit Hilfe von neuesten Techniken in die tiefsten Tiefen der Mikro- und Makro Kosmen, der realen und virtuellen Welten vorarbeiten, die Skulptur durch die Bereicherung des Objekts oder der Rauminstallation immer weiter in die Bereiche der faktischen Realität eingreift oder diese metaphorisch simuliert und die Architektur aufgrund von aufwendigen technologischen Entwicklungen bahnbrechende Grenzerweiterungen geleistet hat, kommt doch nichts auch nur annähernd an die Bedeutung des Bildes in seiner Funktion als einzigartiges, authentisches, vom Menschen geschaffenes Unikat heran. Hans Georg Gadamer hat diese Einzigartigkeit und Wahrhaftigkeit des Bildes in seinem berühmten Text «Wahrheit und Methode» unter Anwendung der Hermeneutik eindrucksvoll beschrieben, indem er durch den wechselseitigen Dialog zwischen Bild und Betrachter die Begriffe Wahrheit, Sinn, Erkenntnis und Verstehen thematisiert und stufenweise herausgearbeitet hat.

Wie unterscheidet sich nun das künstlerische Bild von allen anderen Bildwelten?

Wir sind täglich einer Flut von realen oder virtuellen Bildern, Ereignissen, Prozessen, Informationen ausgesetzt, die von unserem Bewusstsein und Unterbewusstsein kaum bewältigen werden können. Die Geschwindigkeit der computergenerierten Informationen und Bildwelten strukturieren und bestimmen heute mehr denn je unser Leben, unseren zivilisatorischen Lebensalltag. Paul Virilio hat in seinem Buch «Rasender Stillstand» (Originaltitel: L’Inertie polaire. Essai. Bourgois, Paris 1990) in eindringlicher Weise beschrieben, wie der Mensch bei einer ständig zunehmenden Flut von audio-visuellen Bildern und Informationen in der digitalen Arbeits- und Privatwelt allmählich in einen Zustand des Stillstandes, der Immobilität gelangt. Der Bildschirm wird Ersatz für Realität und gaukelt uns eine permanente Allgegenwart von universeller Gegenwart in direkter Nähe vor. An die Stelle der «Ordnung der Sukzession» tritt immer mehr die «Unordnung der Simultaneität». Der physiologisch erfahrbare dreidimensionale Raum und mit ihm raum-zeitliche Distanzen auf der einen Seite sowie die sich nacheinander in messbaren Zeiteinheiten ereignenden realen Geschehnisse auf der anderen Seite werden aus der erfahrbaren Wirklichkeit herausgefiltert und in einer virtuellen zweidimensionalen Gleichzeitigkeit auf unseren kleinen oder grossen Bildschirmen verdichtet.  Die Gesetzmässigkeiten von Raum und Zeit werden in gewisser Weise aufgehoben und der Mensch verliert immer mehr den Bezug zur sinnlich erfahrbaren Realität. Er entfernt sich mit enormem Tempo von seiner Natürlichkeit und damit auch von seiner sinnlichen, ästhetischen, authentischen Wahrnehmung.

Und gerade hier kommen der Malerei und dem von einem Künstler gestalteten Bild eine wesentliche Rolle für unser Verständnis von Welt zu. Ein Bild ist von seiner Funktion her zunächst ein Medium und gibt etwas wieder, was es selbst nicht ist. Von seiner Beschaffenheit her ist ein Bild Leinwand, Keilrahmen und Farbe, mehr nicht. Von seinem Inhalt her ist jedes gemalte Bild ein Unikat, etwas von einem Künstler geschaffenes Einmaliges. Das Medium Bild ist sozusagen der Mittler zwischen Künstler und Betrachter, also die zwischen beiden befindliche Dialogplattform. Und gerade durch seine Einmaligkeit, Authentizität, Individualität unterscheidet sich das gemalte Bild von jedem anderen reproduzierten Bild in der Fotografie, dem Video oder digitalen Medien. Diese besondere Bedeutung des Kunstwerks hat Walter Benjamin in seinem brillanten Aufsatz «Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Produzierbarkeit» (1936) in hoher sprachlicher Eloquenz herausgearbeitet. Das Kunstwerk entfaltet nach Walter Benjamin seine eigene besondere Aura, die aufgrund der in ihm als bildnerischem Ausdruck gespeicherten Raum- und Zeiterfahrungen entsteht. Die Bedeutung der Einmaligkeit des Bildes, entstanden aus dem «Hier und Jetzt» des Gestaltungsprozesses, entwickelt damit eine spezifisch magische und auratische Wirkung, wie sie kein anderes Medium entfalten kann.

Lou Ros nutzt in eindrucksvoller Weise dieses «auratische» Moment der Malerei, um dem Betrachter seiner Bilder spezifische Botschaften in subtiler und malerisch äusserst sensibler Weise nahe zu bringen. Zuallererst geht es dem Künstler dabei um Malerei, eine Malerei, die die zum Einsatz gebrachten Farben auf der Leinwand in einer meist grossflächig angelegten, fließenden und bisweilen mit zarten Konturen akzentuierten Pinselführung zu «Ikonen» von natürlichem Sein, Werden und Vergehen nobilitieren. Dies gilt besonders für seine neue Werkgruppe der «Landschaften». Farbe wird mit der Kraft der Symbolik gespeist, wird geradezu Energieträger und Spiegelbild von gewaltigen Prozessen eines schleichenden und vielleicht unaufhaltsamen Wandels der Natur von organischer Schönheit zu ausgezehrter, morbider, toter Materie. Dabei sehen wir bei einem ersten flüchtigen Blick weiche Horizonte, beigefarbene Berge, Sandstrände oder blaues Meer im Abendrot und es scheint, als schwebe über den Landschaftsbildern sogar ein Hauch von Romantik. Lou Ros bedient sich bei diesen Landschaftsbildern des Prinzips der Undeutlichkeit, der Weichheit im malerischen Ausdruck, um das Bewusstsein des Betrachters stärker auf die von ihm gewünschte Thematik zu lenken. Gerhard Richter hat diese Technik in vielen Werken meisterhaft entwickelt, so zuletzt in seinem Bilderzyklus zu den Geschehnissen in Stammheim am «18. Oktober 1977» https://de.wikipedia.org/wiki/18._Oktober_1977

Die Bilder von Lou Ros sind dabei virtuos und in einer höchsten Form der Abstraktion ausgearbeitet: Der Bildgegenstand «Natur» wird vom Künstler auf das Wesenhafte reduziert, also auf bildfüllende, extrem vereinfachte, weich gemalte Farbflächen, die in sensibel gemischten Farbtönen einen sehr «natürlichen» Ausdruck entfalten. Damit deutet der Künstler weniger einen spezifischen Ort oder einen spezifischen Gegenstand im Bild an, sondern er versucht vielmehr, einen Zustand in der Natur zu erspüren und mit emotionaler Sinnlichkeit zum Ausdruck zu bringen. Natur wird in der Malerei von Lou Ros gleichsam zu metaphorisch verdichteten Stimmungsbildern entwickelt, die im Betrachter zum einen Gedächtnisbilder eigener positiver Naturerfahrungen hervorrufen, zum anderen entsteht bei genauerer Betrachtung ein schleichendes, unangenehmes Gefühl der Verletzlichkeit unserer Welt und wir werden subtil mit der wachsenden Beeinflussung von scheinbar unumstösslichen Naturgewalten konfrontiert.

In einem Werk sehen wir schaurig-schön in beigefarbenen Farbtönen eine Kraterlandschaft vor dem Panorama einer steinigen Wüste. In einem anderen betrachten wir vor dem Hintergrund einer romantisch anmutenden Meereslandschaft einen Strand, der von schwarzem Sand übersät ist. In einem anderen Werk baut sich ein dunkler, mächtiger, zerstörerischer Wirbelsturm auf, einer Atombombe gleich. Die Natur zeigt sich in seinen Bildern mit unbändiger Kraft und mahnt uns, das für Menschen, Pflanzen und Tiere lebensnotwendige ökologische Gleichgewicht zu bewahren. Die von Lou Ros inszenierte Schönheit der Natur ist eine Gradwanderung der Malerei zwischen Bewunderung und Warnung. Man kann von einer schaurig-schönen Malerei sprechen, die unser Bewusstsein zutiefst verunsichert zurücklässt.

In seinem neuesten in diesem Jahr fertiggestellten grossformatigen Werk mit dem Titel «Littoral», das in Paris ausgestellt wird und die Dimensionen 3 x 10 Meter hat, zelebriert Lou Ros die besondere Aura und Schönheit der Îles de Frioul (Frioul-Inseln) nahe Marseille in Südfrankreich. Die spärliche Pflanzenwelt spiegelt die besondere natürliche Situation der trockenen Felslandschaft am Meer im Süden Frankreichs wider, erscheint in den Bildtafeln allerdings eher als Erinnerungsbild einer im Verschwinden begriffenen fast menschenleeren intakten Natur. In der Malerei sehen wir allerdings die Natur nicht mehr mit ihrem ihr blühenden, farbenfrohen Gesicht, sondern die Farben sind stumpf und die Berge zeigen ein lebloses Grau-in-Grau. Joseph Beuys hat über seine Rauminstallation «Blitzschlag mit Lichtschein auf Hirsch» aus dem Jahr 1985 (Museum für Moderne Kunst Frankfurt) sehr eindrucksvoll von einem «Raum, der sich zur Kälte neigt» gesprochen. Diese Beschreibung passt ebenso auf manche Landschaftsbilder von Lou Ros, die uns einen Spiegel der Realität vorhalten, wie wir sie noch nicht wirklich wahrhaben wollen, obwohl sie bereits in unserem kollektiven Gedächtnis tief verankert ist.

Woher kommen die empfindsam gemalten Landschaftsbilder des Künstlers, die eine Art «Renaissance der Abstraktion» verkünden?

Viele Jahre hat Lou Ros sehr erfolgreich eine Porträtmalerei entwickelt, die das menschliche Gesicht oder auch die Figur zum Ausgangspunkt für malerischen Ausdruck nimmt. Dabei entstanden nicht etwa Porträts wie die flach gemalten «Billboard Paintings» eines Alex Katz, die das Allgemeine und Pinselführung werbemässig Typisierte eines Gesichtes auf grossflächigen Leinwänden zeigen, sondern seine gemalten Gesichter enthüllen Stimmungsporträts von Menschen verschiedener Herkunft. Manche Werke werden zu Charakterstudien präzisiert, manche sind dagegen auf wenige prägnante Merkmale reduziert, wieder andere sind in eine monochrome Farbstimmung getaucht und lassen ein Gesicht wie hinter einem Vorhang durchschimmern. Manche Bilder sind mit der Technik des Samplings aufgebaut, wieder andere zeigen verwischte Gesichter, anonyme Personen. Die Motive stammen teilweise von bekannten, teilweise von unbekannten Personen. Lou Ros versucht sich dem Charakter eines Menschen oder der Erscheinung, die er spürt, anzunähern. Und so entscheidet sich der Künstler mit jedem Porträt für einen bestimmten Ausdruck, der formal oder koloristisch ausgeprägt sein kann, so wie es die jeweilige Stimmung oder der spezifische Ausdruck verlangt.

Und hier begegnen sich Porträt und Landschaft malerisch und inhaltlich. Das Gesicht einer Person wird im Porträt zu einem Ausdruck, zu einer Charakterstudie, einem Stimmungsbild, ganz so, wie eine Landschaft durch eine bestimmte Farbigkeit, eine offene Pinselführung und eine wohldosierte Abstraktion zu einem Stimmungsbild der Natur in der heutigen Zeit wird.

Vielleicht ist es das, was uns Lou Ros in eindringlicher Weise mitteilen will, dass sich Mensch und Natur wechselseitig bedingen und beeinflussen, dass wir, wenn wir die Natur zerstören, uns selbst zerstören und dass wir mit bestimmten Entscheidungen unser Leben, das Weiterleben der Natur und die Zukunft der Erde beeinflussen können. Malerei hat eine unglaubliche Kraft, um den Menschen anders als Reportagen und Filmberichte etwas Tiefempfundenes bewusst zu machen. Das Medium der Malerei zeigt mehr als alle anderen Medien Wahrheit der Existenz und kann die Menschen zum Teil sehr subtil, zum Teil aber auch vehement zum Nachdenken über das was war, was ist und was sein könnte auffordern. Die Botschaften der Malerei sind eben nachhaltiger, tiefer greifend, empfindsam, auratisch, und damit anders, als es mediale Bilder sein können. Andy Warhol hat dies mit seinen grandiosen Bildern von seriellen Motiven gezeigt und ein Maler wie Lou Ros führt uns wieder zu uns selbst und zu unserem Ursprung in der Natur.

Rolf Lauter

Zürich, im Oktober 2019

Rolf Lauter – Konrad Ross: Malerei am Ursprung der Sprache 01/2020

«Die einzige Malerei, die betrachtet zu werden verdient, hat denselben Daseinsgrund wie der Daseinsgrund der Welt, nämlich das Mysterium.» (René Magritte)

Jean-Christophe Ammann, Direktor des Museum für Moderne Kunst Frankfurt von 1988-2001, hat in fast allen seinen Führungen und Texten den folgenden Satz wiederholt: “Kunst kommt nicht von Können, sondern vom Künstler.» Diese scheinbar banale Aussage ist ein zentraler Gedanke der zeitgenössischen Kunst seit den 1960er Jahren und trifft dezidiert auf Konrad Ross zu, der sich bei seinen Werken nicht primär für ein Medium entscheidet und in diesem bildnerisch gestaltet, sondern der stets die Materialien und Techniken auswählt, die das im Entstehen begriffene Werk von ihm verlangen. Man könnte diese Haltung vielleicht mit Kandinskys Begriff der «Inneren Notwendigkeit» umschreiben. Entsprechend vielseitig ist sein Repertoire an Ausdrucksformen und bewegt sich zwischen Zeichnung, Malerei, Objekt und Raum-Installation.

Ross schafft es, in vielen seiner Bilder und Zeichnungen stets neue aleatorische Motivvariationen, Reihungen oder symmetrischen Anordnungen aus gestischen Handzeichen, Gebärden, Symbolen, Masken oder rituellen Elementen zu entwickeln, die mit spezifischen Inhalten aufgeladene kulturelle Formen thematisieren und die voller bekannter oder auch geheimer Botschaften sind.(1) Dabei wird dem Betrachter schnell klar, dass die oft in einer variantenreichen Vielfalt gemalten Handzeichen oder Formeln aus prähistorischen kultischen, religiösen oder schamanischen Zusammenhängen stammen(2), deren Bedeutungen weitgehend im Verborgenen liegen.(3)

Ein zweites Charakteristikum seiner Kunst ist das Zitieren oder Paraphrasieren von Motivwelten aus den frühesten bis neuesten Kulturen und der Kunstgeschichte. Ross komponiert viele seiner Werke nach seinen subjektiven bildnerischen Vorstellungen mit dem Prinzip des Sampling, also dem kombinatorischen Zusammenstellen von Motiven, und formt sie zu magischen Bildwelten. Damit bewegt sich Ross in strukturell ähnlichen Bereichen wie etwa die virtuos komponierende Malerin Cecily Brown, wie der gerade verstorbene beispielhafte Sampling-Maler und Fotokünstler John Baldessari oder der virtuos die Gesellschaft und Kunstgeschichte paraphrasierende Jeff Koons. Ross geht bei seiner Kunst allerdings weg von einer deskriptiven Kombinatorik von Motiven und Inhalten und taucht tief ein in die Welt der Archetypen, des Ursprungs von Zeichen, Symbolen, Sprachen und Bildwelten früher Kulturen, um anhand von ästhetischen Pointierungen das Ursprungshafte mit dem Magischen, Rätselhaften unserer oder seiner Gegenwart zu verbinden.

Über viele Jahre hinweg entwickelte er eine Art «Wunderkammer» an subjektiv gestalteten Bildwelten, die sich mit Fragen von faktischer und virtueller Realität sowie mit der Wahrnehmung und der Bedeutung von Dingen und Bildern auseinandersetzen. Seine intuitiv-kombinatorische Malerei bezieht sich dabei teils auf die mystisch-magische Welt von Giorgio de Chirico(4), teils auf Werke der Dadaisten und Surrealisten, deren Écriture automatique oder symbolhaft verschlüsselte Motivkombinationen in eindrucksvoller Weise Bereiche des Unterbewusstseins mit der Welt der sichtbaren Realität kongenial verschmelzen lassen. Und genau in diesem Zusammenhang ist eine kleine kohärente Werkgruppe von Bildern zu erwähnen, die eine strukturelle Nähe zu Werken der Surrealisten und vor allem zu den Bildern von René Magritte offenbaren. Im Einzelnen handelt es sich um die Bilder “Drapery and China”, “Flowers for Max”, “Lemons for Tony”, “Nature Study”, “The Wave and a Serpent” und “The Moon”.

Im Bild “Drapery and China” verbindet Ross in einer Art modernem Stillleben einen mit einem Tuch verhüllten Gegenstand, berührt von einer Hand mit Unterarm einer ausserhalb des Bildes vorhandenen Person, daneben eine Portrait-Büste aus Porzellan mit blauem Inkarnat sowie am rechten oberen Bildrand ein Blumenstrauss. Während die Porzellan-Büste den Einfluss Chinas auf die westliche Lebenswelt andeuten mag, erregt besonders der verhüllte Gegenstand unser Interesse. In vielen Bildern Magrittes taucht ein mit einem Tuch verhüllter Kopf auf. Dieses Motiv geht auf eine traumatische Kindheitserinnerung des Künstlers zurück. Die Mutter des damals vierzehnjährigen Magritte stürzte sich in einen Fluss und nahm sich das Leben. Der junge Magritte bekam die geborgene Leiche seiner Mutter zu sehen, deren Kopf mit dem Nachthemd, das sie in jener Nacht trug, umwickelt war.(5) Ross integriert in sein Bild somit ein Symbol für Trauer und Leid, das einen subtilen Zusammenhang mit der mächtigen Nation China herstellen mag, darüber hinaus vielleicht auch persönliche Bezüge enthält.

In «Flowers for Max» komponiert der Künstler seine Bildwelt mit ähnlichen Relikten. Ein bronzener Porträtkopf, der von der Machart an die grandiosen Plastiken von Rodin erinnert, deutet in Verbindung mit der Figur einer Katze und einem Blumenstrauss, der von einer Menschenhand im Bild gehalten wird, auf Tod, Vergänglichkeit, Trauer und Erinnerung hin. Besonders das Motiv der Katze verweist auf ihre Symbolik in der altägyptischen Mythologie, in der sie als Göttin Bastet nicht nur für Leben, Freude und Fruchtbarkeit stand, sondern auch als Schutzgottheit gegen das Böse und die Dunkelheit verehrt wurde. Sie kämpfte den Überlieferungen zufolge gemeinsam mit dem Sonnengott Ra gegen die Schatten der Unterwelt.

“Lemons for Tony” ist ein Werk, in dem Ross das Thema Schmerz in symbolhafter Verdichtung thematisiert, vielleicht in Erinnerung an einen Freund. Wieder ist es die von aussen in das Bild eingreifende Menschenhand, die einen inhaltlichen Akzent setzt: Sie ist dabei, eine Zitrone zu drei weiteren auf einem nicht näher definierten braunen Untergrund abzulegen. In der Mitte des Bildes erhebt sich auf einem Kapitell aus Metall, das aus einer Schlange und Blättern komponiert ist, ein Kopf aus Gips, der ein schmerzverzerrtes Gesicht zeigt. Die Physiognomie reflektiert insgesamt die mit Pathos geladenen Köpfe sterbender Giganten, Gallier oder Söhne des Laokoon aus der berühmten Laokoon-Gruppe von Rhodos aus der Zeit des Hellenismus.(6) Ross bringt seine Erinnerungen in einen Zusammenhang mit Gestalten aus der Mythologie der Antike, um die Tiefe seiner Gefühle zu verdeutlichen. Die um den Kopf verteilten Zitronen verstärken die Bildsymbolik des Schmerzes, der Traurigkeit und der Vergänglichkeit des Körperlichen.(7)

In “Nature Study” sehen wir die von aussen ins Bild greifende Hand, die dieses Mal die Lehne eines Stuhles hält, auf dem ein Kissen mit Pflanzenmustern aufrecht steht. Im Hintergrund sehen wir auf einem niederen Holztisch den aus zwei unterschiedlich grossen Platten bestehenden Sockel eines imaginären, kaum sichtbaren Kunstwerks, das wie die Basis aus dem gleichen sandsteinfarbigen Material besteht. Das Erstaunliche erklärt sich bei näherer Betrachtung: Bei der auf dem Sockel stehenden Figur handelt es sich um ein Schwein, angedeutet durch Farbe und Schweinspfoten. Ross konfrontiert uns hier mit einer der Lieblingsmahlzeiten westlicher Kulturen, die wir vielleicht schon allzu lange als eine kulinarische Kunstform zelebrieren.

“The Wave and a Serpent” ist eine Kombination aus einem stilisierten Wasserstrudel, auf dem sich drei Schattenmenschen zu retten versuchen, während sich eine Schlange in einer Blutwolke im Todeskampf windet. Von links aus dem Aussenraum des Bildes greift die wohlbekannte Hand in das Bild. Sie offenbart auf ihren Fingern Spuren der blutigen Wolke. Die gesamte Szenerie spielt sich comic-artig auf einem bunt gemusterten Untergrund ab. Ross greift hier das bei Magritte oft auftauchende Motiv eines Bildelementes auf, das aus der Betrachter Realität in die virtuelle Bild Realität eingreift. In surrealistischer Manier verbinden sich beide Realitäten zu einer imaginären komplexeren Hyperrealität, bei der die Grenzen komplett verschwimmen. Dabei entsteht beim Betrachter durch die gewollte Irritation eine intensivere und bewusstere Beobachtung des Bildinhaltes. Das Motiv der Welle geht wohl auf den bekanntesten Holzschnitt des berühmten japanischen Künstlers Hokusai zurück, der dieses Blatt als erstes von 36 zwischen 1829-1833 entstandenen Ansichten des Berges Fuji schuf.(8) Die gesamte Symbolik des Bildes verweist auf die Bedrohung des Meeres für den Menschen, sobald die Natur aus dem Gleichgewicht gerät. Menschen und Tiere werden bedroht oder sterben in den Tsunamis der Neuzeit. Auch die oft unbeteiligten Personen werden von den Katastrophen erfasst und finden in ihrem scheinbar friedlichen und sicheren zu Hause keinen Schutz mehr vor den entfesselten Naturgewalten.

In seinem Bild «The Moon» spielt Ross auf den starken Einfluss der Gestirne und besonders des Mondes auf unser Leben an. Warum bellen Hunde den Vollmond an und sind irrational fremdgesteuert? Bereits die ältesten Hochkulturen, symbolisiert durch zwei stilistisch unterschiedliche Elemente einer Büste, gehalten von der von aussen ins Bild greifenden Hand (Antikes Griechenland, Kykladen?) kannten bestimmte Gesetzmässigkeiten der Gestirne und deren Auswirkungen auf unsere Existenz. Magische Steinkreise, Sonnenwendfeiern, Rituale und Opfer spielen dabei stets eine wichtige Rolle. Ross mahnt uns, darüber nachzudenken, dass wir in unserer Arroganz und unserem ständigen Fortschrittsglauben der Natur immer mehr schaden, und damit uns selbst langsam auslöschen und unsere Gegenwart schon bald eine untergegangene Kultur sein könnte. Vielleicht wäre es vernünftiger, aus den Beobachtungen der Natur und dem Verhalten von Pflanzen und Tieren zu lernen, um gemeinsam mit ihnen in Einklang zu leben. Konrad Ross erspürt in seiner, unserer Welt, gehaltvolle und energetische Wunder, warnt aber auch gleichzeitig vor der Selbstzerstörung der Menschheit durch unkontrollierte Handlungen, Massenbewegungen und Ausbeutung aller Werte, die das Leben lebenswert machen.

Rolf Lauter, Januar 2020

1   Vgl. hierzu etwa das berühmte, bei einem Notar hinterlegte private «Manifesto» von Alighiero Boetti, bestehend aus Künstlernamen und ihnen zugeordneten Symbolen, die bis heute nicht entschlüsselt werden konnten. https://www.moma.org/collection/works/164259.

2   Vgl. Friedrich Herig, Menschenhand und Kulturwerden: Einführung in die Manufaktologie, Weimar 1929. Siehe auch die besondere Bedeutung der Hand-Symbolik bei Freimaurern und Geheimbünden.

3   https://www.spiegel.de/wissenschaft/natur/ursprung-der-sprache-affen-kommunizieren-mit-haenden-und-fuessen-a-480311.html

4   Vgl. in diesem Zusammenhang etwa De Chiricos Bild «Das Lied der Liebe» von 1914. https://de.wikipedia.org/wiki/Giorgio_de_Chirico https://de.gallerix.ru/pedia/paintings-analysis–song-of-love/

5   Vgl. etwa Magrittes Bild «Les Amants» von 1928 und die damit verbundene Thematik der Verhüllung bei Magritte: Nele Schacht, Liebe macht blind? Das Motiv der Verhüllung in Magrittes «Die Liebenden», 2019. https://kunstliebewwu.blogspot.com/2019/03/liebe-macht-blind-das-motiv-der.html

6   Während die originale Bronze aus dem 2.Jh. vor Christus stammt und verloren ist, steht eine römische Kopie der Laokoon-Gruppe aus dem 1. Jh. nach Christus in den Vatikanischen Museen in Rom. https://de.wikipedia.org/wiki/Laokoon-Gruppe

7   Eines der wenigen Bilder mit der Darstellung einer Zitrone aus der Kunstgeschichte wurde von Édouard Manet 1880 gemalt. Das Bild hat kein direktes Vorbild, steht jedoch in der Tradition der niederländischen und spanischen Malerei des Barock, in der bisweilen Früchte symbolische Anspielungen auf die dargestellten Personen enthalten. Zu allen Zeiten deutet die Symbolik der Frucht auf den Gegensatz äussere Schönheit, innere Säuere hin.

8   Siehe hierzu: https://de.wikipedia.org/wiki/Die_gro%C3%9Fe_Welle_vor_Kanagawa

Rolf Lauter – Homage to Christian Boltanski 07/2021

“A photo is the memory of somebody who is missing ….

I really believe there is a lot of spirit around us …

A face is like a puzzle of all these people that were before us and I believe that our spirit is also a puzzle of all the people that were before us. A little part of us will survive in the future.

Now I am happy and quiet, now I am a happy man …”

CHRISTIAN BOLTANSKI

Ein Foto ist die Erinnerung an jemanden, der vermisst wird ….

Ich glaube wirklich, dass es um uns herum viel Geist gibt …

Ein Gesicht ist wie ein Puzzle all dieser Menschen, die vor uns waren, und ich glaube, dass unser Geist auch ein Puzzle all der Menschen ist, die vor uns waren. Ein kleiner Teil von uns wird in Zukunft überleben.

Jetzt bin ich glücklich und still, jetzt bin ich ein glücklicher Mann …

CHRISTIAN BOLTANSKI

                                                                               

Christian Boltanski was born on September 6, 1944 and died in Paris on July 14, 2021 at the age of 76 after a lengthy illness. His last major retrospective took place in 2019 at the Center Pompidou Paris.

Christian Boltanski wurde am 6. September 1944 geboren und verstarb am 14. Juli 2021 im Alter von 76 Jahren nach einer längeren Krankheit in Paris. Seine letzte grosse Retrospektive fand 2019 im Centre Pompidou Paris statt.

https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/crEx95

For the opening of the MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt in June 1991, the artist was invited to create two room installations for exhibition spaces of his own choosing. Boltanski chose Les Ombres (1986) and Les Suisses Morts (1990). In memory of his extraordinary pictorial thinking and his consistent artistic paraphrasing of memory for our consciousness, the collection text for the two impressive works from 1991 is being published again here.

Zur Eröffnung des MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt im Juni 1991 wurde der Künstler eingeladen, zwei Raum-Installationen für von ihm selbst gewählte Ausstellungsräume zu realisieren. Boltanski entschied sich für Les Ombres (1986) und Les Suisses Morts (1990). In Erinnerung an sein aussergewöhnliches bildnerisches Denken und sein konsequentes künstlerisches Paraphrasieren der Erinnerung für unser Bewusstsein wird hier der Sammlungstext zu den beiden eindrucksvollen Werken aus dem Jahr 1991 wieder publiziert.

Christian Boltanski, Jörg Zutter, Rolf Lauter @ Opening Museum für Moderne Kunst Frankfurt June 6, 1991. Photograph: Axel Schneider, Frankfurt am Main

Christian Boltanski

Les Ombres (1986) und Les Suisses Morts (1990)

In two small rooms in the MMK that do not immediately catch the eye, Christian Boltanski (born 1944) has created two permanent installations which explicitly address the issues of ”life” and ”death” which, after all, form the central coordinates of our existence. On first encounter, both rooms, which seem more to be broom cupboards than proper rooms, have a gloomy, unapproachable feel to them, making it quite difficult to take the first decisive step across their threshold. What comes to mind are small, often barely visible side chapels in churches, whose presence derives from the intangible symbolism of belief and of mystical obscurity. And should you nevertheless have the courage to immerse yourself in Boltanski’s rooms with their religious tones, you will find yourself shrouded in a curious atmosphere of silence and the sublime, where somehow all links to the present have been severed.

When you enter the small, narrow rectangular room housing the installation entitled Les Ombres (The Shadows, 1986), you will immediately notice, at a height of some 120 cm, a frieze which extends to the left and right of the room’s center. This carefully staged scenario is composed of figures fashioned in twisted wire and mounted along the wall; before each, a small candle has been positioned, placed on a small support. The figures either resemble simple human figures, or look like miniature angels with wings. The small flames of the candles illuminate shed a yellow-red light on the metal figures, creating an individual aura or mandorla around each, while each figure itself casts an individual shadow onto the wall behind.

From the perspective of the viewer, Boltanski uses the spatial setting of light to figure and of figure to shadow to paraphrase an order of things which corresponds to our order or to our concept of reality. The light of the candles is on the same level of reality as are we as observers and is thus first and foremost a symbol of presence on earth as a whole and of the current presence of human life – in this regard it resembled Nam June Paik’s One Candle installation. It is fair to say that the factual presence of the candlelight represents life and existence per se. Moreover, it symbolizes the life-giving energy behind the world, nature and human-beings. It can be associated with the sun as a source of energy and as a divine or philosophical power and without which life in the universe is impossible. Indeed, in view of the symbolic meaning of light, when confronted by this installation many people may well recall the custom practiced especially by the Catholic church and its liturgy of lighting candles in memory of people who have died, thus keeping alive in the memory of the living the light of those erstwhile lives as a ”memento mori”, as it were.

The wire figures, on the other hand, exist in line with some ambivalent concept of reality and signify the border areas between life and death. In the same way that human existence is defined by the existential coordinates of birth and death, the front and rear views of the figures testify to the fact that they are parts of factual, material reality. One of their sides is turned to the light, the other to the darkness. Each of the figures is worked differently; the phenomenology of some suggests more the realm of the human form, while others tend to evoke in us concepts of flying beings, angels or figures of the imagination. In this context, Boltanski plays with our recollections of childhood, of biblical or other religious concepts, as well as collective fantasy figures, which can be located in some domain between factual reality and other realities.

The distance between each candle and figure is the same as that between the figure and the wall, yet the shadows the figures cast on the wall are of course greater. These shadowy beings tend more or less to dance on the wall, depending on how strong the flurry of air is that blows against the lit candles each time a person enters the room. Once again the artist kindles various associations in us, albeit this time they revolve around a realm which, as always, remains impenetrable and inexplicable, namely that of death or of that kind of reality which is to be located behind visually tangible reality. These will-o-the-wisp figures are ephemeral and disappear as soon as the candles go out. In other words, the shadows always relate to the figure in front of them and, paralleling light as a symbol of life stand as symbols of death or of the realm of shadows. They are essentially mirror images of reality as we factually experience it, of a place which our imagination can only conceive of in abstract terms and whose key constants are based on a polarity, yet one likewise containing mirror images: namely the concepts of space and time such as exist in modern physics.

Ever since Classical Antiquity, concepts of a world after death (Hades) have been associated with the shadowy existence of the former living persons. In theory, it was even possible, if we think of Orpheus and Eurydike, for the gods to intervene and bring a being who lived in that shadow underworld back to life. Bill Viola has gone one step further in his artistic construction of the notion of the underworld, namely in his room installation Tiny Deaths (1992). There, he projected onto the walls of a dark room images of people filmed using a video camera who seem to engage in a border-crossing dialog with each other and apparently with the observer on memory and recollection – to this end the film runs backwards.

With Les Ombres, Boltanski engages us in highly complex issues on the concepts of factual and transcendental realities, on how we address centuries-old collective symbols which have, perhaps, always been fundamentally rooted in human consciousness. He likewise has us focus on the important role our fantasy and our mental powers of imagination have for our future, and on the need for a collective memory which we should endeavor to uphold and convey in a wide variety of artistic forms, actions and rites.

Christian Boltanski, Les Ombres (1986). Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main 1991. Photographs: Axel Schneider, Frankfurt am Main

Boltanski has given his second room in the MMK, and it again recalls a storage room, the title Les Suisses Morts (The Dead Swiss, 1990). In order to gain entry to this likewise gloomy and almost ”grotto” or ”tomb”-like room you simply have to descend three steps, an action which immediately gives you the feeling you have crossed a threshold and left everyday reality behind you. You find yourself in a chamber the rear section of which makes a turn to the left and is painted in black; the walls are completely covered from floor to ceiling with over 700 black-and-white photos in glass frames. The photos in question are portraits which the artist produced based on photographs of dead persons published in the Swiss canton newspaper „Le Nouvelliste du Vallais“. On account of the differences in the quality of the newspaper prints, the portraits differ starkly in terms of sharpness and precision, an artistic element which underscores even more the random selection involved. Just below the ceiling, Boltanski has positioned a series of small, black clip-on lamps in the manner of a frieze, thereby lending the room the atmosphere of a memorial chapel, a mausoleum, or a cenotaph.

Given the especially ”reverent” atmosphere, you will probably enter the room quietly and hesitantly. Once you have reached the back of the room, it becomes clear that it contains nothing else – other, that is, than the portrait photos in their identical glass frames, each edged in black adhesive tape. They include pictures of younger and older children, of young people, and also adults of varying ages. The first impression one has of the photographs, distributed in a serial and contingent manner bereft of any discernible structural order, is of some stereotype, archival collection of documentary portraits. However, this impression is as fleeting as the associations you may have of ancestral galleries, of family genealogies, or material from police archives such as the ”missing persons” reports and police portraits. All these options are improbable given the sheer number of individuals, the lack of arrangement, and the range of ages. Boltanski confronts us with a sudden image of collective death presented in a subtle manner.

If we bear in mind the title of the installation we will quickly realize that the persons in the portraits are ”dead Swiss”; in other words, they are individuals of various ages, all unknown to us, who died at some unspecified time and place. The only fact they have in common is their territorial and national origin, which, does not however say anything about their personal fate. As far as we can tell, the 700 dead persons are simply ”normal” dead persons – they are not persons who were killed or murdered, but people like you and me, like all those countless unknown people you meet on the street. However hard we may attempt to find some other unifying elements amongst some or many of these dead people by making individual comparisons, be it that the one or other may perhaps express sadness more strongly, others joy, still others ”normality”, each such attempt will always bring us back to the original signal insight: the persons featured in the photographs are the product of random selection and are not any special kind of ”dead Swiss”.

Boltanski’s ”The Dead Swiss” makes use of the principle of reproduction of an reproduction to engage us in a general perceptual process relating to death per se. We find ourselves pondering issues surrounding our handling of death rituals, issues of recollection and of how we commemorate dead persons both in a private, but also in a collective context. Considered in relation to the importance of the use in artworks of images that are themselves already reproductions and the use of a serial principle, this installation can be compared to Andy Warhol’s ”Death and Disaster Paintings”, whereby Warhol based his series on silk-screens of photographs. In both cases, the individual fates of the dying or dead persons as well as the related individual acts of mourning by relatives is rendered anonymous, stripped of any vestiges of individuality through the use of image reproduction. In this way, the new images of anonymity becomes the theme to which we turn our attention.

Death and dying are existential matters which affect us all, but which we increasingly attempt to exclude from our everyday lives.

In the process, we ”bury” our feelings and recollections, ignore our memories in favor of muddling through everyday life; in so doing, we degenerate ever more into people who simply respond to things instead of acting independently. Not only does Boltanski succeed in „The Dead Swiss“ in addressing those historically significant collective experiences of dealing with war, genocide, or death in general, that are usually so dreadful for the people or nation concerned. He also shows us a means of individually concerning ourselves with the issues of death and dying that enables us to come to grips with them. He reminds us through the vast numbers of dead faces arranged on the walls somewhat sarcastically that not only were millions of Jews murdered during World War II by the Nazis, but that every day all over the world, people die a natural or unnatural death on a huge scale – even in Switzerland!

”Generally speaking, to my mind, death is one of the major themes of art,” Boltanski once said, and thus took it upon himself to become the observant and admonishing artistic ”trustee” of our collective memory. He offers us metaphorical documentation and a symbolic archive, in other words the systematically processed materials of our collective memory, compelling us to recognize once again that it is imperative to square up to our memories of history. And at the same time, he enables us through an aesthetic perception of his installations to sense the significance of our corporeal memory. Indeed, with the assistance of both emotional and intellectual experience, he makes us forcefully aware of the core values of life on earth in the past, present and future

Rolf Lauter, Zürich 2021

Translation: Jeremy Gaines.

Christian Boltanski, Les Suisses Morts (1990). Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main 1991. Photograph: Axel Schneider, Frankfurt am Main
Christian Boltanski, Les Suisses Morts (1990). Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main 1991. Photograph: Rudolf Nagel

See also the interview by Judith Benhamou

An homage to Christian Boltanski

Christian Boltanski

Les Ombres (1986) und Les Suisses Morts (1990)

In zwei kleinen, etwas versteckten Räumen des MMK hat Christian Boltanski (geb. 1944) permanente Installationen realisiert, die sich explizit mit den Fragen ’Leben’ und ’Tod’ auseinandersetzen und damit die zentralen Koordinaten unserer Existenz thematisieren. Beide Räume, die auf den ersten Blick eher wie ‘Abstellkammern‘ wirken, strahlen zunächst eine düstere, unangenehm distanzierte Atmosphäre aus und machen es dem Besucher nicht leicht, die Eingangsschwelle zu überschreiten. Man fühlt sich an kleine, oft kaum wahrnehmbare Seitenkapellen in Kirchen erinnert, die von der immateriellen Symbolik des Glaubens und einer mystischen Unbestimmtheit getragen werden. Wagt es der Betrachter dennoch, in Boltanskis als sakral empfundene Räume einzutauchen, entfaltet sich eine merkwürdige Stimmung der Stille und des Erhabenen, stellt sich bald der Eindruck eines außerhalb jeglicher Gegenwärtigkeit liegenden Ortes ein.

Betritt man den kleinen, schmalen längsrechteckigen Raum, dessen gestaltete Inszenierung mit dem Titel Les Ombres (Die Schatten, 1986) bezeichnet wird, erkennt man – jeweils beginnend ab der Raummitte links und rechts – in einer Höhe von ca. 120 cm einen umlaufenden Fries aus kleinen in Metalldraht gebogenen und an die Wand montierten Figuren, vor denen auf kleinen Konsolen je ein Teelicht angebracht ist. Die geformten Figuren ähneln vereinfachten menschlichen Gestalten, oder kleinen Engelsfiguren mit Flügeln. Die kleinen Flammen der Kerzen beleuchten die metallenen Figuren mit ihrem gelblich-roten Licht von vorne und bilden um sie eine individuelle Aura, eine Art ’Mandorla’, während jede Figur wiederum auf die Wand dahinter eine individuelle Schattenfigur wirft.

Aus der Perspektive des Betrachters gesehen umschreibt Boltanski mit der räumlichen Abstufung von Teelicht zu Figur zu Schatten eine Ordnung, die der Ordnung oder Vorstellung unserer Wirklichkeit entspricht. Das Licht der Kerzen steht in einer Realitätsebene mit dem Betrachter und ist damit zuallererst Sinnbild für die allgemeine irdische Gegenwart und aktuelle Gegenwärtigkeit des menschlichen Lebens, ähnlich wie in Nam June Paiks Installation One Candle. Das Kerzenlicht wird damit in seiner Faktizität zum Stellvertreter für das Leben und die Existenz eines Individuums an sich. Es symbolisiert außerdem die lebensspendende Energie des Lichts für die Zyklen der Erde, der Natur und des Menschen. In ihm ist somit sinnbildhaft die Sonne als Energieträger eingebunden, ohne die ein Leben im Universum unmöglich ist. Darüber hinaus lässt sich das Licht unter philosophischen Gesichtspunkten als eine lebensspendende, göttliche Kraft interpretieren. Bezogen auf die symbolische Bedeutung des Lichts denken in diesem Raum viele Menschen an den vor allem in der katholischen Kirche und Liturgie gängigen Brauch, Kerzen für die Verstorbenen zu entzünden, um ihr einstiges ’Lebenslicht’, ihre Seele, im Gedächtnis der Lebenden gleichsam als ’memento mori’ wachzuhalten.

Die Metallfiguren gehören dagegen einer ambivalenten Wirklichkeitsvorstellung an und stehen für die Grenzbereiche zwischen Leben und Tod. Wie das menschliche Dasein zwischen den existenziellen Koordinaten Geburt und Tod eingebunden ist, so manifestieren die beiden Ansichtsseiten der Figuren, dass sie Bestandteile der faktischen, materiellen Realität sind. Ihre eine Seite ist dem Licht, ihre andere der Dunkelheit zugewandt, also stehen die beiden Seiten wiederum sinnbildhaft für Leben und Tod. Die unterschiedliche Bearbeitung der Figürchen weist manche von ihnen eher dem Bereich der menschlichen Gestalt zu, während andere in uns dagegen eher Vorstellungen an geflügelte Wesen, Engel oder Figuren aus einer Phantasiewelt wachrufen. Boltanski spielt in diesem Zusammenhang auf unsere kulturellen Vorstellungen und Erinnerungen an die Kindheit, an biblische oder andere religiöse Vorstellungen sowie an kollektive Phantasiegestalten an, die den Bereichen zwischen der faktischen Wirklichkeit und anderen Wirklichkeiten der Phantasie, Mythologie oder dem Märchen zugeordnet werden können.

In gleichem Abstand, wie er zwischen Teelicht und Figuren existiert, bilden sich auf der Wandfläche hinter den Konsolenelementen größere Schattenfiguren. Diese Schattenfiguren tänzeln mehr oder weniger an den Wänden, je nachdem wie stark der Windhauch ist, der sich durch den eintretenden Betrachter auf die Kerzenflammen überträgt. Wieder weckt der Künstler in uns Assoziationen, die sich dieses Mal aber alle um den für uns nach wie vor undurchdringlichen und unerklärlichen Bereich des Todes oder derjenigen Realität dreht, die sich hinter unserer sichtbaren Wirklichkeit abspielt. Die Schatten der Figürchen sind ephemer und verschwinden, sobald das Kerzenlicht ausgeht. Sie beziehen sich demnach stets auf die vor ihnen stehende Gestalt und sind – parallel zum Sinnbild des Lichtes, welches für das Leben steht – Sinnbilder des Todes oder der Schattenwelt. Sie sind gleichsam Spiegelbilder der faktischen Lebensrealität an einem für die menschliche Vorstellungskraft nur abstrakt zu denkenden Ort, dessen Grundkonstanten auf einer polaren und ebenfalls spiegelbildlichen Raum-Zeit-Vorstellung basieren, wie sie etwa auch in der modernen Physik vorherrscht. Seit der Antike sind Vorstellungen von einer Welt nach dem Tod (Hades) mit einem Schattendasein der ehemals Lebenden verbunden. Theoretisch war es – unter Eingreifen der Götter – sogar möglich, ein im Totenreich existierendes Wesen wieder lebendig werden zu lassen (Orpheus und Eurydike).

In seiner bildnerischen Umsetzung der Vorstellung der Schattenwelt noch weiter ging Bill Viola mit seiner Rauminstallation Tiny Deaths (1992), indem er die mit der Videokamera gefilmten und auf die Wände eines dunklen Raumes rückwärts abgespielten Bilder von Menschen projizierte, die untereinander und scheinbar mit dem Betrachter einen grenzgängerischen Dialog über Gedächtnis und Erinnerung, Realität und zweite Realität, sichtbare Welt und unsichtbare Welt eingehen.

Boltanski verstrickt uns bei der Betrachtung seines Raumes Les Ombres in sehr komplexe Fragen über die Vorstellungen der faktischen und transzendenten Wirklichkeiten, über unseren Umgang mit jahrhundertealten, vielleicht sogar grundlegend im Menschen verankerten archetypischen, kollektiven Symbolen, über die Bedeutung, die unsere Phantasie und geistige Einbildungskraft für unsere Zukunft spielt und über die Notwendigkeit des kollektiven Gedächtnisses, das es in unterschiedlichsten Gestaltungsformen, Handlungen und Riten zu bewahren und von Generation zu Generation weiterzugeben gilt.

Christian Boltanski, Les Ombres (1986). Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main 1991. Photographs: Axel Schneider, Frankfurt am Main.

Ein zweiter wiederum kammerartiger Raum Boltanskis trägt den Titel Les Suisses Morts (Die toten Schweizer, 1990). Der Besucher erreicht diesen ebenfalls düsteren und fast ’grottenhaft’ oder ’gruftartig’ anmutenden Raum allein durch das Hinabschreiten über drei Treppenstufen, womit einem wiederum sofort ein Gefühl des Überschreitens einer Schwelle weg von der alltäglichen Wirklichkeit befängt. Die Kammer, die im hinteren Teil einen Winkel nach links beschreibt, ist schwarz ausgemalt und ihre Wände sind vollständig, vom Boden bis zur Decke, mit über 700 in Glasrahmen eingerahmten Schwarz-Weiß-Fotografien behängt. Es handelt sich dabei um Porträtfotos, die der Künstler nach den in der Schweizer Kantonszeitung ”Le Nouvelliste du Vallais” abgebildeten Porträtaufnahmen von Verstorbenen angefertigt hat. Aufgrund der unterschiedlichen Abbildungsvorlagen kam es innerhalb der Aufnahmen zu großen Unterschieden in Bezug auf die Schärfe und Präzision der abgebildeten Personen, ein gestalterisches Element, das den an sich schon zufälligen Charakter der Fotoauswahl noch zudem unterstreicht. Knapp unterhalb der Raumdecke montierte Boltanski friesartig kleine schwarze Klemmlampen, die dem Raum die Atmosphäre einer Andachtskapelle, eines begehbaren Grabmals oder eines Kenotaphs geben.

Der Betrachter wagt sich aufgrund dieser besonderen, ’andächtigen’ Stimmung nur langsam und leise in die Kammer. Am hinteren Raumende angekommen wird ihm schnell deutlich, dass ihn nichts anderes erwartet, als die immer gleich gerahmten, mit schwarzem Klebeband verklebten und verglasten Porträtfotos, darunter solche von jüngeren und älteren Kindern, Jugendlichen sowie Erwachsenen verschiedener Altersstufen. Die Fotografien wirken beim ersten Eindruck in ihrer seriellen und aleatorischen Verteilung, die keine strukturelle Ordnung erkennen lässt, zunächst wie eine stereotype, archivarische Ansammlung dokumentarischer Porträts, ein Eindruck, der sich aber nicht lange hält. Assoziationen an Ahnengalerien, Familienstammbäume oder polizeiliches Archivmaterial von Vermisstenanzeigen sowie Fahndungsbildern werden ebenfalls als inhaltliche Lösungen aufgrund der massenhaften und ungeordnet alle Altersstufen des Menschen betreffenden Individuen verworfen. Boltanski konfrontiert uns unvorbereitet und subtil in Szene gesetzt mit dem kollektiven Tod!

In Verbindung mit dem Werktitel wird bald deutlich, dass es sich bei den abgebildeten Personen um ”Tote Schweizer” handelt, also um für uns unbekannte Individuen verschiedenen Alters, die irgendwann und irgendwo verstorben sind. Das einzige Bindeglied zwischen ihnen ist ihre territoriale und nationale Herkunft, die aber gar nichts über ihr individuelles Schicksal aussagt. Die 700 Toten sind ’normale’ Tote, nicht – soweit sich dies erkennen lässt – getötete oder ermordete Menschen, sondern Menschen wie du und ich, wie der ’andere’ Unbekannte auf der Straße. Wir versuchen über individuelle Vergleiche andere verbindende Elemente unter einigen oder vielen dieser Toten herauszufinden: Manche der Porträts drücken vielleicht etwas stärker Trauer, andere Freude, wieder andere ’Normalität’ aus, aber immer wieder kehren unsere Deutungsversuche auf den Ursprung der Erkenntnis zurück, nämlich dass es sich bei den fotografierten, abgebildeten Personen um irgendwelche und keine speziellen ”Toten Schweizer” handelt.

Boltanski verstrickt uns bei der Betrachtung der ”Toten Schweizer” unter Ausnutzung des Prinzips der Reproduktion nach einer Reproduktion in einen allgemeinen Wahrnehmungsprozess über den Tod an sich, über Fragen im Umgang mit Todesritualen, Fragen der Erinnerung und des Gedenkens an die Toten sowohl im privaten, wie auch im kollektiven Bereich. Bezogen auf die Bedeutung der Verwendung von bereits reproduzierten Bildern im Kunstwerk und auf die Einbeziehung des seriellen Prinzips ist diese Installation mit den ’Death and Disaster Paintings’ Andy Warhols vergleichbar, die dieser allerdings unter Übertragung von Fotografien mittels Siebdruck-Verfahren herstellte. In beiden Fällen werden die individuellen Schicksale von Sterbenden oder Toten sowie die damit verbundene individuelle Trauer der Nachkommen durch dieses doppelte Reproduktionsverfahren anonymisiert, de-individualisiert und zu dem eigentlichen Gegenstand der Bildbetrachtung gemacht.

Sterben und Tod sind existenzielle Bereiche, die uns alle angehen, die wir aber immer stärker aus dem gesellschaftlichen Alltag ausblenden. Dadurch ’verschütten’ wir unsere Gefühle und Erinnerungen, lassen wir für unser Gedächtnis keinen Raum in der Bewältigung unseres Alltagslebens, verkommen wir immer mehr zu reagierenden statt zu selbständig agierenden Menschen. Neben den geschichtlich bedeutsamen und für ein jeweiliges Volk oder eine Nation oft schrecklichen kollektiven Erfahrungen im Umgang mit Krieg, Völkermord, oder Tod im allgemeinen weist uns Boltanski mit ”Les Suisses Morts” den Weg zu einer individuellen Thematisierung und Verarbeitung von Fragen des Sterbens und des Todes. Er erinnert uns durch die massenhaft an den Wänden platzierten Gesichter von Toten etwas sarkastisch daran, dass nicht nur Millionen von Juden im Zweiten Weltkrieg durch deutsche Nationalsozialisten ermordet wurden, sondern dass jeden Tag in der ganzen Welt massenhaft Menschen eines natürlichen oder unnatürlichen Todes sterben, sogar auch in der Schweiz!

”Der Tod ist für mich generell eines der großen Themen in der Kunst”, äußerte sich Boltanski einmal, der damit die Rolle des beobachtenden und mahnenden künstlerischen ’Sachverwalters’ unseres kollektiven Gedächtnisses übernommen hat. Er stellt uns metaphorisch inszeniert Dokumentationen und Archive zur Verfügung, das heißt systematisch verwaltete Materialien unseres kollektiven Gedächtnisses, um uns die Notwendigkeit des Umgangs mit unserem geschichtlichen Gedächtnis wieder erkennen zu lassen. Er lässt uns gleichermaßen durch die ästhetische Wahrnehmung seiner Installationen die Bedeutung unseres Körpergedächtnisses erfahren und macht in uns mit Hilfe von emotionalen sowie geistigen Erlebnisaneignungen die Basiswerte unseres Daseins in Geschichte, Gegenwart und Zukunft eindringlich bewusst.

Rolf Lauter, Zürich 2021

Christian Boltanski, Les Suisses Morts (1990). Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main 1991. Photograph: Axel Schneider, Frankfurt am Main
Christian Boltanski, Les Suisses Morts (1990). Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main 1991. Photograph: Axel Schneider, Frankfurt am Main
Christian Boltanski, Les Suisses Morts (1990). Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main 1991. Photograph: Rudolf Nagel

See as well the Interview by Judith Benhamou

An homage to Christian Boltanski

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